Работа над кантиленой в классе кларнета

Методический доклад на тему:

«Работа над кантиленой в классе кларнета»

Подготовила:

Кучма Юлия Салаватовна

преподаватель по классу кларнет,саксофон

Кантилена (cantilena)- значит мелодия, песнь.

Одной из важных сторон в развитии техники музыканта является - умение «петь» на инструменте. Подавляющее большинство педагогов в работе с учащимися уделяют воспитанию этого навыка много времени и сил.

Уметь исполнить кантилену на кларнете, значит решить главную задачу правильного освоения инструмента учащимся. Представление о нужном звуке и динамике, ведение звуковой линии по средствам штриха (артикуляционных членений), владение дыханием, осмысление музыкальной фразы, образность мышления - вот задачи, которые стоят перед музыкантом, в данном случае перед кларнетистом при игре кантилены.

Начальный этап в работе над кантиленой, начинается с самых азов у духовиков – это длинные, выдержанные звуки в гаммах, упражнения в медленном темпе на «легато» и «деташе», простейшие музыкальные фразы - попевочки, народные песни в выдержанном темпе, распевно – протяжном характере. Учащийся должен научиться, не просто дуть в инструмент, а посылать живую, поющую струю воздуха, чтобы инструмент пел, а мелодия лилась.

Главные задачи начального этапа в работе над кантиленой:

- сдержанный темп произведения, внимание звукообразованию;

- понимание штрихов: деташе и легато;

- членение музыкальной фразы цезурами, точное их выполнение;

- конкретность музыкального образа.

Известно, что в инструментально – исполнительском искусстве музыкальный звук является основным средством художественной выразительности. Музыка - искусство звука. Его высокое качество имеет большое значение для становления, развития и формирования музыканта – исполнителя. Педагогическая и исполнительская практика показывает, что если музыкант, играющий на том или ином инструменте, не обладает высокой культурой звука, то ему никогда не удастся полностью раскрыть и донести до слушателя авторского замысла исполняемого произведения. Поэтому учащийся под руководством педагога уже в самый начальный период своего обучения должен сознательно и серьезно систематически работать над качеством звуком – стремиться добиться хорошего звучания на своем инструменте. Естественно, что в разные периоды обучения будут и различные требования к работе над звуком. Но главная и основная цель в работе над ним – это стремление к высокому качеству звука, его эмоциональной выразительности.

Что же определяет высокое качество звука у кларнетиста – это чистота и устойчивость; полнота, объемность и глубина; упругость, легкость и мягкость; тембр и резонанс; эти качества должны сохраняться во всех видах техники – штрихах, интервалах, динамике, ритме, в ровности регистров.

Одним из наиболее распространенных приемов работы над звуком является исполнение музыки в медленном темпе. Удобство такого приема в том, что исполнитель имеет время сосредоточить свое внимание на каждом звуке и сделать соответствующие поправки в положении губ, в дыхании и степени напряжения мускулов лица. Звук духовика – это взаимосвязь составляющих компонентов: работа языка и пальцев, гибкость и выдержка амбушюра, глубина, объемность, рациональность дыхания. Если исполнитель не сосредоточит внимание на качестве звука, если не будет стремиться запомнить мускульные ощущения, при которых получается полноценный звук, то работа не принесет пользы. Те ощущения в мускулах лица, активизация и функционирование дыхательных мышц при которых достигается хорошее качество звука, должны усваиваться и превращаться в навыки. Все важнейшие качества звука – высота, тембр, сила и продолжительность, выразительность во многом зависит от умения музыканта пользоваться дыханием. Красивый звук не мыслим без правильного дыхания. Это основное «оружие» музыканта-духовика, и оно должно работать естественно и ненапряженно. Подобно смычку скрипача дыхание духовика должно быть сильным, точным, гибким, мобильным, но главное, управляемым.Основная трудность исполнительского дыхания заключается в необходимости связать два момента дыхания – короткий вдох и продолжительный, равномерный выдох. Для исполнения коротких музыкальных фраз вдох может быть менее глубоким, а для продолжительных построений – более глубоким. Скорость вдоха должна соответствовать времени, которое отводится для смены дыхания: чем короче пауза, тем быстрее должен происходить вдох. При этом нельзя допускать искажения музыки, как-то: «проглатывание» последних звуков фразы, убыстрение темпа.Еще большие требования предъявляются при выполнении второй фазы дыхания – выдоха. Очень важно, чтобы выдох производился плавно, без толчков, с нужной интенсивностью и скоростью. Без этого невозможно будет использования различных динамических нюансов.

Правильное распределение пунктов смены дыхания имеет огромное значение для выразительности исполнения, целостности музыкального построения.

Моменты вдоха не могут располагаться в случайных местах, то есть когда запас воздуха у исполнителя иссякнет. Стремление сыграть на одном дыхании возможно больше музыки свидетельствует об отсутствии понимания исполняемого произведения.

Поэтому педагог должен разъяснять возможные варианты смены дыхания учащемуся, с учетом строения произведения, исполнительских возможностей самого ученика.

Хорошие исполнители умеют находить для каждой мелодии соответствующий её особенностям индивидуальный звук и артикуляцию – способ произношения. Звук мелодии может отличаться по силе, тембру, насыщенности. Градации его густоты, протяженности или прозрачности безгранично разнообразны и зависят от штриха.

К кантиленным штрихам мы можем отнести неакцентированные штрихи.

Такие как:

1.Легато(legato). Обозначается лигой под или над нотами. Переход от одного звука к другому происходит связно, без перерыва (без атаки). Основное выразительное качество legato – певучесть звуковой линии, плавность переходов в интервалах.

2.Портато (portato). Обозначается черточками с лигой под или над нотами. Этот штрих исполняется динамически ровно, длительность звука предельно выдерживается до конца и в основном в тихих нюансах. Рortato – штрих кантиленного, лирического характера.

3.Тенуто (tenuto). Обозначается черточками под или над нотами. Этот штрих исполняется – выдержанно, точно по динамике и ровно по силе. Для того чтобы звук до конца выдерживался во времени (продолжительности) и силе (динамике), а лучше передерживался, выдох после атаки следует постоянно немного усиливать, крещендировать, поддерживая таким образом полное звучание. Тenuto чаще используется в нюансах большей громкости(mf,f). Атака более твердая и четкая. Этот штрих также напевного, протяжного характера, но более активного, волевого звучания.

4.Деташе (detache). Специального обозначения не имеет. Дetache- значит отделять. В отличие от предыдущих штрихов, detache характеризуется незначительным ослаблением силы звука моменту его окончания. Известно, что такие композиторы, как И.С.Бах, Г. Телеман, Г. Гендель, А. Вивальди, и другие в своих сочинениях не выставляли щтрихов и динамику. Каждый исполнитель сам, на свое усмотрение, делал редакцию исполняемого произведения, не нарушая стиля. При исполнении штрихаdetache артикуляция и атака могут быть различными от динамики и темпа.

5. Залигованное стаккато (нон легато). Этот штрих обычно применяется в спокойных, умеренных темпах, в тихих нюансах. Атака языка – мягкая, выдох равномерный и спокойный, прерываемый для соблюдения и обозначения пауз между нотами. Соотношение звучания ноты к паузе примерно 3/5 к 2/5, зависимости от темпа и длительности нот. Очень важно чтоб ученик понимал значение штриха, владел штрихами, приемами их исполнения, знал отличительными стороны каждого изучаемого штриха.

«Музыкальное исполнение, это живой рассказ... Но, конечно, мало рассказать. Нужно, чтобы рассказ был интересным, содержательным, чтобы в нем было содержание (что-то такое, что могло натолкнуть на этот рассказ). И поэтому я не могу мыслить музыкальное произведение совершенно абстрактно. Мне всегда хочется каких-то жизненных аналогий. Содержание этого рассказа мною черпается то из личных впечатлений и жизненных переживаний, то из впечатлений от природы, искусства, от исторических эпох, от каких-то идей. И в каждом … произведении находится что-то такое, что связывает исполнителя с реальной жизнью. Я не могу представить себе музыку ради музыки, без человеческих переживаний»- говорил К.Н.Игумнов.

Эмоциональное отношение к мелодии – одна из важнейших сторон музыкальности человека. В процессе работы музыкант воплощает внутреннее представление мелодии в реальное звучание.Сantilena – мелодия, песня. Но песни бывают разные. Такие эпитеты, как печальная, трагическая, величественная, торжественная, шутливая, драматическая, лирическая, применяемые для характеристики той или иной мелодии, очень приблизительны. Каждая содержательная мелодия имеет свою, непереводимую на язык слов внутреннюю сущность. Достигнуть успехов в работе над художественным образом можно лишь, непрерывно развивая ученика - музыкально, интеллектуально, артистически. А это значит: развивать его слуховые данные, широко знакомя его с музыкальной литературой; с детства научить его разбираться в форме, тематическом материале; возбуждать честолюбие – равняясь на лучших; развивать его фантазию метафорами, поэтическими образами, аналогиями с явлениями природы и жизни, дополнять ими и толковать музыкальную речь; всемерно развивать в нем любовь к другим искусствам, особенно к поэзии, живописи, архитектуре, а главное – дать ему почувствовать этическое достоинство художника, его обязанности, его ответственность и его права.

Ученик, приступая к изучению произведения, должен хорошо ознакомиться с нотным текстом, разобраться в художественном смысле всех авторских и редакторских обозначений: темпа, динамики, артикуляции, характера исполнения. Педагог должен развивать у ученика способность на начальном этапе работы, замечать не только ноты, но и слушать музыку, схватывать моменты развития музыкального образа, разбираться в произведении в целом. Ученику следует указывать на то, что и после того, как он ознакомится с произведением и выучит его на память, необходимо учить его не только без нот, но и по нотам, внимательно вчитываясь в них, изучая их в течение всего процесса работы над произведением. Именно на основе тщательного изучения нотного текста ученик сможет вникнуть в содержание музыкального произведения, в особенности музыкального образа, сможет создать свой исполнительский замысел.

Музыка – это открытая книга, и каждым к ней обращенный будет читать её по-новому. Чем незначительнее работа над образом, тем вся работа сводится к нулю, вещь просто «выучивается». Но если она идет углубленно, страстно, в «муках творчества» - это будет ярким откровением и открытием, достижением.

Используемая литература:

1.Методика обучения игре на духовых инструментах. Москва «Музыка»-1964

2.Вопросы музыкальной педагогики. Выпуск 10. Москва «Музыка»-1991

3.Е.Либерман «Работа над фортепианной техникой». Москва «Классика»2003

4.Г.Нейгауз «Об искусстве фортепианной игры». Москва «Классика»1999

5.Музыкальное исполнительство и педагогика. Москва «Музыка»-1991

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/211286-rabota-nad-kantilenoj-v-klasse-klarneta