Камерное вокальное творчество на примере романсов М. И Глинки в классе аккомпанемента

Камерное вокальное творчество на примере романсов М.И.Глинки в классе аккомпанемента.

Дудник Лариса Алексеевна

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования
Детская школа искусств имени М.А.Балакирева

На мой взгляд, проблема интеграции, выходящая сейчас на 1-й план в области науки, производства, экономики, информации, давно и успешно решена в области музыкального искусства. Мы говорим об особой сфере человеческой культуры – сочетании музыки и поэтического слова.

Наиболее ярко это отразилось в камерном вокальном творчестве. Как часто поэтические произведения мы характеризуем такими выражениями, как: «мелодичность стиха», «музыка стиха», «гармония стиха». Нередко в стихах уже заложен темп, динамика, мажор или минор. Искусствовед И. Лаврентьева отмечает: «превращая стихотворение в музыкальную речь, композитор определенным образом интонирует его, учитывая и темп его «произнесения», и смысловые акценты, и цезуры, и общую метрическую схему стиха и особенно ее внутреннее ритмическое наполнение». Существует много примеров, когда музыка помогает не только раскрыть замысел автора, но и выявить подтекст, второй план произведения. Естественно, что композиторы обращались к творчеству близких им по духу поэтов. Вот что об этом писал Свиридов: «Музыку я сочиняю «из глубины души», и содержание избираемых мною текстов должно соответствовать моим чувствам. Смысл текста должен совпадать с тем, что я стремлюсь высказать как композитор».

Итак, романс по самой своей природе связан с поэзией. Известно такое выражение: «В романсе сливаются музыка поэзии и поэзия музыки». В XIX веке жанр русского романса развивался параллельно с поэтическими направлениями. Можно даже сказать, что в нем отражена вся история русской поэзии. Русские композиторы использовали стихи многих прекрасных поэтов: Баратынского, Некрасова, Лермонтова, Пушкина, Бальмонта, Фета и др.

Именно благодаря урокам аккомпанемента дети учатся по-новому понимать и воспринимать музыку, расширяют музыкальный кругозор, кто-то начинает любить поэзию или открывает для себя творчество какого-либо поэта. В класс аккомпанемента приходят ученики, достаточно (в той или иной степени) владеющие инструментом, умеющие передать образ, содержание музыки. И с одной стороны, наличие поэтического текста помогает им более конкретно, ярко, достоверно раскрыть замысел композитора. А с другой стороны это даже усложняет задачу, потому что требует особой убедительности и понимания образа, а также методов воплощения и поэтом и композитором. Надо подробно изучить вокальную партию, ведь именно в ней определен общий план исполнения. Необходимо научить определять характер мелодии, фразировку, кульминационные моменты, цезуры.

Очень многие учащиеся вспоминают, что нужно обязательно «дышать» во время исполнения. Благодаря работе с вокалистами этот процесс происходит гораздо быстрее, да и текст сам подсказывает, где брать дыхание. Традиционно начиная с романсов Алябьева, Варламова, Гурилева, где используется в основном аккомпанемент гитарного типа, мы приучаем учащихся к ведущей роли мелодии и соответственно поэтического текста. Пусть ученик старается помочь вокалисту донести слово до слушателя и осознает важнейшее значение аккомпанемента. Ведь потом, переходя к более сложным романсам Глинки, Даргомыжского, аккомпанемент становится не просто фоном для мелодии, а почти равномерной партией. И здесь важно стать полноправным партнером певца, коллегой-ансамблистом.

Глинку по праву называют Пушкиным в музыке. Он новатор и классик русского романса, достиг полной гармонии музыки и поэтического текста. В искусстве Глинка ставил на 1-е место содержание, основную идею, форма служит воплощению художественного содержания. Глинка прекрасно владел всеми ресурсами и средствами музыкальной выразительности. И каждому учащемуся, приступающему к изучению произведений Глинки, предстоит овладеть ими.

Одна из самых сложных задач – достигнуть в исполнении простоты и естественности. Глинка сам ценил правдивость и простоту, когда звуки точно выражают и чувства и замысел композитора. Надо бояться неоправданных эффектов. Хочется отметить, что и Глинка избегает в своих произведениях излишней вокализации, украшений, так называемой «итальянщины». В распевных местах смысловая линия не обрывается, он использует этот прием лишь для подчеркивания эмоционально-смысловой выразительности. Ведь известно, что Глинка проявлял усиленное внимание к тексту, в его творчестве слово и музыка имеют тесную связь (кстати, Глинка отказался от издания своих романсов во французском переводе, потому что его не удовлетворяли переводы стихов, терялось интонационное богатство музыки). Именно по этой причине следует избегать монотонности в аккомпанементе, даже если он однороден по фактуре, каждый раз варьировать интонацию в зависимости от смысла слов, реагировать на мельчайшие оттенки настроения в вокальной партии. Пристальное внимание необходимо уделять динамическим, метрическим и другим нюансам, указанным композитором в тексте. Они должны быть выполнены с абсолютной точностью. Важно приучить ученика всё это видеть, осознавать и эмоционально выразить в аккомпанементе.

Ещё один важный момент – умение правильно сыграть вступление и заключение (которое часто бывает так называемым проигрышем к следующему куплету). Вступление должно быть сыграно так, чтобы певцу было удобно начать свою партию. Надо точно всё выразить по темпу, штрихам, по плотности звучания. Важно научиться как бы предслышать романс, войти в образ и вдохновить исполнителя. Пожалуй, именно в творчестве Глинки начинает развиваться типичная особенность русского пианизма – «вокализация рояля». Умение приблизить звучание инструмента к звучанию человеческого голоса – одна из важнейших задач в работе над произведениями Глинки (и не только).

Литература:

1. Милич Б. Воспитание ученика – пианиста, М: Знание 2002г.

2. Розанов А. С., Глинка М. И.. М: Музыка, 1983г.

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/232799-kamernoe-vokalnoe-tvorchestvo-na-primere-roma