Статья: «Домашнее музицирование»

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

ШОВГЕНОВСКАЯ ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ

Статья: "Домашнее музицирование!"

Подготовила:

Дзыбова Саида Руслановна,

преподаватель по классу фортепиано

а. Хакуринохабль

2022 г.

Домашнее музицирование. Семейное музицирование. Часто ли произносит эти слова современный человек? Применимы ли эти понятия к нашей перегруженной, автоматизированной жизни? Порой кажется, что досуг семьи – это коллективный просмотр телевизионных программ. В лучшем случае – совместный поход в кино, театр, на концерт. Само по себе это неплохо и даже необходимо. Но ничего не может заменить единственную настоящую роскошь – роскошь человеческого общения.

Традиция семейного музицирования существовала с давних времен. Иоганн Себастьян Бах писал для своих многочисленных детей небольшие музыкальные произведения, которые они потом исполняли в семейном кругу. А для своей жены Анны Магдалены он написал известный сборник пьес, по которым она, певица, училась играть на фортепиано. Кто знает, может быть эти домашние музыкальные вечера создали благоприятную атмосферу для развития таланта четырех сыновей Баха, ставших известными композиторами. Домашние концерты, спектакли, семейные ансамбли были традицией еще совсем недавнего прошлого. Обучение музыке считалось неотъемлемой частью общего образования. Ребенок обязательно учился играть на каком-либо музыкальном инструменте или петь. Домашние концерты устраивались во всех образованных семьях. Музыка создавала атмосферу дома, делала гармоничнее отношения в семье. Собравшись вместе дети и родители разучивали любимые произведения. Раньше и дома строились так, что в доме, в гостиной была небольшая сцена для домашнего театра. Быт русской интеллигенции невозможно представить без семейного музицирования. Да и в народной среде веселые посиделки, игры, песни были обычной формой досуга. Все народные песни рождались в свободном музицировании. Музыка всегда была самым демократичным средством общения. Она роднила людей. К сожалению, в наши дни эта традиция оказалась незаслуженно забытой. Все больше и больше мы видим, как музыку «потребляют». А ведь можно и воспроизводить. Как прекрасен может быть вечер, когда дочь играет на фортепиано, отец – на гитаре, а мама поет. И это не идиллическая картина. В нашей школе становятся доброй традицией концерты семейных ансамблей, когда на сцене вместе выступают люди, связанные кровными узами. Это могут быть братья и сестры, родители и дети. Хочется верить, что наши ребята сумеют и у своих детей воспитать хороший музыкальный вкус. Быть может, развитие навыков музицирования положит конец спорам о музыке «легкой» и «серьезной», о музыке «молодежной» и музыке для тех, кому за тридцать. Музыкально грамотный, приобщенный к музыкальной культуре ребенок сам поймет всю абсурдность подобных разговоров.

Музицирование – всегда радость свободного общения с музыкой. Умения, музыкальные навыки ребенок приносит в семью, где могут разделить и поддержать его начинания. Радость совместного музицирования приносит тепло в семью, делает ее более дружной, духовно единой. А роль музыкальной школы, ее умение воспитать не только музыканта, а в первую очередь – духовно богатого человека, становится очевидной.

Популярная классическая музыка или, говоря современным языком, классическая «попса»… Даже из беглого и случайного перечисления сочинений, которые можно было бы отнести к этой области музыки, нетрудно сделать вывод о прямо – таки необъятных ее размерах. Романс Шостаковича из кинофильма «Овод» и Полонез Огинского, вальсы, польки и галопы семейства Штраусов и Аве Мария Шуберта, Рондо а ля турка Моцарта и Танец с саблями Хачатуряна… Список можно продолжать до бесконечности – в него попадут пьесы самых разнообразных эпох и стилей.

Феномен этот появился впервые в эпоху романтизма. Ведь даже во времена Бетховена не было особой разницы между языком опер и симфоний, с одной стороны, и песен и танцев- с другой. Композиторы работали и в «высоких» и в «низких» жанрах, но при этом пользовались одной и той же лексикой. В первой трети 19 века ситуация стала постепенно меняться. Сформировалась целая область музыкального искусства, заметно «отстававшая» от творческих достижений Шумана, Шопена, Листа, а в дальнейшем – Чайковского, Брамса, Вагнера. Ее характерной чертой была облегченность – формы, языка, мысли, чувства. Однако непосредственность и искренность эту облегченность искупали. Получили широкое распространение такие жанры, как оперетта, куплеты, «жестокий» романс, новые танцы – вальс, галоп, кадриль, канкан. Приобрели огромную популярность композиторы, специализирующиеся в основном в области развлекательной музыки, - достаточно вспомнить имена Иоганна Штрауса и Жака Оффенбаха. Одновременно возникло и другое , не менее интересное направление, которое было названо «салонная» музыка. Предназначена она была, как правило, для исполнения в небольших залах, в домашних гостиных – как правило музицирующими любителями. Композиторы – авторы этого рода музыки – ныне забыты, но в свое время европейская слава Герца, Калькбреннера, Тальберга, Лайбаха была не меньшей, чем Мендельсона или Шумана.

Но и множество самых различных произведений, написанных в разное время и разными композиторами, становятся классической «попсой» вне зависимости от воли их создателя. И происходит это двояким способом. Во-первых, музыка, созданная в свое время для каких-нибудь прикладных целей, попадает в концертный зал, где исполняется вместе с серьезными произведениями, хотя бы на «бис». Естественно, «отблеск» серьезности падает и на эти «легкожанровые» пьесы. Во-вторых, не предназначенные для прикладного исполнения композиции нередко становятся «фоном»- в программах передач, в выступлениях фигуристов, материалом для эстрадных обработок и т. д. Тут неизбежно происходит их определенная художественная девальвация – и не слышно особой разницы между Полонезом Огинского и «популярным» фрагментом из Первого концерта Чайковского.

ДЖАЗ

Джаз всегда оставался музыкой, окутанной тайной. Думаю, что это связано с общим мнением о джазе как музыкантов, так и любителей: «… в основе этой музыки лежит нечто такое, что можно почувствовать, но нельзя объяснить». Джаз – это вид полуимпровизационного музыкального искусства, явившегося результатом трехсотлетнего синтеза на американской земле элементов западноафриканской и европейской культур. В основу джаза взяты европейская гармония, западноафриканский ритм и евроафриканская мелодика. Джаз многолик. Обаяние джаза, его ценности непереходящи, не связаны с приливами и отливами популярности этой музыки. Характерным элементом исполнительской техники джаза является свинг, в переводе с английского – качание, балансирование. Для джазовой музыки характерен синкопированный ритм (перенос акцента с сильной доли на слабую). Смещение акцентов с 1-ой и 3-ей доли такта на 2-ю и 4-ю носит название офф-бит – не в долю. Большое влиянте на формирование и развитие джаза оказали work songs – трудовые песни, которые исполнялись африканскими рабами во время работы. Исполнялись они либо сольно, либо коллективно, в вопросо-ответной форме ( перекличке). В дальнейшем пение стало материалом для блюзовой лирики. Блюз первоначально как проявление афроамериканского фольклора, в процессе развития приобрел относительно устойчивую музыкальную форму, оказавшую решающее влияние как на джаз, так и на современные вокальные течения. Наиболее типичная форма блюза – 12-ти тактовый период. Темп – произвольный, размер- 4/4. В то же время зародилась и другая форма «пра-джаза» - рэгтайм (рваное время). Тематический материал рэгтаймов основан на маршах и европейских танцевальных мелодиях: вальсе, кадрили, польке. Техника рэгтайма основывается на стаккатных звучаниях, аккордовых «кляксах», на жестких ритмических акцентах, а так же изобилует разнообразными полифоническими элементами.

Основа джаза – импровизация. Джаз, записанный нотами, весьма отдаленно передаст содержание этой музыки и почти ничего не скажет о ее характере. Джаз «разговорил» инструменты, обнажил их душу. Только с развитием джаза стало понятно, какими огромными возможностями, какими выразительными средствами обладают труба,кларнет, тромбон,контрабас, барабан, саксофон, который, нарфду с фортепиано, стал основным солирующим инструментом, выразителем музыкальных идей. Кстати, об идеях. В джазе музыку не исполняют, а творят. Нет композиторов, пишущих для джаза, как это происходит на эстраде или в музыке академических форм. В каждом имеющем собственное лицо ансамбле есть руководитель, которому принадлежит авторство большинства композиций и аранжировок. До джаза мир знал выдающихся скрипачей и пианистов. Джаз сделал мировыми знаменитостями саксофонистов( Коулмен Хокинс, Лестер Янг, Чарли Паркер, Пол Десмонд), трубачей( Луи Армстронг, Диззи Гиллеспи, Майкл Дэвис). Фортепиано, другой «гранд», сохранило свою престижную роль. Но в джазе пианист не только и не сколько виртуоз, сколько мыслитель. Джелли Ролл Мортон, Фэтс Уоллер, Арт Тейтум, Телониус Монк, Кит Джаррет, Чик Кориа – все они внесли свою лепту в развитие джазового фортепиано. Поэтом фортепиано был Дюк Эллингтон, умевший передать тончайшие нюансы настроения. Его соло – законченные миниатюры, напоминающие пьесы Шопена, Скрябина.

История джаза романтична и поучительна. С появлением джаза связано возникновение такого понятия как массовая культура. В то же время многие из великих музыкантов джаза предпочитают тернистую дорогу творческого поиска коммерческому успеху и артистическим лаврам. Джаз был подвержен влиянию моды, но сейчас, в начале 21 века, ни один из стилей, некогда волновавших публику, - традиционный джаз, диксиленд, свинг, бибоп – нельзя считать устаревшим, эту музыку играют, записывают, слушают.

Джаз – ощущение жизни, дающее каждому возможность преобразовать свои мысли в звуки благодаря импровизационной природе этого удивительного явления.

МУЗЫКА ЗВУЧИТ С ЭКРАНА

Редко можно найти такой фильм, где отсутствовала бы музыка. В хорошем фильме движущееся изображение и музыка составляют единое целое. Музыкальное оформление смыкается с главной мыслью фильма, делая ее более эмоционально взволнованной, проникающей в сердце. Музыка в кино может просто проиллюстрировать зрительный ряд, а может вступить с ним в более сложные связи. И мы должны вступить в диалог с ее экранным решением. Ведь любой экранный показ музыки – это всегда ее художественное, образное решение, интерпретация. Музыка из кино и мультфильмов – это всего лишь часть того многообразного и бесконечного мира, имя которому – МУЗЫКА. И об этом всегда нужно помнить.

Использование музыки в кино удивительно многообразно. Музыка играет в картине самые разнообразные роли – служи музыкальной характеристикой героев, создает атмосферу действия, показывает авторское отношение к событиям и действующим лицам, передает национальный колорит… И многое, многое другое…

Композиторов, писавших музыку к кинофильмам, очень много. Вспомним хотя бы Исаака Дунаевского. Киноэкран принес ему истинно всенародное призвание. Творческое содружество с кинорежиссером Г. Александровым и поэтом В. Лебедевым – Кумачом помогло создать композитору свои шедевры киномузыки. Стоит назвать «Цирк», «Волга-Волга», «Веселые ребята», «Весна», «Светлый путь», «Кубанские казаки», «Дети капитана Гранта»… Все это Дунаевский.

Стоит назвать так же таких композиторов как Д. Шостакович( фильмы «Встречный», «Трилогия о Максиме», «Овод», «Гамлет», «Король Лир» и др.), С. Прокофьев ( фильмы «Александр Невский», «Иван Грозный» и др.), А. Петров ( фильмы «Путь к причалу», «Берегись автомобиля», «Зигзаг удачи», «Старики-разбойники», «Служебный роман», «Петербургские тайны» и др.)… Композиторов привлекают те фильмы, в которых режиссер ставит перед ним интересную и сложную задачу. «Музыка в фильме должна играть значительную драматургическую роль» - говорит А. Петров.

Музыка – великая сила в кино! Она помогает зрителям заметить то, что без нее иы бы не увидели. Она, как вспышка при фотосъемке, освещает внутренний мир людей, действующих на экране. Все незримое становится зримым.

ФОРТЕПИАННЫЙ АНСАМБЛЬ

Жанр фортепианного дуэта имеет многолетнюю историю. Одно время на концертной эстраде существовало два вида фортепианного дуэта – на одном и двух роялях. В наше время второй вид вытеснил первый: мы редко встречаем на эстраде пианистов, играющих на одном рояле в четыре руки. Этот вид исполнения практикуется в сфере домашненго музицирования.

Фортепианный дуэт получил свое распространение не случайно. Богатейшие возможности фортепиано еще больше расширяются.

Репертуар фортепианных ансамблей можно подразделить на специально созданные оригинальные сочинения и переложения, ставящие своей целью популяризацию симфонической музыки. Превосходные сочинения для фортепиано в четыре руки написали Моцарт, Шуман, Равель, Рахманинов, Бах, Григ…

Участие в школьном ансамбле играет огромную роль в развитии учащихся. Приучать к ансамблевой игре маленького пианиста необходимо с самых первых уроков. Играя маленькие пьески под аккомпанемент педагога, ученик невольно вслушивается в гармоническую ткань, у него развивается гармонический слух, повышается интерес к занятиям – ведь на первых порах он лишен возможности исполнения пьес с сопровождением. Как раз здесь больше возможности добиться у ученика более полного, сочного звука. Постоянная игра в ансамбле способствует развитию устойчивости ритма и темпа.

Ансамблевая игра требует определенных навыков, ведь ансамблем можно сыграть любое произведение.

К первым шагам в овладении «ансамблевой техникой» можно отнести следующие разделы начального обучения:

1. Особенности посадки и педализации при четырехручном исполнении на одном инструменте

2. Способы достижения синхронности при взятии и снятии звука

3. Равновесие звучания в удвоениях и аккордах, разделенных между партнерами

4. Согласование приемов звукоизвлечения

5. Передача голоса от партнера к партнеру

6. Соразмерность в сочетании нескольких голосов, исполняемых разными партиями

7. Соблюдение общности ритмического пульса.

При четырехручной игре на одном рояле отличие от сольного исполнения начинается с посадки, т.к. каждый имеет в своем распоряжении только половину клавиатуры. Партнеры должны поделить клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу.

Кто должен педализировать? Педализирует исполнитель партии sekondo, т. к. партия ( бас, гармония) – фундамент мелодии и исполнитель этой второй партии должен внимательно слушать своего товарища и учитывать его исполнительские интересы. Умение слушать не только то, что сам играет, а одновременно и то, что играет партнер т.е. общее звучание обеих партий есть основа совместного исполнительства.

Сольное исполнительство приучает к «слушанию» себя, а игра в ансамбле- не к раздвоению ( я и он), а к слушанию общего звучания. Очень полезно ученику, исполняющему вторую партию, не играть, а только педализировать исполняющему первую партию. При этом обнаруживается насколько это непривычно и требует особого внимания и навыка. Затем поменять учеников местами.

Так же нужно уметь переворачивать страницы и выдерживать длинные паузы. Учащиеся должны установить, кому удобнее перевернуть страницу в зависимости от занятости рук или определить, какой пропуск в нотном тексте будет наименьшей потерей.

Важным моментом в ансамблевой игре являются длинные паузы в одной партии. Самый эффектный способ преодолеть ненужное напряжение и боязнь пропустить момент вступления – проиграть звучащую у партнера музыку.

Начать вместе играть – казалось бы самая простая вещь. Однако умение синхронно взять два звука требуют большой тренировки и взаимопонимания. Существующая чаще всего манера давать затакт неверна. Когда руки видны – легким движением кисти, кивком головы. Полезно посоветовать вместе взять дыхание. Кроме того, у партнеров должно быть единое ощущение темпа ( просчитать пустой такт). Важно также и синхронное окончание ( снятие звука). «Лохматые» аккорды, загрязняющие паузы, производят неприятное впечатление. С первых тактов исполнения в ансамбле ученики договариваются о приеме извлечения звука, к общей цели они должны идти общим путем. Они должны уметь передавать друг другу пассажи, мелодию и т.д., подхватывать незаконченную фразу и передавать ее партнеру, не разрывая. Динамический диапазон в ансамбле должен быть шире, т. к. двум пианистам можно полнее использовать клавиатуру. Заранее должен быть оговорен и темп. Общее понимание темпа – одно из первых условий ансамбля. Партнеры должны чувствовать темп, еще не начав играть. Музыка начинается уже в ауфтакте и даже в короткие мгновенья ему предшествующие.

Причиной «аварии» при выступлении могут быть также ритмические недочеты. В ансамбле ритм должен быть коллективным – это важнейшая задача ансамблевой игры.

Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорению. Обычно это бывает при нарастании звучания.

Работу над фортепианным ансамблем следует начинать с первого года обучения. Вот несколько вариантов работы:

1. Сыграть выученную пьесу или этюд вдвоем – ученик правой, педагог – левой и наоборот, обязательно добиваясь художественного исполнения.

2. Во время работы над пьесой вариационной формы – играть или петь тему под исполнение вариаций учеником, добиваясь полноценного ансамбля.

Игра в ансамбле развивает у ребенка творческое желание музицировать и подбирать, развивает гармонический слух и полифоническое мышление, расширяет кругозор, развивает чувство ритма и темпа. Когда ученик впервые получит удовольствие от совместно выполненной художественной работы, почувствует радость общего порыва, объединенных усилий, взаимной поддержки – можно считать, что занятия дали принципиально важный результат. И пусть исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать ни педагога, ни ученика. Все еще можно выправить дальнейшей работой. Здесь ценно другое – преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, маленький музыкант почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/519075-statja-domashnee-muzicirovanie