Натюрморт в истории изобразительного искусства. Его значение в детских школах искусств

Муниципального бюджетного учреждения дополнительного образования «Детская школа искусств Пермского муниципального района»

Пермского края

Филиал «Сылвенская детская школа искусств»

Натюрморт в истории

изобразительного искусства.

Его значение в детских школах искусств

Преподаватель изобразительного искусства

Головина Н.Н.

п. Сылва-2020

Роль натюрморта в обучении начинающих художников определяется его наглядностью и доступностью. Простые, четкие геометрические формы, лежащие в основе всего разнообразия природных форм, дают возможность учащимся познакомиться со средствами и способами построения объемного изображения. Наряду с развитием навыков работы с натуры на пленэре и учебных постановках с людьми натюрморт является также хорошим средством формирования творческих способностей учащихся, развивает наблюдательность, зрительную память, способность увидеть в окружающем мире разные изобразительные темы и сюжеты.

Возникновение натюрморта как жанра искусства относится к 17 веку – эпохе барокко. Изучение данной проблемы нужно начать с более ранних периодов в истории искусства, потому что корни барокко, как и всей современной культуры, начинаются далеко в прошлом.

Возникновение термина naturemorte относиться к началу 19 века. На протяжении 19-20 веков исследователи наблюдают непрерывную эволюцию термина, постоянные изменения его смысла и значения. Первоначальное его содержание было весьма узким. Оно определяло изображение исключительно мертвой натуры: мертвые звери, битая дичь, сорванные плоды и цветы. Но очень скоро и незаметно значение термина распространилось сначала на все неодушевленные предметы, потом на существа органические низшего порядка, а очень скоро и на все живущее, включая и человека, который выступает в роли стаффажа. В период расцвета натюрморта еще не существовало одного объединяющего термина для данного рода живописи. Итальянский термин riposo, голландский – stilleven, французский – nature появились гораздо позднее.

Одно из первых определений натюрморта ввел в употребление голландский художник Хоубракен. Он подобрал термин «Спокойная жизнь». Следующим определением натюрморта было название «Безмолвная жизнь вещей».

Историческое развитие жанра «Натюрморт»

Живопись способна отобразить красоту действительности, богатство и блеск, сложные цветовые сочетания и многообразие образов. Ей доступно не только воспроизведение материального богатства, но и строгости натюрморта. Живопись способна запечатлеть запахи цветов, настроение старины, мысли о вечном и земном, передавать оттенки цвета и сложность светотени.

Изображения отдельных предметов встречаются среди древних росписей сосудов и фресковых росписей. Например, изготовители минойской керамики 17 в. До н. э. изображали цветы, раковины, узоры из листьев. Изделия расписывали светлыми красками на темном фоне. Примечательно, что сосуды данного периода и более поздних столетий имели, преимущественно, геометрический орнамент. В росписях зданий также использовались концентрические круги, волнообразные линии и точки. Вероятнее всего, древние художники придавали узорам символическое значение. Нет оснований говорить о натюрморте как жанре в период от первобытного рисунка эпохи палеолита (20-21 тыс. лет назад) до Римского искусства (5-1 в. До н. э.) Данный период развития прикладного искусства можно назвать зарождением жанра «натюрморт». Его характер сказывается прежде всего в том, что изображаются не целые предметы, а только их части, разрозненные элементы. Изображение предметов приучило древнего художника к двум новым, неведомым для него ранее наблюдениям – к симметричным группам и расположениям наиболее узнаваемой стороной, где предмет по своему знаку узнаваем с изображенной стороны предметов и форм.

Художники Египта, изображая отдельные предметы, не передавали их действительного масштаба и размера. Нет сомнения, что произвольность масштаба изображенных вещей тормозила развитие предметных композиций в египетском искусстве. Объемы лишались своей среды, помещались в плоскостное пространство, они составляли ряд самостоятельных форм, не связанных в единую композицию.

Древний художник не признавал в рельефе пространства, воздуха, атмосферы, он не чувствовал ароматной волны, исходящей от цветка. В египетском искусстве аромат цветка выражался не воздухом, не дрожанием, а движением, протяженностью, наклоном – он проходил в человека через лепестки, через линию.

Таким образом, египетские художники создали предметное развернутое пространство, подготовили основу появления жанра «натюрморт».

Греция (конец 3 – 2 вв. до н. э.)

На первый план выдвигается проблема пространства, с которой тема натюрморта неразрывно связана. Для греческого искусства были характерны «висячие натюрморты». Художники не считали нужным изображать за предметами поверхность, на которой они размещались как бы в подвешенном состоянии.

Изобретение «висячих натюрмортов» давало живописцу возможность раскрывать с большим богатством обстановку изображаемой сцены. Интерес к обстановке явился первым предвестником натюрморта. Подобные «натюрморты» имели « изолированный характер», так как предметы не связывались с окружающей средой.

Эта тема будет развиваться в натюрмортах более позднего времени. Примером могут служить «Музыкальные натюрморты», «Антикварные натюрморты», «Военные».

Римское искусство (5- 1 вв. до н. э.)

В культуре Римской империи предпочтение отдавалось гражданской архитектуре, портрете, скульптуре, рельефу. Настенные росписи являлись обязательной частью в домах патрициев. Одним из лучших образцов римского искусства являются фрески виллы. Мистерий в Помпеях, на стенах которых с 1 в. До н. э., начинает развиваться натюрмортная живопись. Об этом свидетельствуют также росписи на стенах домов в Геркулануме. Рассмотрим фрагмент настенной росписи здания (середина 1 в. До н. э. ). Художник изобразил фрукты, лежащие на двух полках. Ветка с плодами и листьями соединяет верхнюю и нижнюю плоскости, рядом стоит стеклянный кувшин с водой. Свободные широкие мазки и светлый гармоничный колорит фрески подчеркивает ее простую красоту.

Средневековье.

Эпоха Средневековья длилась более 12 веков и оставила богатое культурное наследие. В период раннего Средневековья образовалась Византия и Западная Римская империя (нач. 5 – середина 10 вв. ). Искусство раннего Средневековья было связано с принятием христианства. Ведущее место в это время занимала живопись в книгах священного содержания (книжная миниатюра).

На смену раннехристианскому пришел романский стиль (10 – 12 вв.). Церковь была единственным заказчиком, к тому же образованным и богатым. Поэтому почти все романское искусство связано с христианским вероучением, с образованием монастырей. В этот период большое внимание уделялось строительству храмов, которые украшались фресками и витражами.

В начале 17 в. Во Франции зародился готический стиль. Почти все произведения готического искусства по-прежнему были связаны с христианской религией. В то же время некоторые художники стали обращаться к легендам и мифам. В эпоху готики в Германии зародилась станковая живопись. Ей еще не была знакома целесообразность предмета, но она уже знала прелесть лишних вещей. Данное положение было важно для появления натюрморта. В готическом искусстве соединились религиозная тематика раннехристианского и романского стилей с новой светской темой. Таким образом, в период с 5 по 12 век живописных работ с изображением предметов обихода, снеди и цветов не было, потому что произведения изобразительного искусства отражали христианские художественные традиции.

Проторенессанс.

Эпоха Проторенессанс (18 – нач. 19 вв.) явилась переходом от культуры Средневековья к культуре Возрождения. Это был период творческого подъема, развития науки светского искусства. В произведениях живописи, выполненных в готическом стиле, проникает жизнерадостный дух, появляются реалистические мотивы. Важным достижением искусства Проторенессанса стало открытие перспективы. В 14 веке в искусстве наблюдался временный возврат к средневековым традициям. Данные тенденции несколько затормозили развитие реализма и, в том числе, натуралистического изображения живой природы и предметов быта, окружавших человека.

Начало 15 века было ознаменовано большими изменениями искусстве Западной Европы. Это первичный процесс переосмысления жизненных принципов. Новое мироощущение способствовало развитию научных знаний. Изменившееся отношение к жизни повлекло за собой потребность в новом искусстве. Идеальным образцом стала считаться античная эпоха.

Поэтому Новый период получил название Ренессанс, или Возрождение (15 в.). Высокое Возрождение (нач. 16 в.), позднее Возрождение (конец 16 в.). Культурными центрами были Флоренция, Рим и Венеция.

В истории развития натюрморта главенствующая роль Венеции выступает особенно ярко. Художники исходили от естества предмета, старались изобразить его в действии. Примером может служить работа «Цветы вносятся». Она передает самостоятельность предмета. Отдельные объекты таких натюрмортов могли «выглядывать» из живописной рамы или картины. Художники фламандского периода предпочитали поставить цветы в вазу, изображать цветы растущими, а не сорванными. Как это делали мастера северных провинций. Многие живописцы изучали и рисовали тела убитых животных. Итальянцы рассматривали мертвое тело как предмет, в изображении которого они достигли больших высот. И в это же время появляется «Антикварный натюрморт». Возникновение нового вида натюрморта имело скрытую основу: произведения античного периода дошли до эпохи Возрождения не всегда целиком. Прелесть этих антикварных фрагментов давала художникам широкую возможность компоновать предметы в любом порядке. Живописцы считали, что в сломанных предметах греческого искусства сохранилась неувядающая красота. Появление «антикварного» натюрморта, несомненно, связано с характером живописной техники Возрождения. Монохромность антикварных фрагментов отвечала скульптурности итальянской живописи.

Натюрморт эпохи барокко

В переводе с итальянского барокко означает «странный», «причудливый». В европейском искусстве этот стиль преобладал с 16 по 17 в. Основным принципом живописи барокко стала игра света, применение оптических эффектов и динамичность образов. Художники без использования четких линий передавали изображения различных предметов с помощью плавных переходов преимущественно теплых тонов.

Большое значение в развитии натюрморта имеет творчество итальянского живописца Тинторетто Якопи (1518 – 1594), первый из итальянцев от освещения перешел к свету. Он бросил на шумящую арену своих картин десятки световых ударов, водопад мелькающих огней. Вместо нежного, разглаживающего, пластического сфумато он добивается света ударного, света движения, света живописного, в ярких контрастах с тенью, в богатстве борьбы теплого с холодным. Тинторетто подчиняет свои композиции и отдельные фигуры своих композиций не велением пластической формы, не требованию рельефа, а движению световых лучей. Он заставляет предметы мерцать светом, маячить и переливаться, почти разлагая их формы, как это делали в готическую эпоху, но недопустимо было в эпоху Возрождения. Для Тинторетто впервые предметы перестали быть пластичными формами и обратились в живописные впечатления. Еще одно открытие для натюрморта было связано с изобретением Тинторетто некоего естества для предмета, некий божественный состав, из которого тон лепил вещь. Его облака, его бокалы и сосуды, его фрукты и ткани сделаны из света, из какой-то неведомой, серебристой, фосфоресцирующей материи. Они живут своей трепетной жизнью. Тинторетто открыл для живописи второй и третий план. Для предметов открылась большая свобода. Они стали располагаться по диагонали, вращаться в вечном движении, то погружаясь в тень, то выходя на яркий свет. Предмет сделался стихией. Открытие Тинторетто продолжили в Италии, во главе с Караваджо и Каррачи.

Основоположником барокко, зародившегося в Италии, можно считать Микеланджело да Караваджо (1573 -1610), Художник создал собственную систему, с помощью которой создавал монументальность обыденным явлениям, выражая их через контрасты света и тени. Контраст в работах художника оказывал определяющее влияние на восприятие объема. Караваджо первым использовал свет, чтобы им выделить главное.

Иногда свет становился важной темой картины. Эта система впоследствии получила название «караваджизм». Она оказала влияние на величайших художников Европы 17 века: Веласкеса, Рембрандта, Рубенса, Латура, Рибера, Сурбарана, Йорданса, и Вермеера. Большое внимание мастер уделял натюрморту. Первым его натюрмортом принято считать работу «Корзина с фруктами», написанную в 1596 году.

Темные фрукты и листья растений четко выделяются на фоне светлой стены. На картине тени становятся почти черными, конрастирующие с резким светом. Во всех работах Караваджо тени от предметов обьединяются с плотным фоном в одну цветовую массу. Художник выхватывает предметы из пространства, помещая их в светоносный вакуум, где они выглядят материальными, выступая из плоскости холста. Караваджо начал свою творческую карьеру с чистого натюрморта, с писания гирлянд и цветов для кавалера д. Арпино. Для Караваджо свет был дороже фигуры. Он первый выдвинул проблему света, он противопоставил его наивысшей темноте. Проблема света для него как для Итальянца была связана неразрывно с проблемой пространства.

Живописец Фландрии Франс Снейдерс (1579 – 1657) стал первым специалистом нового, фламандского стиля натюрморта. Натюрморты Снейдерса обладают удивительной достоверностью, многообразию предметного мира. Никто с таким мастерством и восторгом не воспел рыбные и мясные лавки. На них изображены бьющие крыльями птицы, визжащие поросята, собаки. Работы позволяют художнику продемонстрировать свое искусство изображения предметного мира и его разнообразие колорита, формы и текстуры. У Снайдерса Франса в натюрмортах торжествуют животные темы – алчные кошки, гибкие собаки, хитрые обезьяны.

Франсиско Сурбаран (1598 – 1664) – испанский живописец 17 века. Ученик Эрреры Старшего в Севилье. Его работам свойственна строгость и сдержанность, острота характеристики каждого предмета и локальность художественного пространства. Изумляет изысканность тонов, сила колорита. Работы выполнены в розовато – желтоватых и зеленоватых тонах с добавлением белых и красных пятен. Художник всегда стремится передать выразительно каждый предмет и светом подчеркнуть его форму.

Например «Натюрморт с апельсинами» (1633). В этом живописном полотне привлекает ясность композиции, крепость формы, сложность светотени и насыщенность колорита. Предметы размещены на простом деревянном столе, ничто не отвлекает внимание зрителя от основной композиции, разделенной на 3 группы. Слева четыре крупных лимона на блюде, справа на таком же блюде глиняная кружка с двумя ручками и цветок розы. В центре корзина, полная апельсинов. Падающий свет и резкие тени подчеркивают ритмичность композиции. Сурбаран написал много натюрмортов с посудой.

Работы живописца можно назвать выразительными, лаконичными по композиции, отличающимися высоким мастерством в передаче объемной формы.

Западноевропейский натюрморт 17 века.

В 17 веке в натюрморте господствовали голландские и фламандские мастера. В Голландии замечательные натюрморты писали Питер Клас, Александер Косеманс, Ян де Хем, Адри Ван де Велде, Виллем Клас Хеда. Во Фландрии натюрморт подняли на высоту Ван Сон, Ян Фейт, Клара Петерс.

Родоначальником жанра натюрморта в Голландии был фламандский живописец «цветов» Амброзиус Босхарт Старший (ок. 1570 – 1621), работавшей в Утрехте и Дельфте. Его «Натюрморт с фруктами» представляет раннюю стадию голландского натюрморта. Любовь художника к малым формам и мельчайшим деталям предметного мира стала национальной чертой голландского натюрморта.

Франсуа Рейкгальс – голландский художник. В его работах чувствуется борьба двух начал: фламандского изобилия и голландского напора. Диагональное построение и ассиметрия подчеркивают экспрессивный характер картины.

Виллем аль Альста: работы пронизаны контрастами и повторами, «перекличкой» линий и объемов чувствуется нервное, вибрирующее волнение художника.

Питер Клас (1597 – 1661) – был первым мастером, который обратил внимание на изображение предметов, окружающих человека в его повседневной жизни. Основатель серии «Завтраки» демонстрирует скромный набор предметов и простоту композиции. В натюрморте «Трубка и жаровня» (1636) художник так располагает предметы в пространстве, что образуется диагональ, подчеркивающая направление светового потока. Округлости этого кувшина смягчают обилие прямых линий в натюрморте.

Виллем Клас Хеда (1594 – 1682) – основатель и главный представитель направления «монохромные завтраки». Колорит его натюрмортов подчинен единому тональному началу и состоит из предметов, почти лишенных ярких локальных цветов: цинковые кувшины, оловянные тарелки, прозрачное или зеленоватое стекло. За кажущейся случайностью композиции стоит строгий расчет на контраст различных материальных качеств предметов.

В Голландии у итальянского художника Микеланджело да Караваджо были последователи. Они происходили из Утрехта – старого католического центра Голландии, который с давних времен ориентировался на Италию, ее культуру и искусство. Более яркий национальный характер носит творчество другого представителя утрехтских караваджистов – Хендрика Тербрюгтена (1588 – 1629). Его работы выгодно отличались тончайшей живописью, мягкостью контуров и более строгим колоритом.

Таким образом, мы можем отметить, что в 17 веке сформировался самостоятельный жанр «Натюрморт»: в этом жанре образовались несколько направлений, как поджанры;

Тема «Суета сует» служила напоминанием о краткости земной жизни и суетности всего земного, о близости смерти. Художники изображали натюрморты с черепами, песочными часами и горящими свечами.

Натюрморты – «Атрибуты науки и искусства». Этот тип натюрморта предметами и обстановкой мог рассказать про человека, кому принадлежали данные вещи, в какое время он жил, какого был достатка и т. д.

Натюрморт с атрибутами искусств.

«Обманки» или «Обман зрения». Излюбленными предметами живописцев были цветы, плоды и кувшины, размещавшиеся на карнизах, этот тип натюрморта был спорным: каждому хотелось посостязаться с самой природой и перещеголять.

Необходимо отметить что натюрморт 17 века внес существенные изменения в голландское искусство. На первый план выдвигается многообразие фактуры, их многочисленность и светотеневая моделировка.

Отметим самые характерные черты стиля:

Особое «погружение предметов в светотеневую среду, густую и вязкую.

Материальность предметов имеет особую ювелирную сделанность.

Предметов натюрморта небольшое количество, но они подобраны с большим смыслом.

Композиции натюрмортов строго выстроены. В своей основе они несут какое- то вечное начало как символ упорядоченной жизни.

Предметы натюрморта невозможно вычленить из общей среды, не разрушив его цельности.

Натюрморт выражает открытость и упорядоченность общественной жизни.

Натюрморт является отблеском стиля жизни Голландии 17 века.

Искусство 18 века.

Искусство 18 века вобрало в себя многие черты стиля барокко. Художники уделяли особое внимание окружающему миру вещей, что дало толчок развитию жанра бытовых зарисовок. В начале 18 века ведущее место в искусстве занял стиль рококо (Шарден, Фрагонар, «Узор из камней и раковин»). Основными чертами живописи нового стиля были орнаментальность, декоративность, стремление к изысканности, но без вычурности.

С первой четверти 18 века преобладающим настроением времени, взамен пафоса, становится стремление к грации. В период рококо спокойные линии заменяются грациозными. Главное место этого художественного стиля занимает праздник, утонченное наслаждение и любовь, утонченность чувственностью. Этот стиль намеренно избегает панели, стены закрывает их картинами. Появление зеркал на стенах, обозначает их полное уничтожение. Там, где находится зеркало, совсем нет стены, а вместо нее появляется отражение, которое открывает позади себя новое пространство.

Рококо освобождается от всего телесного. Утварь, даже та, которая требует самой строгой формы, становиться сплошным орнаментом. Глядя на какой-либо предмет, не догадываешься как он стоит. Однако все это требует самого сильного развития красочной изобразительности, самого сильного чувства в выражении пространства.

Во второй половине 18 – начале 19 вв. в искусстве ведущее место занимает сентиментализм. Жан Батист Симеон Шарден (1699 – 1779) – яркий его представитель, французский мастер натюрморта. В середине 18 века главное место в его творчестве заняла натюрмортная живопись. В отличие от современников, писавших декоративные натюрморты, Шарден писал «камерные», лишенные внешних эффектов картины. Объектами изображения становились бытовые предметы: кухонная посуда, бутылки, кувшины, овощи, фрукты, дичь. Шарден писал мелкими мазочками, напоминающие стежки. Его любимые цвета были серебристо – серые, теплые – коричневые, синевато – стальные, розовато – красные, белые и черные. При восприятии натюрморта на близком расстоянии все эти разноцветные мазочки кажутся брошенными произвольно на поверхность холста. Но стоит отойти только на некоторое расстояние от картины, как перед зрителем возникает стройная форма предмета. Необходимо отметить особую трактовку очертаний объемов. Они созданы из тонких валеров, которые лишают контуры жесткости. Данный прием усиливает взаимосвязь предметов. В отличие от голландской светотеневой среды, которую условно можно называть статичной, светотеневая среда Шардена обладает свойством пульсирующей среды. Она втягивает и выталкивает предмет; объединяет предмет и пространство. Они становятся почти равноправными участниками изображения.

Предметы в натюрмортах Шардена получили новое естество. Они стали единой средой вместе с окружающим пространством, а спокойствие и плавность линий, мягкость световой гаммы делали работы Шардена близкими стилю рококо.

Натюрморт 19 – 20 вв.

Художники 19 века. Все больше обращались к внутреннему миру человека. Натюрморт их мало интересовал, они признавали живую природу, видели не вещи, не форму, а свет и краски. Живописцы обращались к изображению внутреннего мира человека, настаивая на том, что форма произведения менее важна. Зрители требовали т живописи иллюзии, вдыхать аромат цветов, пробовать фрукты. Именно в этой атмосфере жили и творили импрессионисты 19 века: Поль Сезанн, Эдуард Мане и многие другие.

Поль Сезан писал, преувеличивая свет и тень, резко усиливая цветовые контрасты. В своих работах он использовал черные, коричневые и красные цвета на фоне светло – зеленого, голубого и серовато – белого цветов. Жанр натюрморта как нельзя более соответствовал привычке Сезанна к систематической работе. Натюрморты Поля Сезанна замечательны монументальностью и философской значимостью, конструктивностью и синтетичностью художественного языка, выражением материального мира, точной лепкой формы цветом. Сезанн сознательно искривляет предметы с целью показать их с различных точек, подчеркнуть их объемность, придавая им тем самым особую жизненную силу. Красота натюрмортов Сезанна объясняется той убедительностью, с которой он умеет доказать нам, что его «искривленное» видение более правдиво, более достоверно и более жизненно, чем-то восприятие реальных вещей, которое свойственно многим. Посвятив большое время натюрморту, он создал более 200 картин этого жанра.

Уже с самого начала своего творчества Сезанн пишет ряд значительных натюрмортов и картин, в которых заметно влияние таких художников, как Веронезе, Тинторетто, Делакруа, Домье. Так работы «Десерт», «Голубая ваза», отражают влияние импрессионистов. В последующих натюрмортах «Натюрморт» и «Натюрморт – яблоки и горшок с примулами» видно нарушение перспективы и усложнение композиции. Более поздние работы характеризуются уравновешенностью композиции, стройностью и гармонией, устойчивостью и линейностью очертаний.

Своим творчеством Сезанн создал новый и последний поворот в развитии натюрморта, он пыталсяв работах «предметно» передать все окружающее пространство. Этот жанр стали понимать то интерьерно, то пейзажно. Натюрморт превратился в особое художественное миропонимание.

Эдуард Мане – придал натюрморту прозрачность, воздушность, ощущение изменчивой красоты мира. Этот художник заговорил своим собственным языком, отныне свойственным только ему одному. В его работах поражает детальная точность в соотношении тонов. Размещенные на столе фрукты выступают на сером фоне между отдельными фруктами, в зависимости от большей или меньшей их сближенности.

Возникают колористические валеры, образующие целую гамму оттенков. Исходя от тона более светлого, чем этот тон является в действительности, вы принуждены будете держаться более светлой гаммы; обратное получится, если вы будете исходить от более темного тона. В этом заключается закон валеров.

Все своеобразие художника состоит в особой организации его глаза; он видит светлым, он видит массами. С какой непосредственностью он подходит к натуре, соединяя несколько предметов или фигур, он руководствуется лишь желанием достичь красивых пятен и красивых контрастов. Верность тонов располагает планы, наполняет холст воздухом, придает всему силу. Он говорит языком простым и точным. Тон, который он вносит, светел и наполняет холст сиянием. Его трактовка точна и проста; он оперирует большими ансамблями и намечает только массы.

Работы живописца стали выражением художественного видения мастеров 19 – начала 20 вв.

Натюрморты Эдуарда Мане -это не реальные вещи с их материальными свойствами, а красочные тени вещей, изменчивая видимость распускающихся роз, движение тонких ручек кофейника. Вещь всегда остается вещью, то впечатление от нее никогда не бывает одинаковым, оно может возрастать и падать, окрашиваться и тускнеть. Таким образом, в своих натюрмортах Эдуард Мане передает впечатление от предметов, которые возникают в его душе.

Натюрморты, выполненные различными художниками конца 19-20 вв., отличаются яркими красками, лаконичностью силуэтов, отсутствием световой моделировки предметов. Живописцы использовали локальный цвет, они опирались на традиции Востока и древнерусской иконописи.

В конце 1900-х – первой половине 1910- х годов русские художники Н. Н. Сапунов, Б. И. Анисфельд, П. В. Кузнецов, М. С. Сарьян, Н. С. Гончарова, М. Ф. Ларионов, И. Машков, П. П. Кончаловский, Р. Р. Фальк, и В. В. Рождественский привели русский натюрморт к невиданному до того в отечественном искусстве расцвету. В их живописи предстали самые разнообразные решения проблемы «мертвой натуры».

Своеобразным художественным мироощущением и мышлением отличался К. С. Петров – Водкин. Он считал, что натюрморт – это одна из самых острых бесед живописца с натурой. В нем сюжет и психологизм не загораживают определения предмета в пространстве. Каков есть предмет, где он и где я, воспринимающий этот предмет, - в этом основное требование натюрморта». Проблема предметов была тесно связана с идеей художника о «сферической перспективе». Петров – Водкин связывал в своих работах изображения предметов с необъятными просторами вселенной. Подобное пространственное построение натюрмортов наделило картины необычайной остротой и своеобразием.

Петров – Водкин разработал также свою теорию цвета. Он считал, что живопись нужно строить на сочетании немногих простых цветов, восходящих к основному хроматическому трехцветию – «красный – синий-желтый», взятому в той или иной тональности. Ограничение палитры не только не обеднило живопись Петрова – Водкина, а наоборот. В свои работы он помещал зеркала, стеклянные и блестящие предметы. Все они рассматриваются художником сверху. Предметы отражаются в зеркальных поверхностях, что удваивает изображение и позволяет взглянуть на объект с невидимой стороны («Утренней натюрморт» (1918). Все работы отличаются особой четкостью изображения, перечислением объектов. Предметы в натюрмортах располагаются таким образом, что позволяет Петрову – Водкину передать в своих картинах знание о предмете, который можно как бы обойти вокруг, получив полное представление о нем.

Таким образом, для художников 19-20 вв. основной задачей становятся индивидуальные переживания и впечатления от увиденного. Живописцы переносят главный акцент в живописи с предмета изображения на сознание зрителя.

Значение натюрморта в детских школах искусств.

Исходя из истории натюрморта, следует отметить, что разные возрасты учащихся выполняют натюрморты по-своему. Но совсем не лишне сказать им, что история натюрморта тесно связана с изображением предметов. Чтобы ученики выполняли натюрморт, не просто следуя основным правилам, но и с чувством. История изображения неживых предметов позволяет учащимся подойти к поставленной задаче творчески. Тем более используемый видеоряд работ великих мастеров вдохновит учеников.

Предлагаю некоторые темы натюрмортов:

«Тихий», «Грустный», «Сладкий», «Швейный», «Пряничный», «Влажный» и т. п.

Одновременно изучаем приемы и техники исполнения.

Все педагоги изобразительного искусства знают, что натюрморт – это «математика» искусства. При глубоком изучении предметов и их изображения у детей получается рисовать все. Пейзажи, портреты. Животные и т. д. И, если рассказать историю натюрморта, то заинтересованность учащихся несомненно принесет умения и навыки.

Основное обучение в детской школе искусств на отделении ИЗО - это, пред профессиональная подготовка учащихся. Обучение академическому рисованию. Это основная задача педагога. Чтобы будущий студент, поступающий в среднее художественное училище, колледж, смог самостоятельно выполнить задание.

Как в рисунке, так и в живописи. Опираясь на личный опыт, убеждена, что немного усложненные задачи в школе, помогут ему в дальнейшем с лёгкостью справиться с поставленном педагогом натюрмортов.

История возникновения натюрморта, поможет учащимся организовать пространство на листе. Существует такой термин "Окно в мир". Это когда зная законы перспективы, построение форм, чувство света и тени, холода цветов и тепла, ученик создаст это самое окно. 

Вот этому и должен научить ребёнка педагог. У каждого преподавателя разные приёмы обучения. Но результат должен быть один. Постепенно, со временем, ученик в школе искусств постигает эти знания. С годами у него в голове складываются законы изображения. Поэтому, эта гармония с внешним миром и предметом изображения на плоском пространстве, даст ребёнку раскрыть свой творческий потенциал.

Из личного опыта работы с детьми знаю, как только ученик начинает усваивать эти законы, у него начинают получаться все задания предложенные преподавателем. Появляется глубокий интерес к собственной работе, желание творить.

Поэтому, натюрморт, это основа обучения, основа всего.

Литература:

Алпатов М. В. Этюды по истории западноевропейского искусства М. Изд. АХСССР, 1963, С. 217-222.

Беда Г., Тон и цвет. Художник. 1963. Н. 7

Дмитриева О. Б. Художники Итальянского Возрождения, 14-16 века. 2- е изд. , испр., 1964.

Дмитриева О. Б. Искусство Фландрии 15-18 века. Изд. Гос. Эрмитажа, 1960.

Макарова М. Н. Перспектива, м. Просвещение, 1989

Лазарев В. Н. Старые европейские мастера. М.: Искусство, 1974

Кузнецов Ю. Голландская живопись 17-18 веков в Эрмитаже: Очерк-путеводитель, Л: Искусство 1988

Шагиро Ю. Г. Искусство Фландрии 17 века, Л.: Изд. Гос. Эрмитажа, 1962

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/425970-natjurmort-v-istorii-izobrazitelnogo-iskusstv