Музыкальная литература 4 год обучения

Музыкальная литература 4 год обучения

Занятие 1 1 четверть

Музыкальная жизнь России в конце XIX — начале XX века

В конце XIX в. творчество русских компо­зиторов было признано во всем мире. Большую роль в музыкальной жизни стра­ны в то время сыграл Беляевский кружок. Он был назван в честь его основателя Митрофана Петровича Беляева (1836—1903) — известно­го лесопромышленника, владельца огромного со­стояния и страстного любителя русской музы­ки. Кружок возник в 80-е гг. и объединил по­чти всех лучших композиторов того времени, Римский-Корсаков стал его идейным центром. Главной своей целью они ставили помощь тем, кто служил русской музыке.

Но если в течение XIX в. одним из ведущих жанров русской музыки была опера, то в нача­ле XX столетия на первый план выдвинулся балет. Во многом это было связано с именем замечательного антрепренераСергея Дягилева.

В начале XX в. таким был Сергей Дягилев. Кружок талантливых молодых людей стал истоком творческого объединения «Мир искус­ства»,Дягилев стал его органи­затором.

Постепенно «Мир искусства» стал одним из авторитетней­ших художественных объединений. К нему примкнули многие великие художники той эпо­хи: Б. Кустодиев, М. Добужинский, Л. Бакст, Н. Рерих, В. Серов, М. Врубель и др. Постепенно в дягилевской ан­трепризе родился современный балет, который из пышного придворного зрелища превратился в искусство, способное выразить и философс­кую драму, и шарж.

Кульминацией деятельности Дягилева ста­ли легендарные «Русские сезоны» в Париже и Лондоне в 1907—1914 гг. За эти годы Дягилев вынес на суд публики более 70 произведений — от русской классики до современных авторов.

Симфония продолжала играть важную роль в творчестве этого периода. Большой известно­стью пользовались симфонические произведения Скрябина, Рахманинова, Мясковского, Проко­фьева. Особую ценность представляла собой фор­тепианная музыка Скрябина, Рахманинова, Метнера, Прокофьева.

Музыкальное твор­чество рубежа веков было представлено компо­зиторами нескольких поколений. Завершал свой творческий путь Н. А. Римский-Корсаков, со­здавший в начале века свои последние оперы. Балакирев написал Вторую симфонию, кантату на открытие памятника Глинки и ряд других произведений. Появились замечательные про­изведения Глазунова, Лядова, Танеева. Достиг­ли зрелости Скрябин и Рахманинов. Появились новые в русской музыке имена Метнера и Стра­винского. Тогда же начинали свой путь в ис­кусстве Прокофьев, Мясковский, Глиэр и дру­гие.

Занятие 2 1 четверть

Анатолий Константинович Лядов (1855-1914)

Лядовродился 29 апреля 1855 г. в семье потомственных музыкан­тов. Отец и дед его были дирижерами, отец еще и композитором. Авторитет папы как оперного дирижера был очень велик. Избрание профессии музыканта для Анатолия и его семьи было делом решенным. Отец еще в раннем дет­стве заметил большое дарование сына.

В 15 лет Лядов поступил в консерваторию,гденачал заниматься по классам фортепиано, теории и композиции. В числе его учителей — Н. А. Римский-Корсаков.

Для формирования его таланта большую роль сыграло общение с Балакиревым, Бородиным, Мусоргским, высоко оценившими его дарование. Первы­ми опусами молодого композитора были четыре романса, а также циклы фортепианных пьес «Бирюльки» и «Арабески», которые сразу же стали известны в кругу музыкантов.

Представленная на экзамен кан­тата понравилась Художественному совету. И ему присудили малую золотую медаль и дип­лом свободного художника. Сразу после этого двадцатитрехлетний композитор был зачислен в состав преподавателей консерватории.

Среди учеников Лядова были Мясковский, Прокофьев, Майкапар и др.

В Санкт-Петербурге Лядов познакомился с М. П. Беляевым и примкнул к новому много­численному художественному объединению — Беляевскому кружку. Значение композиторов беляевского содружества заключалось не только в их новых творческих достижениях, но и в ог­ромной просветительской работе, укреплявшей в России высокий музыкальный профессиона­лизм. В эти годы Лядовым создано огромное ко­личество фортепианных миниатюр, программ­ные пьесы «Багатель», «Музыкальная табакер­ка», «Про старину» и др., «Детские песни», об­работки народных песен.

Одна из лучших миниатюр Лядова «Музы­кальная табакерка».Ком­позитор подражает в ней звучанию игрушечно­го заводного инструмента. Ритмическое одно­образие, повторность незатейливого вальса, «стеклянная» звучность, тонко подмеченные типичные для «музыкального ящика» форшла­ги и трели передают особый механический ха­рактер музыки.

Очень характерна для Лядова пьеса «Про старину». Уже при первых звуках возникает образ древнерусского певца Баяна. В гусельном перезвоне — немного измененная подлинно на­родная мелодия «Подуй, подуй, непогодушка».

Революционные события 1905 г. всколых­нули и его. В знак протеста против увольнения Римского-Корсакова Лядов и Глазунов покину­ли консерваторию.

1900-е гг. были периодом огромного твор­ческого расцвета композитора. В этот период он создал симфонический цикл «Восемь русских народных песен для оркестра» и замечательные программные миниатюры«Баба-Яга», «Волшеб­ное озеро», «Кикимора». В них выразились по­иски композитора идеала в искусстве неземном. Сказка — вот тот «просвет» в другую жизнь, манивший художника, уводивший от обыден­ного в мечту.

«Сказочные картинки», как композитор на­звал эти произведения, — одночастные симфо­нические пьесы. Яркая живописность, «картин­ность» замысла обусловили красочность всех выразительных средств.

«Кикимора» Очень образно музыка миниатюры рисует и сумрачный край, где поначалу живет Кикимо­ра, Кота-баюна с его колыбельной песней, и при­зрачное звучание «хрустальчатой колыбельки». Но какой злобной рисует музыка саму Кикимо­ру! Она выражает не только ее уродство, но и внутреннюю суть Кикиморы, готовой уничто­жить все живое. Завершается пьеса жалобным писком флейты пикколо, как будто кто-то шутя уничтожил, раздавил источник этого большого шума.

Близка «Кикиморе» по сюжету и «Баба-Яга». Из сказки Афанасьева «Василиса Прекрас­ная» композитор выбрал самый динамичный эпизод: появление Яги, ее полет через дрему­чий лес на ступе и исчезновение. Музыка точно изображает детали этой программы: свист Яги, а потом стремительное движение, как будто Баба-Яга приближается к нам, а потом уносит­ся прочь.

«Волшебное озеро».В этой пьесе композитор хотел подчеркнуть, что это не столько зарисовка с натуры какого-то конкретного озера, сколько таинственное озеро, в котором фан­тазия художника могла увидеть самые необыч­ные вещи. «Волшебное озеро» это не сама сказ­ка, а состояние, в котором может зародиться сказка.

Конечно, по широте охвата действительнос­ти творчество Лядова уступает великим его со­временникам.Но он внес вклад во все затронутые им области музыки. Черты нового самобытного стиля проявились и в его фортепианных пьесах, а особенно — в сим­фонических миниатюрах, открывавших новую самостоятельную линию в русском симфонизме.

Занятие 3 1 четверть

Василий Сергеевич Калинников

В. С. Калинников, талантливый компози­тор рубежа веков, до сих пор остается в тени великих мастеров.

Когда в восемнадцать лет он отправлялся в Москву.Тогда у него было одно желание — посвятить себя му­зыке. Калинников был устремлен к ней всю свою короткую жизнь: и на родине, на Орловщине, когда заслушивался народными песнями, и по­том, когда, живя впроголодь, был счастлив обу­чаться любимому делу.

В Москве Калинников сначала учился в консерватории. Но заплатить сто рублей за сле­дующий год обучения он уже не мог. Поэтому пришлось перейти в Филармоническое учили­ще и осваивать новую специальность — фагот, потому что ученики духового класса освобож­дались от оплаты. В таких условиях он не только учился, работал, но и сочинял музыку.

К концу обучения молодой композитор был уже автором романсов, инструментальных ми­ниатюр и даже крупных произведений. Среди них симфоническая поэма «Нимфа», кантата «Иоанн Дамаскин», Серенада для струнного оркестра и Оркестровая сюита.

Итак, он стал признанным композитором. Но для того, чтобы обеспечить себе возможность дальнейшего творчества, он был вынужден браться за любую работу. Еще в годы учебы в 1887 г. молодой музыкант поступил на посто­янную работу в оркестр театра «Парадиз». Ус­ловия работы здесь были ужасными. Компози­тор заболел плевритом, после которого у него развился туберкулез горла. К этому времени композитор уже почти совсем лишился голоса и мог говорить только шепотом. Врачи настоя­ли на поездке в Ялту. Она отняла последние деньги, но не принесла облегчения.

Именно там, в Ялте, композитор закончил лучшее из своих произведений — Первую сим­фонию.Этой симфонией композитор завоевал при­знание не только своих современников, но и благодарную память последующих поколений. Он прожил всего лишь 34 года, как яркая ко­мета пронесся он на музыкальном небосклоне.Но успел создать немало произведений: еще одну симфонию, симфоническую картину «Кедр и пальма», музыку к пьесе А. Толстого «Царь Борис», Пролог к опере «1812 год», не­сколько фортепианных миниатюр. Но настоя­щим памятником композитору останется его Первая симфония, которую называли «истин­но русской симфонией».

Первая симфония соль минор

Первая симфониябыла создана в 1895 году. Именно в это время Калинников узнал о неизлечимости болезни, которая через несколько лет свела его в могилу. Но на харак­тере музыки его состояние нисколько не отра­зилось.

В этой симфонии композитора особенно ярко проявились характерные черты его творческого дарования. Эта музыка — и выражение душев­ных переживаний автора, и поэтические пейза­жи русской природы, и юмористические эпизо­ды, и яркие картины народного веселья. Но глав­ное, в ней звучит горячая любовь Калинникова к жизни и родной стране. Построена сим­фония по всем классическим законам.

Первая часть(allegromoderato)написана в форме сонатного allegroи носит лирико-драма­тический характер. В основе части темы, кото­рые не контрастируют, а скорее дополняют друг друга. Главная партия — спокойная, певучая, близкая протяжной народной песне. Побочная партия — широкая, лирическая, трепетная, пол­ная сердечного тепла.

Вторая часть.Среди напряженной тишины, которую так точно передает музыка, возникает какой-то пре­красный манящий образ, может быть, несбы­точной мечты. С задумчивой первой темой, как бы плывущей на фоне баюкающего аккомпане­мента, мягко контрастирует меланхолическая, томная вторая тема. Светлое виде­ние рассеивается, воцаряется покой.

Третья часть — яркое жизнерадостное скерцо — рисует картину народного веселья. Полная удали мужская пляска сменяется плав­ным, грациозным девичьим хороводом.

Четвертая часть представляет собойжанровую картину народного праздника, кото­рый как бы собирают к концу симфонии всех ее «действующих лиц» — темы предшествующих частей. Такой прием сближает симфонию Ка­линникова с симфониями других русских ком­позиторов этого периода. То, что светлая лири­ческая тема второй части в финале звучит как торжественный апофеоз, гимн русской природе, венчающий весь цикл, тоже характерно для рус­ского симфонизма этого времени. С ней связано утверждение светлого этического начала.

Занятие 4 1 четверть

Сергей Васильевич Рахманинов(1873-1943)

Имя этого музыканта стоит в ряду величай­ших имен в истории мировой музыкальной культуры. «Русский гений» — так можно точ­нее всего охарактеризовать этого столь широко одаренного человека. Композитор, пианист, дирижер.

Жизненный путь

Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта (по старому стилю) 1873 г. в имении Онег Новгородской губернии. Родители мальчика были людьми музыкально одаренными. Музыку в доме любили и посвящали ей часть семейного досуга. Первой учительницей мальчика стала мама. Она, понимая одаренность ребенка, с пяти лет начала учить его игре на фортепиано. Когда Сереже было семь лет, семья переехала в Петербург.

Мальчику решено было дать музыкальное образование. И вскоре он был принят в Петер­бургскую консерваторию. По совету двоюродного брата, Александра Зилоти решено было перевести Сережу в Московскую консер­ваторию. Его учителем стал Николай Сергее­вич Зверев.

С 1887 г. Сережа начинает записывать свои сочинения. Потом его учителем по контрапун­кту стал Сергей Иванович Танеев, благоговейное от­ношение к этому педагогу Рахманинов сохра­нил на всю жизнь.

В 1892-м, он закончил консерваторию по классу компо­зиции и фортепиано. Дипломной работой молодого компози­тора стала одноактная опера «Алеко», написан­ная им за семнадцать дней. За эту работу он получил 5+. Как окончившему с отличием два факультета консерватории, ему была присуж­дена Большая золотая медаль.

Осе­нью 1892 г. он впервые выступил в концерте, причем на бис играл ту до-диез минорную Пре­людию с колокольным звоном, которая станет потом одним из самых известных его произведе­ний. Спустя два года Рахманинову приходится поступить преподавателем теории в знаменитое Мариинское женское училище. Среди крупных произведений этого периода — Элегическое трио «Памяти великого художника». Оно появилосьпод впечатлением страшной трагедии— смерти П. И. Чайков­ского. Вскоре после этого молодой композитор начал работу над своей Первой симфонией.

С этим произведением Рахманинову при­шлось пережить, может быть, самый тяжелый удар в своей жизни. Премьера симфонии состо­ялась в марте 1897 г. и оказалась единствен­ным прижизненным исполнением. Симфония потерпела полный провал,три года композитор ничегоне пи­сал. С 1897 г. началась его профессиональная дирижерская деятельность.

Вскоре он познакомился и сдружился сР. И. Шаляпиным. Кроме того, он совершил первую свою заграничную поездку в Лондон.

К началу 1900 г. кризис был преодолен, и Рахманинов приступил к созданию двух новых произведений —Второго фортепианного концер­та и Второй сюиты для фортепиано. Вслед за этим композитор создает много других сочинений — кантату«Весна», романсы, прелюдии, оперы «Скупой рыцарь» и«Франческа да Римини».

Накануне своего тридцатилетия Рахманинов женился на своей двоюродной сестре Наталье Са­гиной. После свадьбымолодые отправились в заграничное путеше­ствие, а затем поселились в Москве. В 1903 г. у них родилась первая дочь, в 1907 — вторая. Рахманинов-семьянин — очень трогательная тема. Он сам говорил о том, что семья, дети — это было лучшее, самое дорогое и светлое в его жизни.

В это время Рахманинов много выступал, проявив себя как универсальный исполнитель — пианист, дирижер, ансамблист. Это было очень продуктивное десятилетие в жизни Рахманинова. За этот период им были созданы симфоническая поэма «Остров мерт­вых», Третий фортепианный концерт,Втораясимфония,«Литургия Иоанна Златоуста», «Все­нощное бдение», симфоническая поэма «Коло­кола» и множество других произведений.Состоялось несколько зарубеж­ных гастролей Рахманинова в Америке, Анг­лии, которые принесли ему всемирную славу. В конце этого года Рахманинов уехал с семьей на гастроли в Швецию. Он предполагал, что уез­жает ненадолго, и захватил с собой только самое необходимое. Это турне растянулось на всю жизнь.

Вдали от родины первые восемь лет он ни­чего не писал. У изгнанника, который ли­шился музыкальных корней, традиций и род­ной почвы, не остается желания творить, живя постоянно в США, он отка­зался стать гражданином этой страны. «Я не считаю возможным отречься от своей роди­ны», — объяснял он.

Только в 1926 г. Рахманинов начал писать. ПоявилсяЧетвертый концерт для фортепиано с оркестром, потом «Три русские песни для сим­фонического оркестра с хором», наполненные тоской и одиночеством.

В 1931 г. Рахманиновы купили небольшой участок земли в Швейцарии. Здесь они построили виллу, ко­торую по первым буквам имен и фамилии на­звали «Сенар» — Сергей и Наталья Рахманино­вы. Для композитора это место стало малень­ким кусочком родины, потому что он выстроил здесь имение в русском стиле и даже привез и посадил там русские березы.

Именно в «Сенаре» им были написаны ис­тинные вершины его творчества — Рапсодия на темы Паганини, Третья симфония.

Последним крупным произведением компо­зитора былиСимфонические танцы, написанные в 1940 г.

Тяжелым ударом для Рахманинова стало нападение Германии на СССР. Осенью 1941 г. он выступил с призывом поддержать Россию. Сергей Васильевич умер 28 марта 1943 г. в час ночи, не дожив нескольких дней до своего семидесятилетия. Последние переживания композитора были связаны с известиями о ходе боев Советской Армии. Утраченная родина жила в его сердце как самая большая, дающая твор­ческие силы любовь.

Занятие 5 1 четверть

Творчество Рахманинова

Творческий облик Рахманинова очень мно­гогранен. На протяжении своей жизни он обра­щался ко многим музыкальным жанрам, и в каждом из них сказал свое слово. Прежде всего это удивительное ощущение родной зем­ли и тесной связи с родной культурой. Образ России, родины занял в творчестве композито­ра исключительно важное место.Еще одна особенность творческой натуры композитора — ее лирическая природа. Явле­ния жизни преломляются в его произведениях через его душевный мир.

Наиболее значительная часть творческого наследия композитора — фортепианная музы­ка. Это явление уникальное, составившее це­лую эпоху в истории мирового пианизма. Нигде гений Рахманинова не выразился с такой си­лой и цельностью. Это совсем не принижает его симфоническое, оперное, вокальное твор­чество.

Для рояля Рахманинов писал сочинения и крупных и малых форм. Большинство ранних произведений для фор­тепиано — небольшие пьесы, связанные с жан­рами бытовой музыки: Элегия, Баркарола, Серенада и др.

Прежде всего Прелюдия до-диез минор. в этой небольшой трехчастной пьесе в свернутом, концентрированном виде отражены образные миры всей музыки Рахманинова. Сквозное развитие получает основной эпический драматический образ колокольного звучания. В средней части бушует лирическая стихия, окрашенная в трагедийные тона. Особую роль приобретает кода, ут­верждающая колокольный образ.

Скрытая программность прелюдии застав­ляла слушателей придумывать сюжеты и зада­вать Рахманинову вопросы по этому поводу, на что композитор отвечал, что он написал просто музыку.

Светлая романтическая лирика, занимаю­щая такое важное место в творчестве компози­тора, проявилась в знаменитой Мелодии Ми мажор. Она очень похожа на «фортепианный романс» — в ней есть широкая, полная глубо­кого чувства «поющая» мелодия, звуки кото­рой, как в вокальном произведении, плавно льются один за другим. Мягким фоном служит спокойное аккордовое сопровождение.

Раннее фортепианное творчество Рахмани­нова завершаютШесть музыкальных момен­тов. Это единый цикл, скрепленный сквозным музыкально-драматургическим развитием. Бы­стрые пьесы, драматические, смятенные в нем чередуются с медленными, сдержанными и сосредоточенными.

В центральный период творчества Рахмани­нов писал для фортепиано преимущественно пре­людии, этюды-картины и концерты.

Этюды-картины Рахманинова — это дей­ствительно «картины», а не «этюды», упраж­нения. Композитор написал две тетради этюдов, в которые вошли семнадцать пьес. Одни из них рождают представление о картинах мира — море, зимнем пути, злой вьюге, сценке на яр­марке. Этюд до минор — ночная погребальная процессия с далеким пе­нием хора и перезвоном колоколов.

Среди них выделяетсяЭтюд ми-бемоль ми­нор. Он полон удивитель­ной задушевности, лиричности, и в то же вре­мя возвышенности, романтической приподня­тости чувств.

Одной из особенностей фортепианного стиля композитора является концертный, виртуозный характер. Эта особен­ность наиболее ярко проявилась в фортепиан­ных концертах композитора.

Второй концерт (до минор, ор. 18). Это одно из самых совершенных и гармоничных произведений Сергея Васильевича. В 1897 г. провалилась Первая сим­фония Рахманинова, пер­вым произведением, которое он создал послетрехлетнегокризиса, был Второй концерт. Успех его был грандиозным. Круг образов и настроений, заключенных в Концерте, очень широк. Здесь и эпос, и лири­ка, и драма, и созерцательный покой, и жизне­утверждающий финал. Но самое главное — в этом сочинении монументальное звучание при­обретает тема родины.

Занятие 6 1 четверть

Александр Николаевич Скрябин (1872 – 1915)

Скрябин — один из своеобразнейших ком­позиторов рубежа XIX и XX вв. Его музыка не­сла в себе черты его эпохи, когда жизнь была пронизана предчувствием катастрофических пе­ремен.

Александр Николаевич Скрябин родился 6 января 1872 г. в Москве. Его отецслужил в Министерстве иностранных дел и большую часть жизни провел за границей, мама была замечательной пианисткой, закончив­шей консерваторию и успешно концертировавшей.Но, к сожалению, она умерла через несколько месяцев после рождения сына. Малыш оказался в руках своей тети, которая посвятила ему мно­гие годы. С отцом Александр почти не виделся.

С трех лет главной в жизни стала музыка. Еще даже не зная нот, он по слуху играл услышан­ные мелодии, потом начал импровизировать. В десять лет начались серьезные занятия музыкой. Тогда же он поступил в Кадетский корпус. Но уже тогда было ясно, что военным он не будет. Через год мальчика заметил С. И. Танеев. Он был луч­шим в России педагогом, профессионалом высо­чайшего класса.Танеев стал за­ниматься с Сашей теорией, а по фортепианоучился у Н.С. Зверева.

В 1888 г. Скрябин закончил Кадетский кор­пус и поступил в Московскую консерваторию. Стремясь достичь технического совершенства, юноша переиграл правую руку, травма давала о себе знать всю жизнь. От периода игры одной ле­вой рукой остались несколько сочинений, среди которых знаменитые «Прелюд и ноктюрн» ор. 9.Консервато­рию закончил по клас­су фортепиано с золотой медалью. С раннего детства Скрябин был влюблен в музыку Шопена. Во всех произведени­ях раннего периодауже ясно выявилось своеобра­зие музыки Скрябина.

Особой известностью пользуется цикл 24 прелюдии ор. 11.Они стали выражением впечатлений от сво­их странствий. Среди них есть картины приро­ды и быта. Но главное в них — тонкое психоло­гическое содержание, выраженное в малых фор­мах, и огромное разнообразие переданных му­зыкой чувств.

Прелюдия № 5, Ре мажор — одна из жем­чужин лирики композитора, проникнутой спо­койствием и умиротворением.

Прелюдия №14, ми-бемоль минор — при­мер возбужденно-мятежных чувств, типичных для музыки Скрябина. Вся прелюдия строится на чередовании вздымающегося и вновь ниспа-

дающего движения. Оно как бы рисует грозно набегающие в час прибоя морские волны.

«Революционный» этюд Скрябина (ре-диез минор, ор.8 № 12). Драматизм, мятежность, протест, воплощен­ные в этой музыке, передовая молодежь начала XX в. воспринимала как революционный образ.

В 1894 г. Скрябин познакомился с М. П. Бе­ляевым. С этого времени произведения Скрябина стали публиковаться, а его симфони­ческие сочинения стали включаться в програм­мы Русских симфонических концертов. Постепенно музыка Скрябина становилась популярной. Новизна гармонического мышле­ния, удивительный образный мир его произве­дений все больше привлекали внимание.В возрасте 26 лет Скрябин получил предло­жение от Сафонова занять место профессора Мос­ковской консерватории. Это предложение ком­позитор принял и проявил себя способным пе­дагогом. В 1900 г. он создал Первую сим­фонию. Это было монументальное шестичастное произведение, в финале которого должен был звучать хор.

Вслед за Первой появилась Вторая симфо­ния.Он смело шел вперед к обновлению средств музыкальной выразительности. В основе его произведений лежат крат­кие музыкальные образы, несущие в себе обоб­щенную мысль, символ. Композитор находит новые сложные гармонии, которые делают его музыку очень красочной.

В 1904 годупоявляется одна из вершин его твор­чества —Третья симфония «Божественная поэма». Эта музыка потрясает масштабностью зву­чания. Композитор использовал огромный со­став оркестра. И мастерство автора проявилось во всем: в оркестровке, построении драматур­гии симфонии, воплощении ее программы. Пер­вая часть называется «Борьба» («Борения»), вторая — «Наслаждения», третья — «Боже­ственная игра». Части симфонии исполняются без перерыва — таков ток жизни в ее бесконеч­ности и разнообразии. В названии симфонии — намек на великое произведение мировой куль­туры, поэму Данте «Божественная комедия».

Параллельно с большими симфоническими произведениями композитор создал много сочинений для фортепиано. Среди них Четвертая и Пятая сонаты, ряд поэм, в том числе знаменитые«Трагическая» и «Сатаническая», много фортепианных пьес. Вместе с этим Скря­бин много гастролировал, проведя почти шесть лет за границей — в Швейцарии, Италии, Фран­ции, Соединенных Штатах Америки. Тамбыло закончено еще одно крупное симфоническое произведение — «Поэма экста­за». Произведению была предпослана програм­ма, которая завершалась словами:И огласилась вселенная Радостным криком Я есмь!

Следующим музыкальным откровением Скрябина стала «Поэма огня» — «Прометей». Здесь тоже использованы огромный состав ор­кестра и смешанный хор. «Прометей» должен был сопровождаться светоэффектами с помощью световой клавиатуры. Зал должен был погру­жаться в сияние того или иного цвета. В этом сочинении воплощались мечты композитора о синтезе искусств, о «световой симфонии».

В последний год жизни Скрябин работал над «Предварительным действием», которое должно было стать своеобразным прологом к «Мистерии». Композитор все больше чувствовал посто­янное переутомление. Это находило отражение в его музыке. Например, в Девятой сонате по­явился мотив, который произвел впечатление на внимательных слушателей. Когда у композитора спросили, что он означает, Скрябин от­метил: «Это — тема подкрадывающейся смер­ти». И смерть не замедлила, она насту­пила через два месяца после произнесенных слов. Он умер 27 апреля 1915 г.

Занятие 7 1 четверть

Игорь Федорович Стравинский (1882 – 1971)

И. Ф. Стравинский — одна из крупнейших фигур в музыкальном мире XX в. Он прошел очень большой творческий путь — почти шесть десятилетий. И за эти годы не раз поражал слу­шателей неожиданными поворотами своего сти­ля.Онвосприни­мал культуру не как набор разных стилей и жанров, а как некую целостность.

Стравинский родился 5 июня 1882 г. под Петербургом, в семье знаменитого певца, соли­ста Мариинского театра Федора Стравинского. Мать будущего композитора пела и прекрасно играла на рояле.

С девяти лет Игоря стали учить музыке. Вскоре он уже прекрасно играл на рояле, читал с листа, импровизировал. Но родители не хоте­ли, чтобы он стал профессиональным музыкан­том. Поэтому юноша поступил на юридический факультет Петербургского университета. В университете Игорь подружился с Владимиром Римским-Корсаковым, который взялся заниматься с ним композицией.

«До­рогому учителю» он посвятил свою Первую сим­фонию. Ко дню свадьбы его дочери композитор пишет симфоническую фантазию «Фейерверк». Тогда же появилось «Фантастическое скерцо». Смерть Римского-Корсакова потрясла Стравин­ского. Памяти учителя он написал «Траурную песню» для оркестра.

В 1909 г. начинается сотрудничество Стра­винского с Сергеем Дягилевым, которого ком­позитор считал своим духовным отцом. Для знаменитых дягилевских «Русских сезонов» в Париже Стравинский написал балеты «Жар-пти­ца», «Петрушка» и «Весна священная».

25 июня 1910 г. — дата начала мировой сла­вы Стравинского. В этот день на сцене парижс­кого театра «Гранд-опера» состоялась премьера «Жар-птицы», с которой к композитору при­шел шумный успех. Балет был на­писан по мотивам русских народных сказок о Жар-птице и Кащее Бессмертном. Либретто было создано М. Фокиным.Любовь Стра­винского к театру, его интерес к живописи, ар­хитектуре, скульптуре, все его творческие воз­можности соответствовали идее нового синте­тического балета-сказки.

Следующая его работа — балет «Петрушка». Сценарий балета композитор написал вместе с Бенуа, который разработал и костюмы. Ставил балет М. Фокин.

Содер­жание балета очень простое — глав­ные герои — куклы, участвующие в ярмароч­ном балаганном спектакле. Петрушка влюблен в красотку Балерину. Его соперник — Арап. И Балерина, холодная и пустая, изменяет Петрушке с богатым Арапом.

В музыке балета две образные сферы — ку­кольная и человеческая.

Еще ярче новаторство композитора прояви­лось в балете«Весна священная» («Картины языческой Руси»), в которой нет развернутого сю­жета. Две ее части — «Поцелуй земли» и «Ве­ликая жертва» — воспроизводят древние обря­ды: весенние гадания, девичьи хороводы, похи­щение невесты, шествие Старейшего-Мудрейше­го, поклонение земле. Финалом балета служит Великая жертва — приношение в жертву сол­нечному божеству прекрасной девушки. Вели­чественный дух языческой Руси породил новые интонации, ритмы, краски. Музыка балета по­хожа на самые древние народные заклички.

Премьера балета в Париже в 1913 г. с трес­ком провалилась. Слишком нова была музыка.

Накануне первой мировой войны Стравин­ский уезжает за границу. В это время были написаны оперы «Соловей» и «Мавра», музыкально-сценические произведения«Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «История солдата», «Свадебка». Музыкальные замыслы этих произведений исходили из фольклора.

В 1919—1920 гг. Стравинский создал так­же для Дягилева балет«Пульчинелла». Он от­крывал собой новый период творческих иска­ний композитора.

Именно Стравинский стал главой неокласси­цизма(направление в искусстве XX в., предста­вители которого стремились к возрождению музыки раннеклассического и доклассического периодов), утверждавшего порядок и гармоничность старого искусства в противовес хаосу экспрессио­низма. Традиции и новаторство в творчестве композитора сливаются в единое целое, а стили старинной музыки «прочитываются» каждый раз по-новому в зависимости от авторского замысла.

В 1922 г. Стравинский переехал в Париж. В 1934 г. композитор принял французское подданство, но гражданином Франции он пробыл недолго. Осенью 1939 г. он переехал в США.

К этому времени Стравинский уже был ав­тором множества произведений. Тут были и пьесы для джаз-оркестров, и фортепианная музыка, и даже полька для популярного цирка Барнея. А ря­дом с ними — балеты«Орфей», «Агон», опера «Похождения повесы», духовные сочинения. В последнем периоде творчества (с 1954 г.) ком­позитор использовал в своих произведениях додекафонную технику (слово «додекафония» произошло от двух греческих слов: dodeca— двенадцать и phone— звук, буквально — двенадцатизвучие. Так назвали один из видов современной компо­зиторской техники, при котором все 12 звуков хроматичес­кой гаммы являются абсолютно равными и в котором нет понятия устойчивых и неустойчивых звуков. Вместо музы­кальной темы здесь используется последовательность зву­ков, так называемая серия, которая остается неизменной на протяжении всего произведения).

В 1962 г. после почти пятидесятилетнего перерыва он посетил Россию, дал несколько авторских концертов в Москве и Ленинграде.

Он прожил еще 9 лет. Эти годы были на­полнены творчеством. Последние выступления композитора в Европе состоялись в 1968 г. Пос­ле этого здоровье не позволяло ему частых пе­реездов и физических нагрузок. Игорь Федоро­вич Стравинский умер в Нью-Йорке в апреле 1971 г. на девяностом году жизни.

Занятие 8 1 четверть

Обзор русской музыкальной культуры XX века

Мы с вами переходим к изучению того пе­риода развития русской музыки, который при­нято называть советской музыкой. Советской, потому что она бытовала в Союзе Советских Социалистических Республик. Она ведет свою историю с Великой Октябрьской социалисти­ческой революции. Действительно, с этого дня началась новая веха в художественной жизни нашей страны. Прежде всего в корне измени­лась ее структура. Если раньше театры в Рос­сии были частными или императорскими, с 1918 г. все театры, музыкальные издательства, консерватории были переданы государству. В начале 20-х гг. были организованы первые го­сударственные филармонии (концертная организация, пропагандирую­щая классическую и современную музыку среди широкого круга слушателей), хоровые капеллы.

Эти коллективы сыграли огромную роль в при­общении народа к музыке. В этот период были созданы Государственный академический хор русской песни СССР, Русская хоровая капел­ла, Капелла имени Глинки, народный хор име­ни Пятницкого и множество других коллекти­вов.

В нашей стране была открыта целая сеть музыкальных школ, а также кружков, студий при дворцах пионеров, домах культуры. Это открыло широким слоям любителей музыки путь к музыкальному образованию, участию в художественной самодеятельности, к постиже­нию богатств классической музыки. Главной целью всего этого было приобщение к музыке простых людей из народа, тех, для кого рань­ше музыка была просто закрыта, кто о музы­кальном образовании мог только мечтать. В классах консерваторий, училищ и школ появи­лись студенты и учащиеся из рабоче-крестьян­ской среды. Музыкаль­ная жизнь страны в 20-е гг. носила просвети­тельский характер.

Среди видных мастеров старшего поколения были замечатель­ные русские певцы: А. В. Нежданова, Н. А. Обу­хова, И. В. Ершов, композито­ры: Р. М. Глиэр, Н. Я. Мясковский, М. М. Иппо­литов-Иванов, профессора консерваторий, пиа­нисты: К. Н. Игумнов, Г. Г. Нейгауз, А. Б. Голь­денвейзер.

Одной из отличительных черт советской культуры была ее массовость. Отсюда огромная популярность такого жанра, как массовая пес­ня. Сразу после победы Великого Октября в стра­не зазвучали песни — «Ин­тернационал», «Варшавянка», «Мы кузнецы». Сразу после революции стало развиваться творчество советских композиторов. Уже к се­редине 20-х гг. заявили о себе воспитанные со­ветскими консерваториями композиторы, сре­ди которых Д. Шостакович, В. Шебалин, А. Давиденко, Д. Кабалевский, М. Коваль.

В апреле 1932 г. была создана единая творческая организация — Союз советских композиторов. Эта организация внесла огромный вклад в разви­тие музыкальной культуры XX в.

Тогда же, в 30-е гг., расцвел талант А. Хачатуряна. Композитор сумел дос­тичь в своей музыке слияния традиций евро­пейской музыкальной культуры и народной му­зыки Востока.

В этот период стали складываться национальные композиторские школы, которым оказывали помощь старейшие русские мастера.

В общем, это было время, когда советская музыка завоевывала международное признание. Многие сочинения советских композиторов по­полнили золотой фонд мирового музыкального искусства. С триумфальным успехом исполня­лись во всем мире лучшие творения советских композиторов.

Занятие 1 2 четверть

Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 – 1953)

С. Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов, которые составили славу русской музыки XX в. Он был выдающимся пианис­том, дирижером, композитором, который ра­ботал во всех жанрах и в каждом оставил об­разцы непревзойденного совершенства. Нача­ло столетия — взрывчатое, бурное время, и в этот вихревой поток Прокофьев ворвался как нечто неповторимое и новаторское. Неудиви­тельно, что представители «серебряного века» (так называли этот период в искусстве) не по­няли его музыку, и только немногие смогли увидеть в нем создателя нового искусства. Он был художником дерзким, своенравным, не терпевшим никаких штампов, и его произве­дения, как правило, были новым словом в ис­кусстве.

Жизненный путь

С. Прокофьев родился 23 апреля 1891 г. в имении Сонцовка Екатеринославской губернии. Отец композитора, закончивший сельскохозяй­ственную академию, работал управляющим это­го южного имения. От него передалась сыну лю­бовь к природе.

Мать будущего композитора была незауряд­ной женщиной. Она полностью взяла на себя воспитание сына, занималась с ним музыкой, иностранными языками. Мальчик все время пытался что-то фантазировать на рояле.

В девять лет, после поездки в Москву и по­сещения Большого театра, мальчик буквально «заболел» оперой. Сначала играл в театр с де­ревенскими мальчишками, а в 1900 г. сочинил оперу «Великан» на собственное либретто.

В следующем году Сережа сочинил оперу «На пустынных берегах» тоже на собственное либретто. Вскоре родители поняли, что способ­ности ребенка незаурядны и требуют серьезно­го отношения. По совету С. И. Танеева они при­гласили в Сонцовку молодого композитора Р. М. Глиэра.Под ру­ководством талантливого музыканта мальчик начал писать симфонию и оперу на пушкин­ский сюжет «Пир во время чумы».

В 13 лет мальчика повезли в Петербург по­ступать в консерваторию, по окончании которой ему была присуждена первая премия имени Рубинштейна — прекрасный рояль. Со временем он стал одним из крупнейших пианистов-виртуозов.

Уже в ранние годы Прокофьев прослыл в музыкальном мире как хулиган. Его музыка отличалась дерзостью, «варваризмами». Его Первый концерт стали называть «футбольным» за четкую ритмику, сухие ударные звучания. Среди ранних произведений — Симфония миминор, шесть сонат для фортепиано, множество пьес, опера «Маддалена»,Второй концерт.

Мама в качестве подарка к окончанию кон­серватории обещала ему поездку за границу. Сначала молодой человек едет в Лондон. Здесь состоялась его первая встреча с С. Дягилевым, которая открыла ему двери многих музыкаль­ных салонов.

Вернувшись в Россию, Прокофьев активно принялся за творчество. Он пишет балет «Ала и Лолий», впоследствии переработанный в Скифскую сюиту, фортепианный цикл «Сарказмы», вокальную сказку «Гадкий утенок» по Ан­дерсену, оперы «Игрок»по Достоевскому и «Лю­бовь к трем апельсинам», Третий фортепиан­ный концерт.

Летом 1917 г. Прокофьев поехал на курорт в Ессентуки. Мятежи на Дону отрезали его от Москвы и Петрограда. За эти месяцы «кавказ­ского плена» появились Концерт для скрипки с оркестром, Третья и Четвертая фортепиан­ные сонаты, цикл «Мимолетности» и «Класси­ческая симфония». После революции Проко­фьев выезжает за рубеж. Начинается его «завоевание» Америки.

Прошло два года, и Прокофьев понял, что в Америке ему делать нечего. Он перебирается в Париж, оттуда совершая гастрольные поездки. Здесь он сближается с Онеггером, Мийо, Пу- ленком, общается с Рахманиновым, Равелем, композиторами «Шестерки», художниками Пи­кассо, Матиссом, Чарли Чаплином, дирижера­ми Стоковским, Кусевицким, Тосканини, про­должает сотрудничество с Дягилевым. Для его труппы композитор пишет балеты «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре».

В 1927, 1929, 1932 гг. Прокофьев приезжа­ет в Россию с гастролями. Его концерты прохо­дят с триумфом. В 1933 г. композитор вернулся на родину. Первые пять лет гастроли еще продолжались, но затем выезд ему был запрещен.

Резко изменилась тематика его творчества. Были написаны музыка к кинофильму «Алек­сандр Невский», оперы «Семен Котко», «Повесть о настоящем человеке», оратория «На страже мира» и многое другое. Им были написаны балеты «Ромео и Джуль­етта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке», опера «Дуэнья», увертюры, концерты, форте­пианные произведения.

В 1943 г. композитор работал над оперой«Война и мир». Эта работа заняла много лет. Послевоенные годы обернулись для компози­тора тяжкими испытаниями. Резко ухудши­лось его здоровье, его музыкабыла при­знана критикой в 1948 г. формалистической и антинародной. Последним произведением, которое довелось композито­ру услышать в концертном зале, была Седь­мая симфония. Это было в 1952 г. Гениаль­ный симфонический цикл, в котором все ды­шит одухотворенным и, чистыми красками, стал настоящим завещанием великого Масте­ра потомкам.

Прокофьев умер 5 марта 1953 г., в один день со Сталиным. С этим и было связано то, что смерть его, на фоне официальной скорби, про­шла совершенно незамеченной. Поэтому хоронили одного из крупнейших композиторов XX в. лишь самые близкие друзья.

Занятие22 четверть

Творчество Прокофьева

Творчество композитора можно четко раз­делить на два периода. Первый из них принято называть свободным — это то время, когда он писал то, что хотел, не связанный никакими рамками. Второй период — это время, когда он вернулся в Советский Союз, столкнул­ся с его жестокой реальностью и был вынужден в чем-то подчиниться ей.

В автобиографических воспоминаниях ком­позитор выделил в своем творчестве четыре ос­новные линии: классическая, новаторская, токкатная, лирическая.

1. Классическая. Искусство Прокофьева глу­боко связано с классическими традициями. Это ярко национальный композитор, развивавший принципы Мусоргского, Римского-Корсакова, Глинки, Бородина. В то же время в музыке Про­кофьева нашла выражение классическая линия,

идущая от его увлечения жизнерадостным ис­кусством Гайдна, Моцарта, раннего Бетховена.

От русских классиков Прокофьев взял ин­терес к истории страны, тип образности, тягу к эпическим, богатырским образам и многое дру­гое.

2. Новаторская.Уже в начале своего творчес­кого пути Прокофьев проявил себя смелым но­ватором. Он открыл «новые миры» в гармонии, ритме, инструментовке.

3.Токкатная. Важнейшими свойствами му­зыки Прокофьева являются властное волевое начало, динамичность, стремительность. Во мно­гом он добивался этих качеств при помощи рит­мики, которую в первый период творчества счи­тал основным элементом музыкального языка.

4.Лирическая.В его произведе­ниях существуют изумительные по красоте лири­ческие страницы.

До конца своих дней Прокофьев оставался художником Радости. Даже темы глубокой скор­би у него несут в себе непреодолимую веру в победу радостного начала жизни. Прокофьев мелоди­чен, но он всегда искал мелодии новые, даже если они казались поначалу трудными для вос­приятия.

Творчество Прокофьева необыкновенно мно­гогранно и по содержанию, и в жанровом отно­шении.

Занятие 3 2 четверть

Симфония № 7

Эта симфония — последнее симфоническое сочинение Прокофьева, она задумывалась сначала как произведение для детей. Но в процессе работы концепция сочинения изменилась, расширилась. Родилась музыка, перешагнувшая рамки «симфонии для детей», но обращение к детским образам сыгра­ло важную роль в процессе сочинения. В ней выражен светлый взгляд на мир зрелого масте­ра, сохранившего до конца своих дней юношес­кое восприятие жизни. В этой симфонии соеди­нились спокойный, «умудренный» тон и моло­дое бурное движение, жизнерадостность и свет­лая печаль воспоминаний, лирика и чисто детс­кая любовь ко всему таинственному, чудесному.

Первая часть написана в сонатной форме, но не аллегро, как это привычно для симфони­ческих циклов, а модерато — более спокойно и медленно. Тема главной партии, широкая, рас­певная, в нежном звучании скрипок производит впечатление выразительной и проникновенной элегии.

Побочная партия тоже лирична, но это со­всем другая лирика — вдохновенная, романти­чески-приподнятая, гимническая. Это вдохно­венная тема, в которой выражаются радость и красота жизни.

Заключительная партия вносит еще один образ — причудливо-сказочный, завораживаю­щий. Как будто композитор приоткрывает дверь в сказочный мир, полный чудес. Таким видят мир дети, но таким же он предстает и перед взрослым человеком, сумевшим сохранить юно­шеское ощущение чуда жизни.

В музыке симфонии нет конфликтов, дра­матических коллизий, резких столкновений.

Вторая часть написана в характере поры­вистого романтического вальса, в котором две темы. Первая звучит как «при­глашение к танцу». Она носит вступительный характер. Вторая — легкая, полетная — зву­чит как воплощение молодости, высказываю­щей себя в бурном движении и романтическом порыве. Завершает вальс стремительная празд­ничная кода.

Третья часть — анданте — задумчивое, полное строгого просветленного чувства. В ее теме слы­шатся задумчивые повествовательные интона­ции.

Финал симфонии блещет жизнерадостно­стью и весельем. Его главная тема — рефрен (финал написан в форме рондо-сонаты) полна сверкающего остроумия. В самом конце финала возвра­щается уже знакомая мелодия — тема побоч­ной партии первой части, которая звучит как величественный апофеоз. А вслед за ней, завер­шая симфонию, появляется заключительная партия первой части, рассыпаясь красками арф, фортепиано, ксилофона и колокольчиков.

Занятие 4 и 5 2 четверть

Кантата «Александр Невский»

Кантата «Александр Невский» (1939 г.) на­писана для хора, меццо-сопрано и оркестра.

Возникла на основе музыки к одноименному фильму, созданному в 1938 г. выдающимся советским кинорежиссером Сер­геем Эйзенштейном. Картина рассказывала о ге­роической борьбе дружины Александра Невско­го с тевтонскими рыцарями-крестоносцами. Этот фильм стал классикой советского кино. Он яв­ляет собой удивительный пример содружества режиссера и композитора. Такого в истории музыки еще не было. Музыка рождалась под непосредственным впечатлением от кадров филь­ма. Сняв определенный эпизод фильма, Эйзен­штейн звал Прокофьева. Сергей Сергеевич про­сматривал отснятое, как бы впитывал в себя, старался прочувствовать характер и ритм каж­дой сцены. Потом уходил домой и на следую­щий день приносил готовую музыку, поражав­шую яркостью образов.

В кантате семь частей:

1.«Русь под игом монгольским».

2.«Песня об Александре Невском».

3.«Крестоносцы во Пскове».

4.«Вставайте, люди русские».

5.«Ледовое побоище».

6.«Мертвое поле».

7. «Въезд Александра Невского во Псков».

Вторая часть кантаты — «Песня об Алек­сандре Невском» — это начало событий, рас­сказ о недавней победе русских воинов над шве­дами: «А и было дело на Неве-реке». Помните слова Александра Невского: «Кто с мечом к нам придет, от меча и погибнет»? Это — основная мысль данной части. Величавая и строгая ме­лодия повторяет особенности древнерусских былин. Она похожа на старинные сказания.

Четвертая часть кантаты — «Вставайте, люди русские». Это — гневный, призывный хор. Русь угнетенная, величавая и скорбная показа­на здесь с героической стороны. Как тревожный набат звучит вступление к хору (этот колокол сопровождает всю первуючасть хора). Ритм марша подчеркивает чекан­ные призывные интонации и героический ха­рактер темы.

Пятая часть — «Ледовое побоище» — гран­диозная симфоническая картина с участием хора. В этой части сталкиваются основные темы предыдущих частей, рисующие вражеские ла­гери. В начале дан сумрачный зимний пейзаж, рисующий застывшее озеро в морозной мгле. Пустынное зимнее утро перед началом побои­ща. Издалека доносится звук тевтонского рога. Прокофьев очень долго искал тембр для этого сигнала. Он считал, что он должен быть «не­приятным для русского уха». В фильме этот сигнал исполняет валторна, записанная со спе­циальным искажением. Начинается знаменитый эпизод скачки крестоносцев, который принято называть «Скок свиньи» (боевое построение войска тевтонов в виде клина).

На фоне ритма скач­ки рыцари на латинском языке поют фанатич­ный хорал.

Но вот в бой вступает дружина Александра Невского. У трубы звучит тема «Вставайте, люди русские». Начинается русская атака. Ее сопро­вождает новая стремительная, удалая тема.

Завершает эту часть тихая и светлая тема среднего раздела четвертой части «На Руси родной, на Руси большой не бывать врагу». На освобожденную русскую землю при­шли мир и тишина.

Шестая часть кантаты — «Мертвое поле» — одна из самых лирических и скорбных стра­ниц творчества Прокофьева. Закончилась битва. Русское войско побе­дило. Но какой ценой заплатили воины за эту победу! Ранним утром по бескрайнему заснежен­ному полю медленно идет девушка. Среди пав­ших на поле боя русских воинов ищет она сво­его жениха. Потому ее скорбная песня «Я пойду по полю белому»так близ­ка народным плачам, причитаниям, а также классическим оперным ариям-плачам. Конечно, мы понимаем, что образ этой девушки символический. Ее скорбь — это скорбь Родины о погибших сыновьях.

Завершается кантата величественной седь­мой частью —«Въезд Александра Невского во Псков». В хоровом финале, прославляющем Русь-победительницу, соединены русские темы кантаты: песня об Александре Невском, тема средней части хора «Вставайте, люди русские». Помимо них в финале появляется новая плясо­вая тема («Веселися, пой, мать родная Русь») и скоморошьи наигрыши из пятой части.

Этой музыкой, ставшей главной участницей фильма о великой любви к Родине, о самоот­верженной борьбе с жестокими захватчиками,о славной победе над врагом, Прокофьев пред­вещал победу народа в борьбе с фашистскими захватчиками.

Занятие 6 2 четверть

Балет «Ромео и Джульетта»

Балет «Ромео и Джульетта» был закончен Прокофьевым в 1936 г. Так же как и лучшие русские классические балеты, «Ромео и Джу­льетта» отличается воплощением глубоких че­ловеческих чувств, этической значимостью те­мы.

Обращение Прокофьева к трагедии Шекс­пира в балете было смелым шагом. В течение долгого времени считалось, что средствами ба­лета нельзя передать такое сложное философ­ское содержание. Музыка Прокофьева буквально пронизана шекспиров­ским духом.

Музыка Прокофьева раскрывает основной конфликт трагедии — столкновение светлой воз­вышенной любви юных героев с родовой враж­дой двух кланов: Монтекки и Капулетти. Ком­позитор воплотил в музыке шекспировские кон­трасты трагического и комического, возвышен­ного и шутовского.

В балете Прокофьева нет классических тан­цевальных номеров (адажио, вариаций). В его основе сцены, органично соединяющие панто­миму и танец: это и сольные сцены-портреты, и сцены-диалоги, и драматические массовые сце­ны. Нет в балете и дивертисментов, вставных номеров.

Одной из особенностей балета является то, что образы главных героев показаны в балете в развитии. Им противостоит почти неизменный образ мрачной тупой вражды, того зла, которое стало причиной гибели юных возлюбленных.

Вступление балета начинается темой люб­ви, краткой, как эпиграф, светлой и скорбной. Тут сразу же вспоминаются слова Шекспира: «Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте».

Одним из самых известных фрагментов ба­лета является номер, рисующий портрет глав­ной героини произведения, резвой и шаловли­вой 13-летней девочки—«Джуль­етта-девочка».

Heменее популярен знаменитый «Танец рыцарей». Его еще называют «Монтекки и Ка- пулетти». Это групповой портрет двух вражду­ющий кланов.

Одним из важных средств в балете являет­ся целая система лейтмотивов. Прокофьев в сво­их произведениях выработал своеобразную тех­нику лейтмотивного развития. Чаще всего му­зыкальные характеристики героев складывают­ся из нескольких тем, как бы рисующих раз­ные грани образа или чувства. В балете «Ромео и Джульетта», три темы любви, ри­сующие разные этапы развития этого чувства: зарождение его, когда на балу Ромео впервые увидел Джульетту, его расцвет и трагическая развязка, когда Джульетта готова умереть во имя любви.

Балет С. Прокофьева «Ромео и Джульетта» был поставлен с хореографией Лавровского на сцене Театра оперы и балета им. Кирова в Ленинграде в январе 1940 г. и до сих пор оста­ется одним из самых популярных балетных спектаклей.

Занятие 1 3 четверть

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906- 1975)

Шостакович — явление уникальное в исто­рии мировой музыкальной культуры. В его твор­честве, как ни у какого другого художника, от­разилась наша сложная жестокая эпоха, проти­воречия и трагическая судьба человечества, на­шли воплощения те потрясения, которые выпа­ли на долю его современников. Все беды, все стра­дания нашей страны в XX в. он пропустил через свое сердце и выразил в своих произведениях.

Мало кто из композиторов был так признан и прославлен при жизни, как он. Он был сразу возведен в ранг классиков. Зарубежные награ­ды и дипломы были бесспорными — он был по­четным членом всевозможных академий, уни­верситетов, лауреатом различных международ­ный премий.

Композитор обращался ко всем жанрам, и в каком бы жанре ни пробовал он свои силы, под его пером рождались выдающи­еся произведения: балеты, оперы, инструмен­тальные пьесы, концерты, песни, романсы, му­зыка к кинофильмам. Но прежде всего Шоста­кович — гениальный симфонист. Именно в его симфониях воплотилась история XX в., его тра­гедия, его страдания и бури.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович родился 25 сентября 1906 г. в Петербурге в интеллигент­ной семье. Мама мальчика имела музыкальное образование и даже думала посвятить себя му­зыке профессионально. Дарование ребенка было замечено довольно поздно, потому что мамапринципиально считала, что начинать музыкаль­ное обучение надо не раньше девяти лет. Но пос­ле начала занятий успехи его были ошеломляю­щими. Он не только феноменально быстро дос­тиг вершин в игре на фортепиано, но вскоре про­явил себя и как композитор. Ему было 12 лет, когда появились первые его сочинения.

Это было сложное время. После революции в городе царил настоящий беспредел. Не было продовольствия, в городе начался голод, не было и топлива. И в это сложное время 13-летний Шостакович поступил в Петроградскую консер­ваторию.

Но, несмотря ни на что, Шостакович закон­чил консерваторию в 1923 г. по классу фортепи­ано, а в 1925 — по композиции. Дипломной ра­ботой молодого музыканта была Первая симфо­ния, которая сразу же принесла 19-летнему юно­ше широкую известность.

В 1927 г. он был послан на между­народный конкурс имени Шопена в Варшаву, где получил почетный диплом. Вскоре появились и новые произведения композитора —Вторая и Третья симфонии, балеты «Золотой век» и «Болт», опера «Нос», фортепианные сочинения. К этому же времени относятся первые опыты композитора в области киномузыки. Шостако­вич сочинил музыку к первым звуковым филь­мам 1930-х гг.: «Одна», «Золотые горы», «Встречный», «Трилогия о Максиме» и др. Он вообще никогда не делил музыку на высокие и низкие жанры, одинаково увлеченно работая в разных направлениях музыкального искусства.

В 1934 г. в ленинградском Малом оперном театре была поставлена его опера «Катерина Измайлова» на сюжет произведения Н. Леско­ва «Леди Макбет Мценского уезда». Премьера прошла с большим успехом. Композитор посвя­тил оперу Нине Варзар, на которой женился в 1932 г. Может быть, с этим событием связана такая глубокая интерпретация и идеализация героини. Его жена была астрофизиком. Сын Шо­стаковичей Максим стал дирижером и компо­зитором, дочь Галина — биологом.

«Катерина Измайлова» стала любимым про­изведением композитора, поэтому, когда в га­зете «Правда» появилась статья «Сумбур вмес­то музыки», а вскоре еще одна — «Балетная фальшь» о балете «Светлый ручей», для моло­дого композитора это стало ударом. Так начал­ся процесс «перевоспитания» композитора. Именно после этого Шостакович отказался от жанров, связанных со словом. Больше ни одно­го произведения в жанре оперы и балета ком­позитор не написал. С этого времени главное место в его творчестве заняли симфонии, в ко­торых композитор выразил свое понимание мира и судеб родной страны.

Началом этому сталаЧетвертая симфония, которая многие годы была не известна публике и была исполнена впервые в 1961 г. Вслед за ней появились Пятая и Шестая симфонии, Фор­тепианный квинтет. В 1937 г. Шостакович был приглашен в Ленинградскую консерваторию профессором по классам композиции и оркест­ровки.

И вот пришел грозный 1941 год. С начала войны композитор начал работу над Седьмой симфонией. Симфонию, посвященную подвигу родного города, композитор заканчивал в Куй­бышеве, куда был эвакуирован с семьей.

В 1943 г. композитор переезжает в Москву. До конца войны им были написаны Восьмая сим­фония, посвященная замечательному дирижеру, первому исполнителю всех его симфоний начи­ная с Пятой, Е. Мравинскому, иВторое форте­пианное трио Памяти Соллертинского. С этого времени жизнь Д. Шостаковича была связана со столицей. Он занимается творчеством, педагоги­кой, пишет музыку к кинофильмам. Казалось бы, жизнь наладилась. Но власти готовили ему новый удар. Они решили пресечь свободолюби­вые мысли, возникшие у части интеллигенции после победы в войне. В 1948 г. появилось зна­менитое постановление «Об опере «Великая дружба» Мурадели, которое на самом деле былонаправлено против Шостаковича. Его обвинили в формализме, отрыве от действительности, про­тивопоставлении себя народу и призвали при­знать свои ошибки. Из консерватории компози­тора уволили, считая, что нельзя доверять фор­малисту воспитание молодежи.

К нему применили методику «кнута и пряни­ка», «короткого поводка». Система духовного контроля взяла в оборот его живую творческую мысль. Композитор и поддавался — и не подда­вался. Исполнял то, что ему поручали, зани­мался общественной работой, отнимавшей мно­го сил и времени, но никогда не раскрывался до конца. В это время он много пишет. Среди его ра­бот музыка к патриотическим фильмам ора­тория «Песнь о лесах», кантата «Над Родиной нашей солнце сияет»,Первый концерт для скрип­ки с оркестром, получивший известность толь­ко в 1953 г. Тогда же появляется Десятая сим­фония, в которой отразились размышления ком­позитора сразу после смерти Сталина. А до это­го создавались квартеты, вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии», грандиозный фор­тепианный цикл «24 прелюдии и фуги».

С началом так называемой «оттепели» (вре­мя правления Н. С. Хрущева) Шостакович вновь обращается к симфоническому творче­ству. Появляются программные Одиннадцатая и Двенадцатая симфонии, вслед за ними во­кальные, с социально значимыми текстами, Тринадцатая и Четырнадцатая, симфоническая поэма «Казнь Степана Разина» и многое дру­гое. Грандиозный симфонический цикл завер­шает вновь бестекстовая, непрограммная Пят­надцатая симфония.

60-е гг. проходят под знаком все ухудшаю­щегося здоровья. Композитор переносит два инфаркта, начинается болезнь центральной нервной системы. Все чаще приходится подол­гу лежать в больнице. Но Шостакович старает­ся вести активный образ жизни, сочинять, хотяс каждым месяцем ему становится все хуже. По­чти до последнего момента он творил — руко­пись Сонаты для альта и фортепиано он кор­ректировал в больнице. Смерть настигла ком­позитора 9 августа 1975 г.

Шостакович был «официальным» композитором, и хорони­ли его официально с громкими речами предста­вителей партии и правительства, которые столько лет его критиковали.

Занятие2 и 3 3 четверть

Симфония № 7 (До мажор), «Ленинградская»

Работа над этой симфонией началась в са­мом начале войны. С первых дней войны Шос­такович, как и многие его земляки, стал рабо­тать на нужды фронта. Он рыл окопы, дежурил по ночам во время воздушных тревог. Делал аранжировки для концертных бригад, отправ­ляющихся на фронт. Но, как всегда, у этого уникального музыканта-публициста в голове уже созревал крупный симфонический замысел, посвященный всему происходящему. Он начал писать Седьмую симфонию. Летом была закон­чена первая часть. Вторую он писал в сентябре уже в блокадном Ленинграде. В октябре Шос­такович вместе с семьей был эвакуирован в Куй­бышев. В отличие от первых трех частей, со­зданных буквально на одном дыхании, работа над финалом двигалась плохо. Неудивительно, что последняя часть долго не получалась. Ком­позитор понимал, что от симфонии, посвящен­ной войне, будут ожидать торжественного по­бедного финала. Но для этого пока не было ни­каких оснований, а он писал так, как подска­зывало сердце.

27 декабря 1941 г. симфония была законче­на. Начиная с Пятой сим­фонии почти все творения композитора в этом жанре исполнялись любимым оркестром — ор­кестром Ленинградской филармонии под управ­лением Мравинского.

Симфония исполнялась в Мос­кве и Новосибирске. Но самая замечательная премьера состоялась в осажденном Ленингра­де. Зал филармонии был полон. Его заполнили бледные, истощенные ленинградцы. Они при­шли слушать симфонию, посвященную им. Му­зыку эту транслировали на весь город.

19 июля 1942 г. симфония прозвучала в Нью-Йорке, и после этого началось ее победное шествие по миру.

Первая часть начинается широкой, распев­ной эпической мелодией. Она развивается, рас­тет, наполняется все большей мощью. Вспоми­ная процесс создания симфонии, Шостакович го­ворил: «Работая над симфонией, я думал о вели­чии нашего народа, о его героизме, о лучших идеалах человечества, о прекрасных качествах человека...» Все это воплощено в теме главной партии, которую роднят с русскими богатырски­ми темами размашистые интонации, смелые ши­рокие мелодические ходы, тяжелые унисоны.

Побочная партия тоже песенна. Она похо­жа на спокойную колыбельную песню. Мело­дия ее как будто растворяется в тишине. Все дышит спокойствием мирной жизни.

Но вот откуда-то издалека раздается дробь барабана, а потом появляется и мелодия: при­митивная, похожая на куплеты — выражение обыденности и пошлости. Как будто двигаются марионетки. Так начинается «эпизод наше­ствия» — потрясающая картина вторжения раз­рушительной силы.

Поначалу звучание кажется безобидным. Но тема повторяется 11 раз, все больше усиливаясь. Мелодия ее не изменяется, она только по­степенно обрастает звучанием все новых и но­вых инструментов, превращаясь в мощные ак­кордовые комплексы. Так эта тема, которая сначала казалась не угрожающей, а тупой и пошлой, превращается в колоссальное чудови­ще — скрежещущую машину уничтожения. Кажется, что она сотрет в порошок все живое на своем пути.

Писатель А. Толстой назвал эту музыку «пляской ученых крыс под дудку крысолова». Кажется, что ученые крысы, покорные воле крысолова, вступают в бой.

Эпизод нашествия написан в форме вариа­ций на неизменную тему — пассакалии.

В тот момент, когда кажется, что железная махина с грохотом движется прямо на слуша­теля, происходит неожиданное. Начинается про­тиводействие. Появляется драматический мо­тив, который принято называть мотивом сопро­тивления.

В нем слышатся стоны, крики. Как будто разыгры­вается грандиозная симфоническая битва. Пос­ле мощной кульминации реприза звучит сум­рачно и мрачно. Тема главной партии в ней звучит как страстная речь, обращенная ко все­му человечеству, полная великой силы протес­та против зла. Особенно выразительна мело­дия побочной партии, ставшая тоскливой и одинокой. Здесь появляется выразительное соло фагота.

Это больше не колыбельная, а скорее плач, прерываемый мучительными спазмами. Толь­ко в коде главная партия звучит в мажоре, как бы утверждая преодоление сил зла. Но издали слышится дробь барабана. Война еще продолжается.

Две следующие части призваны показать духовное богатство человека, силу его воли.

Вторая часть — скерцо, выдержанное в мягких тонах. Многие критики в этой музыке видели картину Ленинграда прозрачными бе­лыми ночами. Эта музыка соединяет в себе улыбку и печаль, легкий юмор и самоуглуб­ленность, создавая образ привлекательный и светлый.

Третья часть — величавое и проникновен­ное адажио. Его открывает хорал — своеобраз­ный реквием по погибшим. За ним следует па­тетическое высказывание скрипок. Вторая тема, по словам композитора, передает «упоение жиз­нью, преклонение перед природой». Драмати­ческая середина части воспринимается как вос­поминание о прошедшем, реакция на трагичес­кие события первой части.

Финал начинается еле слышным тремоло литавр. Как будто постепенно собираются силы. Так подготавливается главная тема, полная не­укротимой энергии. Это образ борьбы, народно­го гнева. Его сменяет эпизод в ритме сарабан­ды — вновь воспоминание о павших. А затем начинается медленное восхождение к торжеству завершения симфонии, где главная тема пер­вой части звучит у труб и тромбонов как сим­вол мира и будущей победы.

Как ни широко многообразие жанров в творчестве Шостаковича, по складу своего да­рования он прежде всего композитор-симфо­нист. Для его творчества характерны огром­ные масштабы содержания, склонность к обоб­щенному мышлению, острота конфликтов, ди­намичность и строгая логика развития. Осо­бенно ярко эти черты проявились в его симфо­ниях. Перу Шостаковича принадлежат пятнад­цать симфоний. Каждая из них — страница истории жизни народа. Композитора не зря называли музыкальным летописцем своей эпо­хи.

Занятие4 3 четверть

Фортепианное творчество Шостаковича

24 прелюдии и фуги

Фортепианная музыка занимает важное ме­сто в творчестве Шостаковича. Будучи прекрас­ным пианистом, Шостакович создал истинные шедевры в этой области, которые сегодня зани­мают прочное место в педагогической и концерт­ной практике. Среди произведений Шостакови­ча для фортепиано выделяется грандиозный цикл из 24 прелюдий и фуг. История его созда­ния такова.

В 1950 г. весь мир праздновал 200-летие со дня рождения Иоганна Себастьяна Баха. В Лейп­циге — городе, где Бах провел последние годы своей жизни, — проходил грандиозный музы­кальный праздник. В нем участвовали лучшие музыканты современности. Д. Шостакович при­сутствовал на юбилейных торжествах не толь­ко как почетный гость. Он выступал на заклю­чительном концерте.

Композитор был полон впечатлений от бес­смертной музыки Баха. Это вдохновило его на создание цикла из 24 прелюдий и фуг.

Шоста­кович всю жизнь преклонялся перед величием личности Баха и его творчества. Кстати, ком­позиторов многое роднит — философская глу­бина их творений, любовь к людям, сострада­ние к ним, возвышенное благородство мыслей и чувств. А также тяготение к полифоничес­ким формам, которые Шостакович наполнил новым содержанием. Благодаря этому старин­ные музыкальные формы получили в его твор­честве новую жизнь.

Шостакович объединил прелю­дии и фуги попарно, охватив все 24 тональнос­ти. Но сочинение Шостаковича наполнено со­временным содержанием, отражая наш мир с его противоречиями и контрастами.

В прелюдиях и фугах Шостаковича выра­жено очень большое разнообразие чувств. И не только мир человеческой души, но и образы чисто русской природы. Среди пьес цикла нас пленяет тихая торжественность До мажорной прелюдии и фуги, задушевность, задумчивость ми минорной, сила, энергия мысли си минор­ной, драматизм ре минорной. Одна из самых светлых, мечтательных страниц творчества ком­позитора Прелюдия и фуга Ля мажор. Особен­но фуга, тема которой, чистая, серебристая по звучанию, похожа на перекличку труб.

Мечтательностью, хрупкостью отличаются Прелюдия и фуга Ре мажор. Прелюдия в этом мини-цикле очень похожа на баховскую. Но у Шостаковича сразу же чув­ствуется современный музыкальный язык. Это проявляется в обогащении лада, необычных мо­дуляциях.

Тема фуги необычна. Поначалу она вооб­ще не похожа на тему. Как будто композитор пробует разные звуки, «ищет» ее. Но вот уже мелодия потекла, как бы весело пританцовы­вая.

Сама фуга написана по всем законам поли­фонического искусства.

Цикл из 24 прелюдий и фуг — самое круп­ное фортепианное произведение Шостаковича. Чрезвычайно велико его значение для современ­ной полифонической музыки. «Без преувели­чения можно сказать, что сейчас самый круп­ный полифонист среди композиторов мира — это Шостакович», — так современники оцени­вали эту часть творчества Шостаковича. Заме­чательный финский композитор Ян Сибелиус сказал об этом цикле композитора: «Вот музы­ка, слушая которую, начинаешь ощущать, чтостены этой комнаты раздвинулись и потолок стал выше».

Занятие 5 3 четверть

Арам Ильич Хачатурян (1903 – 1978)

Творчество А. И. Хачатуряна стало яркой своеобразной страницей в истории музыки XX в. Оно внесло новую свежую струю в отечествен­ное искусство. Эта музыка подкупает красотой восточных образов. Именно народное искусство стало источником творчества этого замечатель­ного композитора.

Хачатурян родился 6 июня 1903 г. в Тби­лиси. В начале века в этом городе, как в ог­ромном котле, были перемешаны традиции на­циональных культур народов Закавказья. В городе можно было услышать выступления народных певцов — ашугов, соединивших в своем творчестве черты музыки армян, грузин, персов, азербайджанцев. Первые музыкальные впечатления мальчика были связаны именно с народной музыкой. Родители были простыми людьми (папа был переплетчиком), правда, музыкально одаренны­ми, в доме часто звучала народная музыка. Но о музыкальном образовании сына нельзя было и мечтать. Вскоре дома появилось старенькое пиа­нино, на котором Арам сам научился играть сна­чала одним пальцем, потом и с примитивным аккомпанементом. На этом пианино мальчик подбирал мелодии знакомых народных песен.

В десять лет Арам поступил в коммерчес­кое училище. Почти в это же время ему дове­лось услышать оперу классика композиторской школы Закавказья Палиашвили «Абессалом и Этери». Впечатление было таким сильным, что желание учиться музыке стало неотступным. Не зная нот, Арам научился играть на духовых ин­струментах и стал участвовать в любительском духовом оркестре.

В 1921 г. в Тбилиси из Москвы приехал стар­ший брат будущего композитора Сурен Хачату- ров, работавший режиссером Московского Ху­дожественного театра. Он увидел, как велико влечение брата к музыке, и увез его в Москву.

Сначала Хачатурян поступил на биологичес­кое отделение Московского университета. Но скоро понял, что надо идти учиться в музыкаль­ное учебное заведение. В 19 лет он сдавал эк­замен в Московский музыкальный техникум им. Гнесиных. Сначала образование Хачатуряна проходило в классе виолончели, а затем в классе композиции под руководством профессора М. Ф. Гнесина. Первыми серьезны­ми работами композитора стали «Танец» для скрипки и фортепиано, «Поэма» для фортепиа­но. Михаил Фабианович Гнесин был тонким,чутким педагогом, сумевшим быстро развить природное дарование Хачатуряна. Потом Арам Ильич посещал класс Н. Я. Мясковского, кото­рый передал ему лучшие традиции русской и западноевропейской классики. В 1929 г. Хача­турян поступил в Московскую консерваторию.

Дипломной работой композитора стала Пер­вая симфония, вышедшая далеко за пределы обычной дипломной работы и ставшая замет­ным явлением в музыкальной жизни России 30-х гг. Хачатурян блестяще закончил консер­ваторию. Его имя было занесено на доску поче­та. Успех Первой симфонии окрылил компози­тора. Он поступает в аспирантуру консервато­рии в класс Мясковского. Композитор активно изучает национальный фольклор, собирает ма­териал для новых произведений. Вершинами его творчества этого периода сталиСимфоническая поэма, балет«Счастье», фортепианный и скри­пичный концерты. В этих сочинениях уже вы­работались характерные черты творчества му­зыканта: яркость, сочность музыкальных обра­зов, опора на фольклор, танцевальная основамузыки при отсутствии драматических конф­ликтов. В это же время композитором была на­писана музыка к драме Лермонтова «Маскарад» для театра имени Е. Вахтангова.

Но вот на русскую землю пришла война. Естественно, что большинство произведений этой поры связаны с патриотической тематикой. За годы войны были созданы балет «Гаянэ»,Вто­рая симфония с колоколом, посвященная собы­тиям войны, Три концертные арии для голоса с оркестром, Русская фантазия, Государственный гимн Армении. Сразу после войны появился ви­олончельный концерт, завершивший триаду ин­струментальных концертов композитора.

В 1951 г. Хачатурян стал профессором Мос­ковской консерватории и Музыкально-педаго­гического института им. Гнесиных. Начинает­ся активная общественная и гастрольная дея­тельность композитора. Во время поездки в Рим у него рождается замысел одного из шедевров балетного искусст­ва XX в. — балета «Спартак». В этом балете композитор нарисовал яркие, красочные, эксп­рессивные картины Древнего Рима: бой глади­аторов, рынок рабов, пир у патриция Красса и др. В 1959 г. за это произведение Хачатурян был награжден Ленинской премией.

В поздний период творчества композитор повторил свою триаду концертов, но уже в дру­гой жанровой разновидности: в 60-е гг. появи­лись концерты-рапсодии для скрипки, виолон­чели и фортепиано.

В этот период авторитет композитора был чрезвычайно велик. Активизировалась педаго­гическая деятельность Хачатуряна. Им была воспитана целая плеяда молодых композиторов, среди которых А. Эшпай, А. Виеру, Р. Бойко, М. Таривердиев. Продолжая традиции Гнесина и Мясковского, композитор старался пробудить в них самобытное дарование, предоставить воз­можность для самовыражения.

Творческий путь А. Хачатуряна завершил­ся в 1978 г., но музыка композитора продолжа­ет жить и радовать нас. Почти все творчество композитора пронизано национальными моти­вами многовековой армянской культуры.

Занятие 6 3 четверть

Творчество Хачатуряна

Балет «Гаянэ»

Балет «Гаянэ» написан Хачатуряном в 1942 г. В сложное и трагичное время эта музы­ка прозвучала как жизнеутверждающий рассказ о любви к Родине, великом подъеме духа совет­ских людей. Герои балета — колхозники и воины Крас­ной Армии. Действие происходит на полях ар­мянского колхоза и в становище курдов. Моло­дая колхозница Гаянэ разоблачает диверсан­тов — поджигателей складов с колхозным хлоп­ком. Среди поджигателей и муж Гаянэ. Но это не останавливает молодую женщину, которая едва не стала жертвой мщения. В борьбе с му­жем-дезертиром она утвердила свое право на са­мостоятельную жизнь. Теперь Гаянэ узнала иновое чувство любви. Заканчивается балет боль­шим народным праздником.

Действие балета развивается по двум само­стоятельным, но вместе с тем и глубоко связан­ным линиям: с одной стороны — это драма Га­янэ, с другой — картины народной жизни и в будни, и в праздники. Главной идеей, объеди­няющей их, является тема любви к Родине, ра­дости свободного труда, дружбы.

Образ главной героини — молодой женщи­ны, твердой в выполнении своего долга, компо­зитор раскрыл с глубоким лиризмом. Сольные номера Гаянэ трудно назвать танцами. Они боль­ше похожи на оперные или инструментальные арии или монологи. Таким монологом являет­ся первый Танец Гаянэ.

Музыка балета глубоко связана с музыкаль­ной культурой народов Закавказья. Мелодии его близки народным интонациям, в них проявля­ются ладовые, ритмические особенности армян­ской музыки. Народные сцены, в которых особенноярко проявляется эта близость с народным ис­кусством, занимают в балете большое место. Причем жизнь народа Хачатурян показывает с разных сторон — ив будни — в работе, и в бедствии, и в день праздничного веселья.

Огромной популярностью среди любителей музыки пользуются такие фрагменты балета, как «Танец розовых девушек» и знаменитый «Танец с саблями».

Музыка балета «Гаянэ» сразу же шагнула со сцены театра и в виде трех оркестровых сюит сегодня живет самостоятельной жизнью, укра­шая программы концертов симфонических ор­кестров в разных странах мира.

Концерт для скрипки с оркестром

Это произведение принадлежит к числу по­пулярнейших творений советской музыки. С особой силой здесь проявился дар композитора создавать музыку, опирающу­юся на народное творчество. В концерте не ис­пользованы подлинные народные мелодии, но весь он является выражением армянской народ­ной песенности.

Произведение это очень сложно для испол­нения и требует от скрипача огромного мастер­ства. Но это не просто виртуозность ради вир­туозности. Она является средством выражения содержания музыки, ее жизнерадостности, праз­дничности. В концерте три части, которые ри­суют три разные картины из жизни народа, по­этические зарисовки природы Армении. В цен­тре их — лирическая «песня», которую обрам­ляют две танцевальные части.

Первая часть открывается энергичным и напористым оркестровым вступлением, которое сразу же вводит нас в сферу активного действия.

Четкий, упругий ритм и танцевальный ха­рактер отличают главную партию сонатного ал­легро. Эта тема, исполняемая солирующей скрипкой, близка народной музыке Закавказья.

Побочная партия своей импровизационностью напоминает пение народных певцов-ашу- гов. В разработке, состоящей из трех разделов, подвергаются развитию все три темы. Резуль­татом этого развития становится сближение этих тем, когда плавная мелодия побочной партии наполняется энергичными ритмами, а танцевальная главная партия становится бо­лее лиричной. Как и положено, разработка за­вершается блестящей виртуозной каденцией скрипки.

В репризе все темы первой части варьиру­ются, обрастают подголосками, движение ста­новится все более динамичным. Такая реприза называется динамической. Завершает первую часть кода, утверждающая волевой мужествен­ный образ первой части.

Вторая часть — самый лиричный образ концерта. Это своеобразная «песня без слов», которая «поется» на фоне прекрасного кавказ­ского пейзажа, потому и музыка, его рисующая, звучит как гимн солнцу, красоте, природе.

Финал — грандиозная картина народного праздника. Все в нем полно движения, огня, энергии. Это как бы общий танец, из которого время от времени выделяются солисты. Движе­ние танца постепенно становится все более стре­мительным, как будто в танцевальный круг вли­вается все больше людей. Оркестр подражает народным инструментам.

Большое значение в драматургии концерта играет кода финала. В ней в стремительном вих­ревом движении проносятся темы первой час­ти, что объединяет произведение в единое це­лое. Для творчества Хачатуряна характерны оптимизм, жизнеутверждение. Вот и здесь дра­матические и лирические образы первой части превращаются в образы народного праздника, веселья, буйной пляски.

Занятие7 3 четверть

Русские композиторы второй половины XX века

Георгий Васильевич Свиридов(1915-1998)

Его называли последним представителем русской классической музыки. Очень рано Сви­ридов оказался в числе признанных классиков советской музыки. Свиридов пришел в музыку в очень инте­ресное и в то же время сложное и противоречи­вое время. Это было время, которое нуждалось в крупных творцах духовной культуры. Это была пора бурного становления советской куль­туры, пора появления значимых личностей, выплавлявших новые творческие ценности. И он, как и многие другие, стал мудрым, точным летописцем своего времени. Настоящий символ его творчества — «Время вперед». Его произведения — художественные документы эпохи, но не бесстрастные, как фо­тография, а объемные и личностные, как живопись.

Главным в музыке Свиридов считал ее очи­щающую и облагораживающую задачу. А еще он ставил музыку на одном уровне с верой, духов­ностью.

Г. В. Свиридов родился 16 декабря 1915 г. в маленьком городке Фатеже возле Курска. Отец будущего композитора был почтовым служащим, мать — учительницей. С малых лет окружали его народные песни, танцы, звучание народных наигрышей. Сначала мальчик сам научился играть на балалайке и стал участником оркестра русских народных инстру­ментов. С 1929 по 1932 г. он учился в курской музыкальной школе. К этому же времени отно­сятся первые опыты сочинения музыки.

В 1932 г. Свиридов поступает в Ленинград­ский центральный музыкальный техникум.

Вокальный цикл из шести романсов на сти­хи Пушкина, созданный выпускником техни­кума, сразу же принес известность двадцати­летнему композитору. Талант Свиридова стал настоящим открытием советского искусства.

Уже будучи членом Союза композиторов, в 1936 г. Свиридов поступил в Ленинградскую консерваторию. С 1937 г. до окончания консер­ватории он учился в классе Д. Д. Шостаковича. В студенческие годы Свиридов испытал большое влияние Шостаковича, у которого прошел серь­езную, строгую школу, изучал классическое на­следие и глубоко осваивал музыку XX столетия. В это же время им был написан вокальный цикл «Слободская лирика», в кото­рый вошли шесть романсов на стихи А. Проко­фьева. Кроме того, компо­зитором были созданы оперетта «Настоящий жених», музыка к кинофильму «Поднятая це­лина», музыка к театральным пьесам.

1950 г. был ознаменован появлением вокаль­ной поэмы «Страна отцов» на стихи армянско­го поэта Аветика Исаакяна, которая стала на­чалом периода творческой зрелости. В эти годы композитор останавливается на камерном, хо­ровом и вокально-симфоническом жанрах. Круг поэтов, на чьи тексты композитор пишет свои произведения, достаточно широк: Пушкин, Блок, Есенин, Маяковский, Исаакян, Берне.

Именно Свиридову советская музыка обя­зана широко развернувшимся ораториальным движением в 50—70-е гг. Для него оратория — сжатое выражение напряженных мыслей о Ро­дине, о пережитых событиях истории страны, мысли, выраженной единством музыки и самой высокой классической поэзии. Его оратории можно разделить на серии. В центре — серия музыкальных антологий — портретов выдаю­щихся поэтов: Есенин, Пушкин, Маяковский, Блок, Пастернак. Еще одна серия — сольно-пе­сенные оратории, в которых собраны самых характерные стихи любимых поэтов: Бернса, Есенина («У меня отец — крестьянин»), Исаакяна («Страна отцов»). Каждая из его ораторий стала настоящим монументом крупнейшим поэтам-классикам. Он всегда придавал огромное значение слову, дополняющему эмоциональную стихию музыки каким-то конкретизирующим, философским, проповедническим началом.

Композитор писал свою музыку о самом важном, что происходит в природе, жизни, душе человека. В его искусстве есть что-то космичес­ки крупное. Отсюда медленные темпы его про­изведений, торжественные звучности. Каждая нота в его творениях подчеркнута и весома. Суетность, торопливость ему совершенно чуж­ды. Его герои духовно красивы — он воспевает труд, любовь, верность. Его музыка как бы уст­ремлена ввысь — композитор хочет помочь че­ловеку стать лучше.

Таким образом им были созданы монументальные вокально-симфонические фрес­ки «Поэмапамяти Есенина», «Патетическая ора­тория» на стихи В. Маяковского, кантата «Кур­ские песни» на народные тексты, вокальныйцикл«Петербургские песни» на стихи А. Блока, концерт для хора «Пушкинский венок», сим­фонические сюиты «Время, вперед!» и «Метель» (по повести Пушкина), «маленькие кантаты»:«Деревянная Русь» на стихи Есенина, «Снег идет» на стихи Б. Пастернака, романсы и мно­гие другие произведения.

Главный образ творчества композитора — вдохновенный образ Отечества, родной земли, народа, человека с его богатым, сложным по­этическим духовным миром, нравственной чис­тотой, любовью к Родине. Тема России прони­зывает все творчество Свиридова как сокровен­ная идея. Место Г. Свиридова в современной музы­кальной культуре глубоко оригинально. Свиридов — важное звено в цепи многовеково­го развития русской культуры.

Занятие 8 3 четверть

Родион Константинович Щедрин (1932)

Произведения Р. Щедрина очень часто ока­зывались для слушателей и музыкальных кри­тиков настоящими сюрпризами. Действитель­но, своими дерзкими замыслами, непредвиден­ными решениями он часто будоражил вообра­жение слушателей.

Как многогранна натура композитора, так же многогранно и изобретательно его творче­ство. Многое в российской музыке он начинал первым: первым написал мюзикл, первым ввел в инструментальный жанр частушку, первым использовал коллаж(один из современных приемов композиции, ос­нованный на использовании небольших фрагментов чужих или ранее написанных собственных произведений. Он под­разумевает противопоставление разных по стилю элементов и должен вызвать впечатление несовместимости «вставлен­ного» материала с авторским текстом. Термин этот заим­ствован из живописи: так в начале XX в. назвали прием наклеивания на какой-нибудь материал другого, резко от­личного от него по цвету и фактуре),вводил джазовые фрагменты.

Родион Щедрин родился 16 декабря 1932 г. Отец будущего композитора, окончивший Мос­ковскую консерваторию, был прекрасным лек­тором и играл на скрипке, старшие братья — на виолончели и фортепиано. Поэтому с ран­него детства в исполнении этого домашнего трио мальчик слушал музыку Брамса, Чайков­ского, Рахманинова. Война прервала обучение. Принятый в Центральную музыкальную шко­лу, он вынужден был вместе с родителями эва­куироваться в Куйбышев. В 1945 г. Родион Щедрин поступил в Московское хоровое учи­лище. К этому же времени относятся первые композиторские опыты — хоры acappella,сре­ди которых знаменитый хор «Тиха украинс­кая ночь» на стихи Пушкина, обработки на­родных песен, Поэма для фортепиано.

В 1950 г. Щедрин поступил в Московскую консерваторию в класс композиции Ю. Шапо­рина и фортепиано Я. Флиэра. Это были программные фортепианные пьесы («Юмореска» и «В подражание Альбенису»), Симфоническая поэма, этюды, два квартета, Фортепианный квин­тет. Фольклорные истоки проявились и в бале­те«Конек-Горбунок», который привлек внима­ние яркостью и самобытностью. В 1955 г. Щед­рин поступил в аспирантуру в класс Шапори­на. Вершина его творчества этого времени — Первая симфония, отмеченная премией на кон­серваторском конкурсе.

Наиболее крупными фольклорными произ­ведениями этих лет стали опера «Не только лю­бовь» и концерт для оркестра «Озорные частуш­ки». Они как бы подводили итог первому деся­тилетию творчества композитора.

В «Озорных частушках» композитор исполь­зовал подлинные мелодии частушек, записанных в разных уголках России — на Урале, в Рязани, Пинеже, Сибири

Фольклорная линия в творчестве Щедрина продолжала развиваться и дальше, правда, он как бы расширил ее жанровый диапазон, ис­пользуя в «Поэтории», «Звонах» народные пес­ни разных жанров. Параллельно с этим разви­валась лирико-драматическая линия его твор­чества в театральных жанрах: балетах «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой». Эти балеты писались в расчете на исполнение глав­ных партий выдающейся балериной XX в. Май­ей Плисецкой, женой композитора. К этому же периоду относится опера на сюжет поэмы Гого­ля «Мертвые души».

Про­изведением неоклассической линии творчества композитора стал цикл «Прелюдии и фуги». Первая его тетрадь (диезные тональности) была написана в 1963 г., вторая (бемольные тональ­ности) — в 1970-м. Следует назвать также «По­лифоническую тетрадь», «Музыку для города Кетена» и «Музыкальное приношение».

В начале 90-х гг. Р. Щедрин совершил очень решительный поступок — вместе со своей суп­ругой Майей Плисецкой переехал в Германию, где композитору удалось укрепить свои профессиональные позиции, установить контакты с ведущими издательствами и запи­сывающими фирмами. Имя его было известно во всем музыкальном мире. Диапазон творчества композитора в 90-е и 2000-е гг. очень широк. В области теат­ральной музыки появилась опера «Лолита» по роману В. Набокова (1994 г.).

В сочинениях для оркестра в этот период проявляется тяготение к русской тематике и струнному составу. Это видно даже в названи­ях произведений: «Российские фотографии» и «Величание» для струнных, «Вологодские сви­рели» для гобоя, английского рожка, валторны и струнных. В 2000 году композитором была написана 3-я симфония —с подзаголовком «Лица русских сказок».

Как видим, творчество композитора очень разнообразно в жанровом отношении. В 1997 г. юбилею мастера был посвящен фе­стиваль «Музыка и время», ставший событием в отечественном музыкальном искусстве. В 2002 г. в связи с 70-летием Р. К. Щедрин был награжден орденом «За заслуги перед Отече­ством».

Занятие 1 4 четверть

Представители российского музыкального авангарда

Авангардизм — условное название различ­ных направлений XX в. Термин «авангардизм» проявился в 20-е гг. прошлого столетия и проч­но утвердился в искусствознании. Французское avant-gardeозначает передовой отряд. Авангар­дисты — действительно передовой отряд искус­ства. Новые выразительные средства стали у них основой для создания необычных по стилю и художественным приемам произведений. К му­зыкальному авангардизму относят обычно сле­дующие приемы композиторской техники.

Серийная музыка. Серия — последователь­ность 12 звуков хроматической гаммы, постро­енная по принципу абсолютного равноправия, самостоятельности каждого звука: нет звуков опорных или неопорных, то есть нет ладовых,внутритональных связей. Повторение уже ис­пользованного звука запрещается, пока не про­звучат остальные 11. Такой ряд звуков (италь­янскоеseria— ряд) может быть и неполным, то есть может включать не все 12 звуков. Тогда он носит название субсерия. Принципы организа­ции серии распространяются и на созвучия. Се­рия легла в основу некоторых видов современ­ной композиторской техники. Для каждого про­изведения избирается определенная серия, пу­тем многократного повторения которой оно и выстраивается.

Алеаторика — течение, возникшее в 50-е гг. XX в., основной установкой которого является принцип случайности в процессе творчества и исполнительства. Латинское слово aleaозначает игральная кость, случайность, отсюда и термин «алеаторика». Создаваемая композиция может строиться на основе числовых комбинаций или схем, по приемам какой-либо игры, например, шахмат, путем разбрызгивания чернил по нот­ной бумаге, в результате комбинирования чисел при бросании игральных костей. Такой же сво­бодный «метод» предлагается и исполнителю. Он может переставлять нотные листы, по-разному комбинировать отдельные фрагменты произве­дения, свободно импровизировать.

Соноризм, сонористика, сонорная техни­ка — это слово произошло от латинскогоsonorus— звучный, шумный. Так называют особый вид композиторской техники, исполь­зующий красочные звучания и практически отрицающий точные звуковые связи. К числу сонористических приемов принадлежат всевоз­можные музыкальные шумы, тембровые насло­ения, красочные созвучия. Они широко исполь­зуются в так называемой прикладной музыке, особенно кино и драматическом театре.

Пуантилизм — от французского pointiller— писать точками, point— точка. Особенность пу­антилизма в том, что музыкальная мысль изла­гается не в виде тем или мотивов, то есть мело­дий, а с помощью отрывистых, как бы изолиро­ванных звуков, окруженных паузами, а также коротких, из 2—3 звуков мотивов. Если для по­лифонии характерно сочетание нескольких мело­дических линий, для гомофонии — соединение мелодии с сопровождением, для пуантилизма — пестрая и красочная россыпь ярких точек.

Конкретная музыка — звуковые компози­ции, создаваемые записью на магнитофонную ленту различных шумов, главным образом ис­кусственных звучаний, а также их преобразо­ваний и смешений. Термин «конкретная музы­ка» был введен в 1948 г. французским инжене­ром-акустиком П. Шеффером. Конкретная му­зыка применяется чаще всего с прикладными, чисто иллюстративными целями (в театре или кино, например). В ней также отсутствует сис­тема высотной организации звуков.

Занятие 24 четверть

Эдисон Васильевич Денисов (1929- 1996)

Эдисон Денисов относится к художествен­ному поколению, вышедшему на сцену в нача­ле 60-х гг. Именно «шестидесятникам», как их называли, суждено было повернуть разви­тие русской музыки на новые пути. Звездой на этом пути была для них идея духовной свобо­ды. Надо сказать, что в условиях тоталитарного­(тоталитарный строй отличается полным господством госу­дарства над всеми сторонами жизни общества, уничтоже­нием демократических свобод и прав личности).

государства, железным занавесом отделен­ного от всего мира, после знаменитых партий­ных постановлений о музыке 40-х гг., когда в стране велась борьба с «формализмом» и «кос­мополитизмом», выражать эту идею вслух было невозможно. Одним из способов обретения этой духовной свободы ста­ло обращение к новейшим методам музыкаль­ной композиции. Так в начале 60-х гг. заро­дился русский авангард. Музыканты-новаторы тут же попадали под огонь критики, их произ­ведения запрещались к исполнению.

Вот в таких условиях формировалась твор­ческая личность Э. Денисова, который принад­лежал к числу лидеров российского музыкаль­ного авангарда.

Денисов родился 6 апреля 1929 г. в Томске. Его отец, радиофизик, тайком от жены назвал сво­его сына в честь выдающегося американского изобретателя Томаса Эдисона. Когда родители хотели отдать сына в музыкальную школу, маль­чик категорически отказался, сказав о музыке как о «девчоночьем занятии». Заниматься му­зыкой начал неожиданно для себя и родителей. В общежитии аспирантов Сибирского физико-технического института, где жила семья Дени­совых, он однажды услышал звуки мандолины. Это произвело на мальчика такое впечатление, что он стал брать у соседа уроки. Потом научил­ся играть на кларнете и гитаре. В шестнадцать лет он стал заниматься на курсах общего музы­кального образования. Но пока музыка была для него лишь любимым увлечением.

В 1946 г. Денисов поступил в Томский го­сударственный университет на физико-матема­тический факультет, а параллельно начал учить­ся на фортепианном отделении музыкального училища. Первые композиторские опыты му­зыканта — прелюдии, романсы, Классическая сюита в пяти частях и комическая сценка по Чехову «Неудача» — мини-опера с четырьмя персонажами.

Перед молодым человеком стояла сложная проблема — что выбрать, математику или му­зыку?Блестяще окончив университет, летом 1951 г. он был зачислен на композиторское от­деление Московской консерватории.

По совету Шостаковича, Денисов поступил в класс В. Г. Шебалина. В первые годы учебы его кумиром был Д. Шостакович. Они были хо­рошо знакомы, Денисов занимался математикой с сыном Дмитрия Дмитриевича, бывал у них на даче, советовался, показывал свои произведения.

Для формирования композиторского мыш­ления Денисова немалое значение имело универ­ситетское образование. Оно породило в компози­торе сочетание художника с аналитиком-ученым. Это сказалось на его произведениях той поры: Трио для скрипки, кларнета и фагота, Сонате для двух скрипок, вокальном цикле «Веселый час» на стихи русских поэтов XVIII в.

К выпускному экзамену он приготовил три произведения: оперу«Иван-солдат», Симфонию и вокальный цикл «Ноктюрны». На экзамене ему была поставлена высшая оценка. Денисов сразу же поступил в аспирантуру и был принят в члены Союза композиторов СССР. Рекомен­дацию в Союз ему дал Шостакович.

С самого начала 60-х гг. он заинтересовал­ся современными композиторскими приема­ми — додекафонией, серийной техникой. В этой манере был написан целый ряд инструменталь­ных произведений. Этапной для творчества ком­позитора стала кантата «Солнце инков» на сти­хи чилийской поэтессы Габриэлы Мистраль. Это сочинение принесло композитору международ­ную известность.

Следующим этапом в творчестве стали «Пла­чи» для сопрано, ударных и фортепиано на на­родные тексты — музыкальное воплощение на­родно-погребального обряда, отражающего всю глубину человеческой драмы. Побы­вав в годы учебы в фольклорных экспедициях, он на всю жизнь понял, что настоящая народ­ная песня или инструментальный наигрыш все­гда более живые, чем то, что печатается в сбор­никах с обработками фольклора. Поэтому он был категорически против любых обработок, считая их кощунством.

Композитор был первым, кто соединил, ка­залось бы, несопоставимые вещи — народный погребальный обряд и серийную технику. Так­же оригинально сопровождение — три группы ударных и фортепиано, которое рассматривает­ся также как ударный инструмент (он исполь­зует игру на струнах фортепиано и разные удар­ные эффекты).

60-е гг. — время поисков собственной ком­позиторской системы. Композитор эксперимен­тирует в сочетаниях тембров различных инст­рументов, почти каждое сочинение этого вре­мени — новый вариант инструментального ан­самбля. В них рождалась денисовская сонористика.

В начале 70-х гг. творчество Денисова вы­ходит на мировую арену. В произведениях этих лет воплотилась идея синтеза музыки и живописи. «Силуэты» для флейты, фортепиано и ударных,«Живопись» для симфонического оркестра, «Знаки на белом» для фортепиано, «Акварели» для 24 струнных и др.

Вершиной этого периода стал «Реквием» на текст поэмы Ф. Танцера, который стал вехой в творчестве компо­зитора 80—90-х гг. Теперь основу его составля­ла религиозно-духовная тематика. Среди сочи­нений этого времени «Рождественская звезда», «Kyrie»,«Свете тихий», «Три отрывка из Вет­хого Завета», «История жизни и смерти Госпо­да нашего Иисуса Христа».

Э. Денисов — очень плодотворный компо­зитор, обращавшийся к самым разным жанрам. Важное место в его творчестве заняли театраль­ные жанры. В 80-е гг. создал сразу три произведе­ния — оперы «Пена дней» и «Четыре девуш­ки», а также балет «Исповедь». В их основе — романтические лирические сюжеты. Эти про­изведения заняли свое место в истории разви­тия этих жанров в XX в.

Занятие 3 4 четверть

София Асгатовна Губайдулинарод. 1931

Творчество С. Губайдулиной настолько ин­дивидуально, что его трудно отнести к какому- то направлению современной музыки.Сущность искусства композитора точно выражена в ее убеждении: «Мне кажется, что музыка никуда не развивается, она про­сто звучит, как звучит Мир и Душа».

Стиль Губайдулиной отличается удивитель­ной цельностью и неповторимостью. Во многом это связано со своеобразием ее личности. Губайдулина родилась в октябре 1931 г. в Чистополе Татарской АССР. Музыкальное об­разование получила в Казани, где закончила консерваторию по классу фортепиано, факуль­тативно занимаясь композицией. В 1954 г. она переехала в Москву и закончила консерваторию по классу композиции Н. Пейко, а затем аспи­рантуру у В. Шебалина.

С самого начала она попала в число «небла­гонадежных» композиторов. Союз композито­ров наложил запрет на исполнение ее произве­дений. В результате музыка Губайдулиной, ши­роко известная на Западе, в России оставалась знакомой лишь узкому кругу музыкантов-про- фессионалов. Средства к существованию давало сочинение музыки к кинофильмам«Верти­каль», «Чучело», «Смерч», мультфильм «Ма­угли». Музыку к ним написала С. Губайдулина.

С 1985 г. началось мировое признание Гу­байдулиной. Ее музыка постепенно обходит весь мир. Ее произведения звучали в Австрии, Японии, США, Австралии, Канаде.

В России первый фестиваль музыки компо­зитора прошел в Свердловской филармонии в 1990 г. А спустя год ее юбилей широко отме­чался и на родине, и за рубежом.

С 1992 г. С. Губайдулина переселилась в Гер­манию, где проживает и сейчас.

Творчество Губайдулиной чрезвычайно раз­нообразно в жанровом отношении. Она одина­ково хорошо владеет жанрами вокальной, ин­струментальной, хоровой музыки. Список ее произведений достаточно велик. Наиболее из­вестны следующие произведения: 2 симфонии, увертюра «Триумф», «Поэма-сказка», многочис­ленные кантаты, оратории, среди которых вы­деляются «Ночь в Мемфисе», «Аллилуйя»,«По­священие Марине Цветаевой», концерты для разных инструментов, камерные сочинения, вокальные циклы, музыка для кино и др.

Композитор так сумела подобрать тексты, что тема личного чувства, неразрешимости любви и нелюбви, в ее кантате переросла в глубокое фи­лософское столкновение жизни и смерти. Ито­гом этого столкновения становится примирение человека с двойственностью его судьбы, раство­рение личных страданий в радости дня.

Это противопоставление личного и внеличного начал очень точно выражено в музыке, написанной в додекафонной технике, в сопо­ставлении меццо-сопрано и мужского хора, жи­вого певческого голоса и магнитофонной запи­си. «Ночь в Мемфисе» — одно из самых извес­тных и исполняемых произведений С. Губайду­линой.

Не менее известно еще одно вокально-симфоническое произведение С. Губайдулиной — «Час души» — музыка для большого симфони­ческого оркестра, солирующих ударных и мец- цо-сопрано на стихи Марины Цветаевой (1976). В этом сочинении композитор использует по­листилистику, что в целом не характерно для ее творчества. «Час души» посвящен одному из самых из­вестных в России музыкантов-ударников, ру­ководителю созданного им ансамбля ударных инструментов Марку Пекарскому. С ним свя­зывает С. Губайдулину долгая творческая друж­ба. Для него композитором написан целый ряд произведений. В их числе — «Музыка для кла­весина и ударных инструментов из коллекции Марка Пекарского» (1972). В этом произведе­нии Губайдулина соединила своеобразный ан­самбль — европейское чембало с восточными инструментами — китайские тарелки, чанг, помпейские тарелки. В основе «Музыки», на­писанной с большим мастерством, сонорика, музыка тембров. Пекарскому посвящена также «Юбиляция» для четырех ударников и большо­го числа ударных из коллекции музыканта (1979) и многие другие произведения.

Одно из оригинальных произведений С. Гу­байдулиной Симфония«Слышу... Умолкло...» для большого оркестра (1986) была посвящена дирижеру Геннадию Рождественскому. Мону­ментальная симфония (12 частей) далеко ухо­дит от традиций жанра. Идея ее заключена уже в самом названии, подтверждающем важность не только звучания, но и молчания, пауз. То, что симфония была посвящена дирижеру, при­вело к тому, что смысловым центром произве­дения стало уникальное соло дирижера при молчании всего оркестра.

Большое место в творчестве композитора занимает жанр инструментального концерта. Ею написаныКонцерт для фагота с оркестром (1975),Концерт для фортепиано и камерного оркестра«Introitus»,посвященный пианисту А. Бахчиеву (1978), Концерт для скрипки с оркес­тром «Offertorium»(«Жертвоприношение»), посвященный Гидону Кремеру (1982), Концерт для альта с оркестром (1996), написанный для великого альтиста нашего времени Юрия Башмета, и др.

Наш разговор о Софии Губайдулиной хочу закончить ее словами: «Я религиозный, право­славный человек и религию понимаю букваль­но как восстановление связи, восста­новлениеlegatoжизни. Жизнь разрывает чело­века на части. Он должен восстановить своюцелостность, это и есть религия. Помимо ду­ховного восстановления нет никакой более се­рьезной причины для сочинения музыки».

Занятие 4 4 четверть

Альфред Гарриевич Шнитке(1934—1998)

А. Шнитке — один из самых ярких пред­ставителей российского авангарда. Он проявил себя как философ и теоретик в музыке. Его твор­чество рождается из его философских размыш­лений. И в этом — он истинный сын XX в.

Его произведения воплотили дра­матические конфликты эпохи, звучат как за­хватывающие современные рассказы. В то же время в них звучат вечные темы человеческой жизни — добра и зла, жизни и смерти, Бога и дьявола, истины и веры.

А. Шнитке родился в ноябре 1934 г. в се­мье поволжских немцев в городе Энгельсе Са­ратовской области. С самого начала он избрал путь профессионального музыканта. В 1958 г. закончил Московскую консерваторию, а в 1961-м — аспирантуру по классу сочинения. Его педагогом был ученик Мясковского Е.К. Голу­бев.

Альфред Гарриевич занимал очень актив­ную позицию: писал статьи, выступал с докла­дами и сообщениями, участвовал в фестивалях, являлся членом правления Союза композито­ров СССР, членом Клуба кинематографистов. Постепенно имя Шнитке, вместе с именами Денисова и Губайдулиной, становится ведущим в наиболее авангардном направлении отечествен­ного музыкального искусства. В 1974 г. состоялся пер­вый авторский фестиваль музыки Шнитке, про­шедший с большим успехом. На этом фестива­ле было впервые исполнено одно из крупней­ших сочинений композитора — монументаль­ная, новаторская по замыслу и музыкальному языку Первая симфония. Это произведение под­водило итог всему, что было сделано до этого. В симфонии Шнитке хотел отре­шиться от сложившихся представлений об этом жанре. И как бы «завоевать» эту форму заново. Со­чиняя симфонию, работал над музыкой к фильму М. Рома «Мир сегодня»... Сам принцип построения фильма — это прин­цип коллажа, принцип захлестно наложенных документальных кадров. Композитор в этой симфонии очень тонко передал существующее в жизни смеше­ние высокого и низкого, прекрасного и страш­ного. Главным методом композиции этого про­изведения стала полистилистика (сочетание и взаимодействие разных исторических и индивидуальных стилей внутри одного произведения). Она надол­го станет художественным языком и основой драматургии многих сочинений Шнитке — сим­фоний, инструментальных концертов, Concertigrossi (в пер. с ит. — большой концерт. Так назы­вают виртуозное оркестровое произведение в форме старин­ной сюиты, в котором группа солирующих инструментов соревнуется» со всей массой оркестра).

По мнению композитора, полистилистика является убедительным средством для художественного выражения связи времен. Она дает возможность «оторваться» от времени, соеди­нить авангардный стиль с классическим, про­шлое и настоящее, жанры серьезной и легкой музыки. Его музыка соединяет, казалось бы, несоединимое.

В 1985 г. состояние здоровья композитора резко ухудшилось. Потребовалось длительное лечение. Вскоре вместе с семьей Шнитке пере­селился в Германию.В июне 1994 г. с двумя кровоизлияниями в мозг он был поме­щен в госпиталь. Последние годы жизни прошли в борьбе с болезнью. В Германии композитор при­нял католичество. Но после кончины, согласно своему завещанию, Шнитке был перевезен в Мос­кву и похоронен по православному обычаю.

В своем творчестве А. Шнитке обращался к самым разным жанрам, и в каждом из них ска­зал свое новое слово. В его наследии есть бале­ты («Лабиринты», «Пер-Гюнт»), оперы («Жизнь с идиотом», «Джезуальдо», «История доктора Иоганна Фауста»), которые ставятся на сценах музыкальных театров Европы. Им создано ог­ромное количество произведения для оркестра, в том числе 9 симфоний, концерты для различ­ных инструментов с оркестром,Concertogrosso,хоровые, вокальные и камерно-инструменталь­ные произведения. Он писал музыку к театраль­ным постановкам, 1978 г.«Ревизская сказка» Н. Гоголя, в 1981, 1988 гг. — «Вл. Высоцкий» — поэти­ческое представление, в 1993-м — «Живаго (док­тор)» Б. Пастернака.

Занятие 5, 6 и 7 4 четверть

Искусство джаза

Как разновидность музы­ки джаз является явлением уникальным. Его нельзя сравнить ни с одним классическим жан­ром. Ведьджаз всего за каких- нибудь сто лет проделал грандиозный путь. Он возник в замкнутой социальной среде, сначала был чисто бытовой, прикладной музыкой, а по­том двинулся семимильными шагами, каждое десятилетие рождая все новые и новые формы. Он преобразил музыкальный быт мира и стал интернациональным.

Сначала я хочу привести слова одного из гениальных джазовых музыкантов Луи Армст­ронга: «Если вы, слушая эту музыку, не при­топтываете ногой, вам никогда не понять, что такое джаз».

Джаз — род профессионального музыкаль­ного искусства, сложившегося на рубеже XIX и XX вв. в южных штатах США. Родиной джа­за считается Новый Орлеан. Он возник среди потомков чернокожих африканцев, когда-то насильно завезенных в Америку. Поначалу это была чисто африканская му­зыка. Но проходили десятилетия, и новые по­коления забывали мелодии далекой родины. Запоминалось то, что звучало вокруг — музы­ка белых. Чаще всего это были религиозные христианские гимны. Негры тоже стали их петь, но по-своему. Так возникли негритянские ду­ховные песни — спиричуэле(в переводе с анг­лийского — духовный) американских негров. Прошли годы, и появились другие песни не­гров — песни-жалобы, песни протеста. Их ста­ли называть блюзами. Если спиричуэле — это духовная, возвышенная сторона жизни афроамериканцев, то блюз выражает обычную их жизнь. Блюзы — сольные песни. В переводе с английского блюз — меланхолия, хандра, с аме­риканского — «быть печальным».

Еще одной формой «пра-джаза» стал рег­тайм, или стиль рег, что в дословном переводе означает «разорванное время», то есть синко­пированный ритм. Он представлял собой попыт­ку негритянских музыкантов использовать рит­мы африканской музыки при исполнении по­лек, кадрилей и других танцев. В конце концов регтайм стал самостоятельным, появился новый танец, основанный на регтайме, — кэйкуок (англ. — шествие на кухню) — популярный танец. Название его по одной из версий связано с танцами негров-рабов, исполнявшимися для увеселения хозяев. Шествие на кухню, вероятно, было наградой отличившимся танцорам.

Одна из особенностей регтайма — несовпа­дение ритма двух основных линий — ритми­ческой пульсации в левой руке и постоянных синкоп в Мелодии правой руки. Такое синкопи­рование порождало эффект «качания», который по-английски называется свинг.Получаетсякак бы баланс между двумя ритмическими плоскостями. Ниж­няя основана на четком маршевом движении. А верхняя состоит из коротких синкопирован­ных мотивов. Это создает ощущение большой внутренней энергии, «раскачивания» звуковой массы, расшатывания метрической основы. Ко­нечно, это было совершенно незнакомо европей­ской музыке. Хотя синкопы были давно извест­ны в европейской музыке, они никогда не сто­яли на первом месте.

Джаз стал сплавом элементов двух культур: в мелодии и гармонии чувствуется влияние «белой» культуры; слож­ная ритмика, неустойчивая высота звуков, гру­боватый «нечистый» тембр звучания — от аф­риканской музыки.

Одна из главных особенностей джазового искусства заключается в следующем. Музыка привезенных в Америку негров состояла из пяти тонов. Такой звукоряд называется пентатони­кой. Полутонов они не знали. Когда негры столкнулись с европейской музыкой, то очень своеобразно смогли приспо­собить свое пентатоническое мышление к на­шей тональной системе. Но две ступени состав­ляли проблему — третья и седьмая. Негры не знали, что с ними делать. Поэтому они пели и играли то малую терцию, то большую, то ма­лую, то большую септиму. А позже появилась и уменьшенная квинта — пониженная пятая ступень. Но ведь негры не знали полутонов, они понизили эти три ступени где-то на четверть тона. Поэтому блюзовая терция в джазе слы­шится одновременно и как ми-бекар, и как ми- бемоль. Именно эти диссонансы являются глав­ной особенностью джазового звучания. На кла­вишах пианино нет четвертитоновых интерва­лов, и пианисты берут одновременно обе эти ноты — и ми-бекар, и ми-бемоль. Тем самым они ищут ноту, которой нет совсем, но которая лежит между ними. А на духовом инструменте или голосом эту четверть тона вполне можно извлечь.

Блюз, спиричуэле и регтайм это еще не джаз, а только подступы к нему. Чтобы возник джаз, нужно было существование такого горо­да, как Новый Орлеан.

Новый Орлеан — город-легенда, город ле­генд. Одна из них — джаз. Орлеан был населен выходцами из Франции и Испании. Его назы­вали «Париж на Миссисипи» — город танцую­щий, поющий, веселящийся. Музыка белых и негров смешивалась в единое целое. Все это разнообра­зие варилось в одном котле. В результате полу­чилась новая музыка, получившая название джаза. Сначала этого определения не было. Ис­торики джаза полагают, что оно родилось из выражения «джезинг ит ап» — играть с вооду­шевлением, энергично.

Каждое новое поколение джазменов осваивало джаз благодаря записям. Новоорлеанский стиль лег в основу тради­ционного джаза. Одним из самых ярких его представителей является Луи Армстронг. Он первым сменил корнет на трубу и ошеломил своим владением этим инструментом всех му­зыкантов. Он был и замечательным певцом. Песня «Hello,Dolly»стала частью жизни не­скольких поколений людей. С Армстронга началась эра джа­зовых солистов-виртуозов. Его называли гени­ем.

В джазе музыку не исполняют, а творят. Музыканты джаза должны уметь импровизи­ровать или коллективно, или соло на фоне от­репетированного аккомпанемента. Со времени своего создания джаз успел прой­ти огромный путь. Он перестал быть искусст­вом негров: очень скоро в джаз пришли замеча­тельные белые музыканты. Сегодня всему миру известны имена Луи Армстронга, Дюка Эллин­гтона, Бенни Гудмена, Глена Миллера, певиц Эллы Фитцджералд, Бесси Смит. Особую стра­ницу в истории джаза занимает искусство рос­сийских музыкантов, среди которых надо на­звать Леонида Утесова, композитора Исаака Дунаевского, связавшего с джазом свою твор­ческую судьбу, Юрия Саульского, Константина Орбеляна, Георгия Гараняна, Игоря Бриля, Алексея Козлова, Игоря Бутмана и многих дру­гих.

Джазовая сюита Д. Эллингтона«Гарлем». Гарлем — это негритянский район Нью-Йорка, и автор в своей композиции показал атмосферу этого негритянского «гетто». Кстати, сюита была написана по заказу Симфонического оркестра радиокомпании Эн-Би-Си, которым руководил Артуро Тосканини. Сюита полна интересныхмоментов — эффекты граул у медных инстру­ментов, интересные темы у тромбона и бари­тон-саксофона, резкие перемены темпа. Изоб­ражение Гарлема начинается с того, что труба словно произносит «Гар-лем». Затем — воскрес­ная прогулка по Гарлему, где, как в калейдо­скопе, сменяются зарисовки.

Интересно послушать композицию Дейва Брубека «Сложный танец».Пьеса написана в размере на семь четвертных и является одной из первых попыток импровизи­ровать в ином размере, чем 4/4. Обычно на кон­цертах Брубек просит слушателей отхлопать этот ритм, и публика сразу же сбивается.

КомпозицияТелониуса Монка «Да, вам это не нужно». Монк любил вставлять в свои пьесы звуки, на полтона отлича­ющиеся от тех, которые сами напрашивались, и такая манера придавала особый колорит его ис­полнению. Это проявляется и в названной пьесе.

Занятие 8 и 94 четверть

ЗАКЛЮЧИТЕЛЬНЫЕ ЗАНЯТИЯ

Задание 1. Ответьте на вопросы.

Кто сочинил симфонии:

Какие композиторы принадлежат к перечислен­ным школам или творческим кружкам?

1.Венские классики;2.Шестерка;

3.Могучая кучка;4.Французские клавесинисты.

Каково национальное происхождение следующих танцев?

Лендлер;Полька;Павана;Экоссез;Менуэт;Вальс;Чардаш;Гопак;Камаринская; Лезгинка.

Кто здесь родился?

Желязова воля;Пезаро;Бонн;Эйзенах;Зальцбург;Воткинск;Сонцовка;Тихвин.

Вспомните, что означают эти термины?

1.Инвенция;6. Чакона;

2.Романс;7. Токката;

3.Партита;8. Кантата;

4.Сюита;9. Фуга;

5.Пассакалия;10. Канон.

Из каких опер эти герои и какие у них голоса?

1.Антонида;2.Фарлаф;3.Татьяна;4.Герман;5.Мизгирь;6.Розина;7.Руслан;8.Ленский;9.Лиза; 10.Лель.

Кто авторы этих произведений?

1.«Танец с саблями»;2.«Грезы любви»;3.«Турецкий марш»;

4.Марш из оперы «Любовь к трем апельсинам»;5.«Полет шмеля»;

6.«Революционный этюд»;7.«В пещере горного короля»;

8.«Осенняя песня»;9.«Три чуда»; 10. «Шехерезада».

Кто из русских композиторов использовал в своем творчестве следующие произведения Пушкина?

1.«Русалка»;6. «Каменный гость»;

2.«Руслан и Людмила»; 7. «Золотой петушок»;

3.«Пиковая дама»; 8. «Цыганы»;

4.«Борис Годунов»; 9. «Моцарт и Сальери»;

5.«Евгений Онегин»; 10. «Бахчисарайскийфонтан».

Расскажите, что вы знаете об этих формах?

1.Увертюра;6. Хор;

2.Ария;7. Лейтмотив;

3.Речитатив;8. Песня;

4.Ариозо;9. Ансамбль;

5.Ариетта;10. Антракт.

Задание 2. Решите кроссворды.

Кроссворд № 1

По горизонтали: 5. Последняя сцена балета, в ко­торой участвуют все исполнители. 6. Герой первой публично исполненной оперы. 7. Ансамбль из двух исполнителей. 8. Итальянский народный танец, ча­сто звучащий в классических балетах. 11. Один из авторов оперного или балетного спектакля. 13. Кол­лектив исполнителей, непременный участник му­зыкального спектакля. 14. Автор декораций и кос­тюмов. 16. Французский танец, который звучит в балете «Ромео и Джульетта». 17. Выходная ария героя. 18. Небольшая ария свободного строения.

По вертикали: 1. Балет С. Прокофьева. 2. После­словие в опере. 3. Вокальная мелодия, напоминаю­щая разговорную речь. 4. Музыкальная характери­стика оперного или балетного персонажа. 8. Ан­самбль из трех исполнителей. 9. Быстрый, вирту­озный классический танец. 10. Сюжет музыкаль­ного спектакля, написанный сценаристом, 12. Поль­ский танец, звучащий в опере «Иван Сусанин». 15. Выразительное движение в пантомиме.

Кроссворд 2По горизонтали:

2. Музыкальная ткань, которая со­ставлена из вырази­тельных средств му­зыки. 4. Высокий по звучанию деревян­ный духовой инстру­мент. 5. Равномер­ное чередование сильных и слабых долей. 6. Медный духовой инструмент с низким звучанием. 7. Старинный кла- вишно-духовой ин­струмент. 10. Медный духовой инструмент с очень низким звучанием. 11. Обозначение громкого зву­чания музыки. 12. Исполнение одним голосом или одним инструментом. 15. Дополнительный инстру­мент в симфоническом оркестре. 16. То же, что кан­тилена. 17. Ударный инструмент с определенной вы­сотой звучания. 18. Клавиатура для ног.

По вертикали: 1. Музыкальная мысль, выражен­ная одноголосно. 2. Низкий по звучанию деревян­ный духовой инструмент. 3. Окраска звука. 6. Мед­ный духовой инструмент, высокий по звучанию. 8. Деревянный духовой инструмент. 9. Струнный смычковый инструмент. 10. Скорость исполнения музыкального произведения. 13. Женский голос в составе хора. 14. Партия низких мужских голосов в хоре.

Задание 3.

Предложенные слова расположите в три столбика: в одном — только те, что относятся к опере, во втором — относящиеся только к балету, в третьем — те, что можно отнести и к опере, и к балету:

Интродукция Каватина Квартет Кордебалет Лейтмотив Либретто Монолог Оркестр

Задание4. Викторина.

В каждом вопросе из четырех фамилий компози­торов выберите нужную.

1. Назовите композитора эпохи барокко.

A)Вивальди; Б) Моцарт;

B)Бетховен; Г) Шуман.

2.Кто из перечисленных композиторов был абба­том?

A)Бах;Б) Гендель;

B)Вивальди;Г) Моцарт.

3.Назовите автора «Хорошо темперированного клавира», «Страстей по Матфею», «Инвенций».

A)Бах;Б) Бетховен;

B)Шопен; Г) Шуман.

4.Кто написал оперу «Фиделио»?

A)Гайдн; Б) Моцарт;

B)Бетховен; Г) Шопен.

5.Кто из композиторов написал оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта»?

A)Моцарт; Б) Бетховен;

B)Мендельсон; Г) Россини.

6.Кто из этих композиторов не является венским классиком?

A)Гайдн; Б) Шуман;

B)Моцарт; Г) Бетховен.

7.Кто является автором опер «Аида», «Травиа­та», «Риголетто»?

А) Моцарт; Б) Бетховен;

В) Россини; Г) Верди.

8.Кто написал 32 сонаты для фортепиано?

A)Бах;Б)Моцарт;

B)Бетховен;Г) Шопен.

9.Назовите автора «Симфонии с тремоло литавр», « Прощальной », « Детской ».

A)Гайдн; Б) Моцарт;

B)Шуман; Г) Шопен.

10.Кого называют «отцом симфонии и квартета»?

A)Моцарта;Б) Бетховена;

B)Гайдна; Г) Баха.

11.Кто из композиторов первым назвал свое сочи­нение симфонической поэмой?

A)Гуно;Б) Берлиоз;

B)Бетховен;Г) Лист.

12.Какая музыкальная форма основана на конф­ликте двух тем?

A)вариации; Б)рондо;

B)сонатная форма; Г) фуга.

13.Назовите автора симфонии, в финале которой использован хор:

A)Гайдн; Б) Моцарт;

B)Шуберт; Г) Бетховен.

14.Кто из этих композиторов писал только для фор­тепиано?

A)Гуно; Б) Шопен;

B)Малер; Г) Шуман.

15.Кто из этих композиторов написал музыку к драме Ибсена «Пер Гюнт»?

A)Шопен; Б) Берлиоз;

B)Григ; Г) Шуман.

16.Кто написал вокальные циклы «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь»?

A)Шуберт; Б) Шуман;

B)Мендельсон; Г) Бизе.

17.Назовите автора «Неоконченной симфонии»:

A)Бетховен; Б)Гайдн;

B)Шуберт; Г) Вагнер.

18.Кто написал фортепианный цикл «Карнавал»?

A)Шуберт; Б) Шуман;

B)Шопен; Г) Лист.

19.Кто написал больше ста симфоний?

A)Бетховен; Б) Моцарт;

B)Гайдн; Г) Шуберт.

20.Русский композитор-скрипач XVIII в.:

A)Алябьев; Б) Фомин;

B)Хандошкин; Г) Верстовский.

21.Кто является руководителем «Могучей кучки»?

A)Бородин;Б)Мусоргский;

B)Балакирев; Г)Чайковский.

22.Кто положил начало трем типам симфонизма в русской музыке — эпическому, лирико-драма­тическому и жанровому?

A)Глинка;Б)Чайковский;

B)Даргомыжский; Г) Мусоргский.

23.Кто был младшим современником Глинки?

А) Бортнянский;Б)Стравинский;

В) Рахманинов; Г) Даргомыжский.

24.Кого Мусоргский называл «великим учителем правды в музыке»?

A)Даргомыжского; Б) Глинки;

B)Римского-Корсакова; Г) Чайковского.

25.«Борис Годунов», «Хованщина» — оперы...

A)Римского-Корсакова; Б) Бородина;

B)Мусоргского; Г) Глинки.

26.«Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды», — сказал...

A)Бородин; Б) Глинка;

B)Даргомыжский; Г) Мусоргский.

27.Какая из этих опер написана на сюжет Пушки­на?

A)«Борис Годунов»; Б) «Снегурочка»;

B)«Князь Игорь»; Г) «Иоланта».

28.Кто написал оперы «Алеко», «Скупой рыцарь», «Франческа да Римини»?

A)Рахманинов;Б)Римский-Корсаков;

B)Чайковский; Г)Скрябин.

29.Симфоническую сюиту «Шехеразада» напи­сал...

A)Глинка;Б) Даргомыжский;

B)Бородин;Г) Римский-Корсаков.

30.«Камаринскую», «Вальс-фантазию», «Ночь в Мадриде», «Арагонскую хоту» написал...

A)Мусоргский; Б) Бородин;

B)Глинка;Г)Римский-Корсаков.

31.«Венецианская ночь», «Я помню чудное мгно­венье», «Жаворонок» — романсы...

A)Чайковского;Б) Даргомыжского;

B)Глинки; Г) Бородина.

32.К какому жанру принадлежат «Петрушка», «Жар-птица», «Весна священная»?

A)фортепианных пьес; Б) симфонии;

B)балета; Г) сонаты.

33.Кто из этих композиторов был одновременно дирижером, концертирующим пианистом?

A)Глинка;Б)Чайковский;

B)Кюи;Г) Рахманинов.

34.Кто автор следующих сочинений: «Конек-Гор­бунок», «Кармен-сюита», «Чайка», «Анна Ка­ренина», «Дама с собачкой»?

A)Хачатурян; Б) Щедрин;

B)Свиридов;Г) Стравинский.

35.На сюжеты какого писателя написаны оперы «Майская ночь», «Ночь перед Рождеством», «Кузнец Вакула», «Нос», «Мертвые дущи», «Шинель», «Коляска»?

A)Пушкина; Б) Лермонтова;

B)Толстого; Г) Гоголя.

36.Кто написал следующие произведения: «Иг­рок», «Любовь к трем апельсинам», «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Война и мир»?

A)Шостакович; Б) Щедрин;

B)Прокофьев; Г) Хачатурян.

37.Кто автор балетов «Счастье», «Гаянэ», «Спар­так»?

A)Хачатурян; Б) Свиридов;

B)Шостакович; Г) Прокофьев.

38.Кто создал музыку к кинофильмам «Иван Гроз­ный» и «Александр Невский»?

A)Шостакович;Б) Прокофьев;

B)Свиридов;Г) Щедрин.

39.Назовите автора «Патетической оратории», «Поэмы памяти Сергея Есенина», «Курских песен ».

A)Прокофьев;Б) Шостакович;

B)Свиридов;Г) Щедрин.

40.Кто является автором симфонической сказки «Петя и волк»?

A)Прокофьев;Б) Шостакович;

B)Свиридов;Г) Щедрин.

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/631629-muzykalnaja-literatura-4-god-obuchenija