Антология детской фортепианной музыки

Антология детской фортепианной музыки

Автор-составитель:

Казанская Наталья Николаевна

преподаватель теоретических дисциплин ДМШ № 12 им. П.И. Чайковского

высшая квалификационная категория

Нижний Новгород 2023

Настоящее пособие разработано для занятий по предмету «Антология детской фортепианной литературы». Данная дисциплина тесно связанна с учебными предметами «Слушание музыки», «Музыкальная литература» и «Специальность и чтение с листа» и входит в ДМШ № 12 имени «П.И.Чайковского» города Нижнего Новгорода в вариативную часть предметной области «Теория и история музыки».

Содержание учебного предмета «Антология фортепианной музыки для детей» обеспечивает художественно-эстетическое и нравственное воспитание личности учащегося, гармоничное развитие музыкальных и интеллектуальных способностей детей.

Уроки « Антологии» способствуют формированию и расширению у учащихся кругозора в сфере музыкального искусства, воспитывают музыкальный вкус, пробуждают любовь к музыке. Обращение к знакомым ученикам темам, связанным с содержанием музыкальных произведений, выразительными средствами музыки, основными музыкальными жанрами, позволяет ввести новые важные понятия, которые успешно осваиваются при возвращении к ним на новом материале.

Благодаря полученным теоретическим знаниям и слуховым навыкам учащиеся овладевают знаниями основных направлений и стилей в музыкальном искусстве, навыками осознанного восприятия элементов музыкального языка и музыкальной речи, умением анализировать незнакомое произведение, что позволяет использовать полученные знания в их учебной исполнительской деятельности .

Целью предмета «Антология фортепианной музыки для детей» - развитие музыкально-творческих способностей учащегося на основе формирования комплекса знаний, умений и навыков, позволяющих самостоятельно воспринимать, осваивать и оценивать различные произведения отечественных и зарубежных композиторов, профессионально относиться к работе со своим репертуаром.

Задачи предмета:

• формирование у учащихся интереса и любви к классической музыке и музыкальной культуре в целом;

• расширение представлений учащихся о фортепианном репертуаре на примерах произведений зарубежных и русских композиторов;

• развитие и совершенствование навыков слушания музыки и эмоциональной отзывчивости на музыку;

• формирование у учащихся навыков работы с учебником и нотным материалом, овладение ими навыками восприятия элементов музыкального языка, а также представления о простейшем анализе произведений;

• умение использовать полученные теоретические знания при исполнении музыкальных произведений на фортепиано.

• воспитание музыкального восприятия музыкальных произведений различных стилей и жанров, созданных в разные исторические периоды и в разных странах.

• формирование у наиболее одаренных выпускников осознанной мотивации к продолжению профессионального обучения.

Данный сборник существенно облегчает поиск информации биографического и аналитического свойства и сведений по истории создания детских альбомов и сюит любимых композиторов, создававших в разное время лучшие образцы детской музыки различных жанров. Кроме самих уроков «Антологии», пособие может быть использовано в качестве источника дополнительного материала преподавателями теоретических дисциплин при подготовке к урокам по «Слушанию музыки», «Музыкальной литературе» и преподавателями специального фортепиано и фортепианного ансамбля.

Пособие по предмету «Антология детской фортепианной литературы» состоит из двух крупных разделов биографическо-аналитического характера:

1. Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве зарубежных композиторов.

Раздел начинается вступительной обзорной статьей, включающей в себя общие сведения о зарубежных композиторах XVIII – XX века - авторах оркестровой, камерно-вокальной, балетной, фортепианной (в том числе в жанре фортепианного ансамбля) музыки для детей: И.С.Бахе, Р.Шумане, Ж.Бизе, К.Дебюсси, В. Гиллоке, а также истории о создании детских сборников этих композиторов («Нотная тетрадь А.М.Бах», «Альбом для юношества», «Детские игры», «Детский уголок», «Детский альбом» Рассказы дополнены кратким анализом отдельных пьес из этих сборников.

2. Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве русских композиторов.

Раздел начинается вступительной обзорной статьей, включающей в себя общие сведения об отечественных композиторах, создавших лучшие образцы балетной, оперной, камерно-вокальной, оркестровой, фортепианной музыки: П.И.Чайковском, А. К. Лядове, М.П.Мусоргском и некоторых других.

Основная часть данного раздела содержит биографические рассказы о композиторах, авторах отечественных фортепианных сборников детских пьес: С. Майкапаре, А.Гречанинове, Г. Свиридове, С. Прокофьеве, Д.Шостаковиче, а также рассказы о создании детских сборников этих композиторов («Бирюльки», «Детский альбом», «Стеклянные бусинки», «Альбом пьес для детей», «Детская музыка», «Танцы кукол»), а также краткий анализ наиболее ярких пьес из этих сборников.

Заключительная часть пособия предлагает контрольные вопросы для проверки знаний учащихся, как по окончании изучения отдельных тем, так и примеры вопросов для итоговых письменных контрольных работ (в том числе творческую работу-кроссворд) и содержит список использованной литературы.

При создании данной разработки автор-составитель пособия опирался на статьи из популярных учебных пособий Аверьяновой О.И., Брянцевой В.Н., Калининой Г.Ф., Осовицкой З.Н., Казариновой А.С., Островской Я., Фроловой Л., Прохоровой И.А., Смирновой Э.С., Шорниковой М., Лагутина А.И. Яркие музыкальные примеры из мировой музыкальной литературы, сведения из других видов искусства, всеобщей истории и литературы, несомненно привлекут к этим статьям внимание и будут полезны как начинающим музыкантам, так и взрослым любителям музыки.

Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве зарубежных композиторов.

Введение.

В наше время уже кажется естественным, что существует музыка специально для детей: детские песни, педагогический инструментальный репертуар, музыка в детских театрах, симфонические и хоровые произведения. Однако так было не всегда. Юные музыканты прошлого часто делали первые шаги в игре на инструменте или обучении пению, знакомясь с песнями и хорами Брамса, отдельными сонатами Моцарта, Бетховена, пьесами Баха и Грига, слушали «Руслана и Людмилу» Глинки, «Щелкунчика» и «Лебединое озеро» Чайковского, «Снегурочку» или «Сказку о царе Салтане» Римского- Корсакова, т.е музыку, которая совсем не была предназначалась для детей.

На тот факт, что детская музыка должна сочиняться иначе, чем произведения для взрослых, композиторы обратили внимание лишь в середине XIX века. До этого существовал лишь немногочисленный педагогический репертуар, включавший пьесы для начинающих музыкантов, которые вовсе не обязательно должны были быть детьми, например, знаменитую «Нотную тетрадь Анны Магдалены Бах», менуэты и полонезы из которой входят сейчас в обязательный репертуар детских музыкальных школ, Иоганн Себастьян Бах составил для своей второй жены, которая была на тот момент вполне взрослой девушкой.

Истоки клавирной "детской музыки" относятся к первой половине ХVIII века, когда композитор, исполнитель и педагог почти всегда совмещались в одном лице. Известно, например, что И. С. Бах и другие композиторы в своих сочинениях решали не только художественные, но и педагогические задачи.

Этапным для истории "детской музыки" стал XIX век, а именно с этого времени серьёзные взрослые композиторы начинают писать музыку специально для детей. Сочиняя музыкальные произведения, предназначенные юным, авторы стремятся, чтобы они были близки, понятны и интересны маленьким исполнителям и слушателям.

Ребёнок - самый требовательный слушатель и исполнитель. Он ищет в музыке образов правдивых и достоверных , ярких и динамичных, впечатлений сильных, но не занимающих его внимание длительно. И в песенной и в инструментальной музыке дети ждут яркой программности, картинности и фантастики как воплощения их мечты, поэтому значительная часть музыкальных сочинений для детей написана в жанре программной миниатюры. Несмотря на различие стилевых почерков композиторов, детские произведения имеют общие для всех принципы: зримо ощутимая образность (детям близки образы, связанные с их интересами и бытом: игрушки, сказочные персонажи, образы животных и зарисовки природы), лаконичность и четкость музыкальной формы, техническая доступность исполнения.

Роберт Шуман в 1848 году сочинил для детей поэтический "Альбомом для юношества", цикл "Детские сцены" (1832). В русской музыке по такому же пути пошел П. И. Чайковский, создав "Детский альбом" (1878). Этот цикл миниатюр заложил основы русской фортепианной литературы для юного слушателя и исполнителя.

Особенно активизировалось сочинение детской музыки в XX веке. Отечественную линию музыки для детей представляют сочинения А. Гречанинова, С. Майкапара, С. Прокофьева, Д.Шостаковича, Г.Свиридова, А. Хачатуряна, Д. Кабалевского,

В. Гаврилина, С. Слонимского и многих других композиторов. Западноевропейскую линию – сочинения Э. Грига, И.Брамса, К.Дебюсси, М.Равеля, Ж.Бизе, Б. Бартока и другие, американскую – В. Гиллока.

Детские фортепианные альбомы – это подарок юному музыканту, только начинающему свой путь в искусстве. Формируя музыкальное мышление, композиторы с помощью музыкальных образов знакомят детей с собственными музыкальными и человеческими идеалами, со всем, что самим близко и дорого. Тематика циклов – события, случающиеся в детской жизни, игры, природа, эмоционально-психологические состояния, портреты человеческого характера, сказки, фольклор, отражение современности. Продолжая традиции Р. Шумана, авторы в игровой форме знакомят детей с современным музыкальным языком, включают в сборник и инструктивные пьесы – полифонические, этюды, но даже они получают программные наименования и подзаголовки, определяющие жанр.

Многие композиторы сочиняли произведения для своих  родных малышей, а также посвящали свои произведения детям своих родственников и друзей. Например, И.С. Бах, обучающий музыке своих детей, писал для них различные  пьесы («Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах»). Появление «Детского альбома» П.И. Чайковского обязано общению композитора с детьми его родной сестры и воспитанником брата. Подобно детской литературе, детская музыка призвана рассказать детям о добре и справедливости, расширить их кругозор, учить их глубоко чувствовать и выражать разные эмоции. Часто композиторы создавали для детей музыку на фольклорной основе. Народные сказки, песни, пляски, прибаутки, байки увлекают детей яркими образами, вызывая у них живой отклик.

Наиболее известными зарубежными авторами детской музыки являются:

Бах Иоганн Себастьян (1685-1750) – немецкий композитор, органист, клавессинист. Философская глубина содержания и высокий этический смысл произведений Баха поставили его творчество в ряд шедевров мировой культуры. Бах обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму. Был непревзойденным мастером полифонии. Четверо сыновей даже стали композиторами. Для своей супруги Бах создает несложные пьесы, которые затем войдут в две «Нотные тетради Анны Магдалены Бах». По этим тетрадям учатся играть и дети Баха, позднее они откроют путь в музыку всем детям мира.

Шуман Роберт (1810-1856) – немецкий композитор и музыкальный критик. Выразитель эстетики немецкого романтизма. Создатель программных фортепианных циклов («Бабочки», «Карнавал», «Фантастические пьесы», «Крейслериана»), лирико-драматических вокальных циклов («Любовь поэта», «Круг песен», «Любовь и жизнь женщины»,внес вклад в развитие романтической фортепианной сонаты и вариаций. Шуман значительную часть своего творчества посвятил детям. Его пьесы «Смелый наездник», «Веселый крестьянин», «Марш солдатиков», «Дед Мороз» и др. вошли в «Альбом для юношества». Каждая пьеса – законченная миниатюрная картинка. «Детские сцены» - более сложное произведение, но и эти пьесы раскрывают мир детских забав, радостей и огорчений.

Иоганнес Брамс, немецкий композитор(1833-1897)тоже писал детскую музыку .У него много хоров, вокальных ансамблей, а также детских пьес. Теплые чувства композитора к Кларе и его привязанность ко всей семье Шумана, несомненно, остались в музыке Брамса. Маленьким Шуманам композитор посвящает свой цикл «Народных детских песен для голоса и фортепиано» (1857-58 гг.). В него вошли 14 вокальных миниатюр, но наибольшую популярность у нас снискала веселая пьеса «Петрушка».

Иногда детской музыкой становится произведение, написанное не для детей. Бетховен( 1770-1827)  написал музыку к пьесе Гёте «Ярмарочный праздник». По ярмарке ходил мальчик - оборвыш с ручным зверьком. Его образ Бетховен обрисовал трогательной песенкой «Сурок». Но песенка эта стала жить отдельной от пьесы Гёте жизнью, и дети разных стран поют ее с большой теплотой и сочувствием.

Жорж Бизе (1838-1875),французский композитор написал 12 пьес «Детские игры » для фортепиано в четыре руки. Пять из них композитор объединил в одноименную сюиту для симфонического оркестра. «Детские игры» — последнее фортепианное произведение автора. Художественные образы представлены в сочинении сквозь призму игровых ситуаций, любимых детских забав и развлечений. («Жмурки»,«Чехарда» «Волчок», «Деревянные лошадки», «Уголки», «Детские качели», Мыльные пузыри», «Волан», «Кукла», «Маленький муж и маленькая жена», «Труба и барабан», «Бал»)

Камиль Сен-Санс, французский композитор (1835-1921)  — сочинил «Карнавал животных» — фантазию для двух фортепиано и оркестра. В нем он с большим мастерством смог передать облик и характер самых разных животных: грозное рычание льва, кудахтанье кур, кукареканье петуха, тяжелую поступь и добродушие слона, грацию и лиризм лебедя.

Мир фантастики, волшебных сказок был особенно близок младшему современнику Дебюсси — Морису Равелю(1875-1937). И из-под его пера появляются такие произведения, как «Естественные истории» (цикл песен для среднего голоса и фортепиано), «Матушка Гусыня» (пьесы для фортепиано по сказкам Перро и мадам д’Онуа), «Дитя и волшебство» (лирическая фантазия для хора и оркестра). «Матушка Гусыня» - сюита для детей из пяти пьес в 4 руки для фортепиано. Автор, словно чародей, раскрыл двери волшебного музыкального замка, в котором обитают герои старых сказок. Позднее автор оркестровал пьесы для небольшого состава симфонического оркестра. А в 1912 году «Матушка гусыня» была переработана в одноактный балет «Сон Флорины».

В XX веке  Клод Дебюсси   (1862-1918) – французский композитор, основоположник музыкального импрессионизма является автором балета «Ящик с игрушками» (о проказах и шалостях оживших игрушек) и альбома для фортепиано «Детский уголок». Фортепианная сюита «Детский уголок» посвящена дочери Дебюсси. Стремление раскрыть в музыке мир глазами ребенка в привычных ему образах – строгого учителя, куклы, маленького пастуха, игрушечного слона – заставляет Дебюсси широко использовать, как бытовые танцевальные и песенные жанры, так и жанры профессиональной музыки в гротескном, шаржированном виде.

Бела Барток (1881-1945) – венгерский композитор, пианист и музыковед-фольклорист, считал основой музыкального воспитания и обучения детей народное творчество.Он родился в семье директора сельскохозяйственного училища, музыканта-любителя и учительницы.В 1899-1903 учился в Будапештской музыкальной академии имени Листа.Дети всего мира играют музыку венгерского композитора: «Десять легких пьес», «Детям», «15 венгерских крестьянских песен», «Румынские рождественские песни», «Микрокосмос». Свежесть и необычайность музыкального языка Бартока связаны в первую очередь с народным венгерским искусством. « Он первым из композиторов открыл венгерский фольклор и заставил весь мир удивляться его яркости и своеобразию», - писал композитор Э. Денисов.Самым значительным детским циклом Бартока является «Микрокосмос». Пьесы этого сборника представляют собой не только образцы всевозможных приёмов игры на фортепиано,но и знакомят учащихся с основными особенностями современного музыкального мышления.

Карл Орф (1895-1982) Этому немецкому композитору и педагогу  принадлежит пятитомное собрание пьес «Музыка для детей», созданное на основе немецких народных песен, пословиц и загадок. Для вовлечения всех без исключения детей в исполнение музыки Орф придумал целый набор инструментов для коллективного музицирования, игрой на которых легко овладеть.

Бриттен Бенджамин (1913-1976)-английский композитор, пианист, дирижер. Возродил английский музыкальный театр. Сочетал национальные музыкальные традиции XVI-XVII вв. с современными музыкальными средствами. Композитор Бриттен много занимался сочинением детской музыки. Им создан сборник многих школьных песен. Песни из этого сборника популярны среди английских школьников. Для исполнения детьми в сопровождении арфы написан цикл «Обрядовые рождественские песни». Известность получил «Путеводитель» по оркестру Бриттена – своеобразное произведение, знакомящее слушателя с современным симфоническим оркестром.

Французские композиторы XX века также обогатили репертуар для детей красочными и оригинальными сочинениями в жанре фортепианного ансамбля.

Габриэль Форе (1845-1924)-автор сюиты «Долли» (1893-1896 гг.),написанной для фортепиано в четыре руки и посвященной Хелене Бардак — дочери певицы, знакомой композитора. В семье её называлиДолли (куколка) – отсюда и название всего цикла. Сюита состоит из шести пьес, в которых тонко воссоздаётся мир детских забав.Каждая пьеса цикла имеет название.«Колыбельная», «Мяу», «СадДолли», «Китти-вальс»,«Нежность»,«Падеспань».Существует оркестровая версия сюиты, сделанная дирижером Анри Рабо, а также многочисленные переложение пьесдля различных инструментов.

Флоран Шмитт ( 1870 - 1958) - композитор, влиятельный музыкальный критик и общественный деятель,тяготел к яркой программной музыке, а в отдельных его произведениях заметно влияние русской музыкальной культуры, восточной музыки, джаза. В 1912 г., вдохновившись сказкой Андерсена «Оле-Лукойе», ФлоранШмитт пишет сюиту для фортепиано в 4 руки. В нее вошли 7 фортепианных пьес, каждая из которых навеяна определенной главой сказки Андерсена («Свадьба куклы Берты», «Хоровод хромых букв», «Китайский зонтик» и др.). В 1923 г. на основе своей сюиты композитор создает красочно оркестрованный балет «Маленький эльф Оле- Лукойе».

Жермен Тайфер (1892-1983), женщина- композитор, автор произведений самых разных жанров - опер, балетов, инструментальных концертов, сочинений для всевозможных камерных составов, фортепиано, органа, гитары, а также вокальных и хоровых композиций. Знаменита как единственная женщина в содружестве мужчин-композиторов (группа «Шестерка», по аналогии с «Могучей кучкой», известной во Франции как "Русская Пятёрка"). Сочинение «Игры на открытом воздухе» (1917г.)для 2х фортепиано, написанное композитором в годы учебы в Парижской консерватории, сразу вывело её в разряд «модных композиторов».

Луи Вьерн (1870-1957), которого с рождения его преследовали проблемы со зрением.В 1915 г. композитор ослеп окончательно. Однако природа, лишив полноценного зрения, наделила его музыкальностью и неординарными творческими способностями.

Композитор очень привязался к детям баронессы Буарувре, у которой гостил в Швейцарии в 1916-1918 гг. Он посвятил своим юным друзьям светлый, радостный и поэтичный цикл из 5 фортепианных миниатюр «Детские силуэты».Каждая из пьес имеет название и посвящение: «Вальс» для Мориса, «Песня» для Анри, «Дивертисмент» для Кристиан, «Баркарола»для Гая,«Гавот в старинном стиле» посвящен Сюзет.

Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах.

М астерство великих композиторов эпохи расцвета полифонического письма продолжает доставлять огромное художественное наслаждение тысячам любителей музыки из всех стран. Богатый мир разнообразных настроений, глубоких чувств и переживаний, свойственных человеку, ощущающему всю полноту жизни, отражён в музыке этих композиторов. Своим творчеством они прославляли человека, стремились разбудить дремлющее в каждом творческое начало. Трудно предположить, какими путями развивалась бы европейская музыкальная мысль без Иоганна Себастьяна Баха. Несмотря на ушедшие столетия и грандиозную перемену в искусстве, произведения Баха остаются великими образцами для современного поколения музыкантов.

Изучение пианистами клавирного творчества великого полифониста имеет громадное значение и для художественного развития и для воспитания профессионального мастерства юного музыканта. А ключ к хорошему исполнению на фортепиано лежит в развитии умения слышать и воспроизводить на инструменте одновременно несколько мелодических линий. И, конечно, лучшим педагогическим материалом для воспитания полифонического мышления является сборник «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах».

Картина Т.Э. Розенталя И.С. Бах с семьей» (1870г.)переносит нас в дом композитора и передает творческую атмосферу, царящую в нем: родители музицируют в окружении разновозрастных мальчиков и девочек.Анна Магдалена Бах – дочь вейсенфельсского придворного трубача, в декабре 1721 года она стала второй женой И.С. Баха, проведя рядом с ним тридцать лет жизни, щедро помогая в переписке нот, воспитывая и обучая детей.

Семья композитора росла, вторая жена родила ему 13 детей. Все занимались музыкой, пели, играли на различных инструментах, сочиняли. Бах был не только прекрасным музыкантом, но и хорошим педагогом. Он добивался хорошей пальцевой беглости, много внимания уделял мастерству импровизации, воспитывая при этом полифонический слух, точное слышание и интонирование каждого голоса.

В работе он использовал свой собственный метод. В течение многих месяцев его ученики играли только упражнения. Затем он сочинял им небольшие пьесы, в которых эти упражнения были соединены вместе. Так появились «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах», пьесы из которой активно исполняются в младших и средних классах музыкальной школы и в наше время. К 24-летию супруги И.С. Бах подарил ей тетрадь в кожаном переплете, на обложке которой золотом были выведены инициалы А М В и год — 1725. Тетрадь эта по мере заполнения (записи вносились в тетрадь вплоть до 1740 г.) превратилась в музыкальный альбом, которым пользовались все члены семейства, а не только Анна Магдалена.Туда записывали инструментальные и вокальные сочинения различного характера и разной трудности, как собственные, так и понравившуюся музыку других композиторов. В те времена такие альбомы, как музыкальные, так и литературные(с записью любимых стихотворений),получили широкое распространение. Существует две нотные тетради Анны Магдалены Бах. Содержания первой тетради, выпущенной в 1722 году, составляют в основном французские сюиты. Вторая тетрадь имеет более разнообразное содержание.«Нотная тетрадь»как бы является маленькой энциклопедией всего творчества Баха. Здесь и крупные клавесинные циклы – две партиты две французские сюиты, арии, знаменитая прелюдия до-мажор из первого тома «ХТК» и множество других замечательных произведений Иоганна Себастьяна Баха. Особое место в альбоме занимают простые пьесы танцевальных жанров, эти пьесы должны были сопровождать уроки танцев, которые получали дети Баха. Вокальные сочинения- арии и хоралы – предназначались для исполнения в кругу семьи.

Рядом с произведениями И.С. Баха в тетради можно встретить и сочинения второго сына композитора Карла Филиппа Эмануэля, а также произведения знаменитого французского клавесиниста Франсуа .Куперена, старших современников Баха органистов Георга . Бема ,Кристиана Петцольда, и других композиторов. Многие пьесы, вошедшие в тетрадь, до сих пор издаются с пометкой «неизвестный композитор», исследователи не могут с точностью указать имена авторов всех пьес.

Карл Филипп Эмануил Бах (1714-1788)— второй сын И. С. Баха, яркий представитель сентиментализма в немецкой музыке. При своем ярком музыкальном даровании готовил себя к карьере юриста — учился в Лейпцигском,затем во Франкфуртском университетах. В детстве музыкой занимался под руководством своего отца. Юридическое образование так и осталось невостребованным.С 1741 года стал придворным клавессинистом короляФридриха Великого и служил в этой должности до самой смерти короля ). В 1747 году к нему в Потсдам приехал И. С. Бах. Во время этого визита состоялась знаменитая импровизация Баха на тему короля,в результате чего вскоре возник цикл полифоническихпьес — «Музыкальное приношение».После смертикороля К. Ф. Э. Бах переселился в Гамбург, где стал город-ским директором музыки, сменив на этом посту Г. Ф. Телемана.

Кристиан Петцольд (1677-1733), два Менуэта которого записаныв Нотной тетради (№ 4, 5), был старшим современникомБаха. В 1703 году он становится органистом церкви св. Софии в Дрездене. Здесь он именуется «королевским польским и курфюрста саксонского камер-органистом». Возможно,познакомились оба музыканта в 1717 году, когда Бах былв Дрездене, где играл перед дрезденской аристократиейна знаменитом музыкальном турнире с Луи Маршаном, на который француз, испугавшись поражения, не явился.Когда в 1733 году Петцольд умер, его место занял старший сынБаха Вильгельм Фридеман.

Готфрид Генрих Штёльцель (1690-1749)— автор огромного музыкального наследия: произведения в разных жанрах исчисляются у него сотнями. Одних кантат более 450.Архивы библиотекицеркви св. Фомы в Лейпциге, где Бах служил кантором,свидетельствуют, что Бах не раз руководил исполнением вокальных сочинений Штёльцеля. В Нотной тетради Вильгельма Фридемана мы находим Партиту соль минор. Считается, что это произведение Г. Г. Штёльцеля.

Франсуа Куперен (1668-1733)— крупнейший французский композитор, клавесинист. Он был самым яркимпредставителем второй по численности (после Бахов) династии музыкантов. Создав много произведений в разныхжанрах, он прославился, прежде всего, как клавесинныйкомпозитор.Он при жизниопубликовал почти все свои клавесинные произведения,составившие четыре тома. Куперен был придворным клавесинистом Людовика XIV, имя его было известно в Европе,и его высоко ценили Гендель и Бах.Куперенбыл непревзойденным мастером клавесинной миниатюры.Среди его пьес множество ярко характерных портретов, образов природы.Куперен достиг необычайногоразнообразия звучания клавесина. Именноэто богатство выразительности привлекало к КуперенуБаха.

Иоганн Адольф Хассе(1699-1783)— немецкий композитор.Свою музыкальную карьеру он начал как оперный певец.В 23 года отправился в Италию, жил в Неаполе. Здесь онучился у АлессандроСкарлатти. С 1727 года Хассе служил капельмейстером в консерватории ив Венеции. Сформировавшийсякак композитор в значительной мере в традициях итальянской opera-seria, Хассе и в Германии, куда он вернулсяв 1733 году, продолжал писать в этом стиле, на тридцатьлет став капельмейстеромитальянской труппы в Дрездене.

Георг Бём (1661-1733) — немецкий композитор и органист. Известен главным образом как органный и клавесинныйкомпозитор, а также благодаря своим хоровым произведениям. Он признан величайшим мастером в областихоральной прелюдии — жанра, в котором Бах впоследствии оставил непревзойденное по художественнойценности наследие. С 1698 года и до конца жизни служил органистом Йоханнескирхе в Люнебурге. Карл Филипп Эмануэль Бах называл Бёма композитором, произведениями которого в юностивосхищался его отец. Менуэт (№ 21)записан в Нотную тетрадь Бахом собственноручно.

Джованнини — итальянский композитор, которыйпрожил в Германии несколько лет и совершенстве владел немецким языком. Известны его семьнемецких песен, отличающихся изысканностью и обилием витиеватых украшений в вокальных партиях его произведений,написанных в стиле итальянской канцонетты.

О штрихах, динамике, темпах, ключевых знаках.

Прожив тяжёлую жизнь, полную невзгод и материальных лишений, Бах не утратил жизнерадостности и полнокровного ощущения бытия. В своих произведениях композитор отразил богатый внутренний мир и многообразие жизненных впечатлений.И.С.Бах, как это было принято в его время, почти ничего не записывал в тексте своих сочинений, кроме самих нот. Остальное- оттенки, штрихи и аппликатурные темповые указания-всё это ставит редактор.Уже в начале XIX столетия видные музыканты- педагоги поняли необходимость создания исполнительских редакций произведений И.С.Баха, имеющих целью облегчить педагогам и учащимся путь к овладению трудностями классической полифонии.Было выпущено немало редакций сочинений Баха. Это редакции: К.Черни, Ф. Кролла, Ф. Бузони, Б. Бартока, А.Лукомского, А.Майкапара (ученика Ройзмана), Браудо, Ройзмана. Редакция Ройзмана – наиболее распространенная. Достоинство этой редакции – точный авторский текст.

Динамика

В клавирной музыке Баха отразились некоторые динамические особенности органа-«властителя дум» музыкальной культуры XVII-XVIII веков. Как известно, клавесины и клавиры имели две клавиатуры (мануалы), отличающиеся по силе звучания. Это строение они заимствовали от органа. На одной клавиатуре были сосредоточены мощные, сильные регистры,на другой - нежные, мягкие. Отсюда следует гораздо более характерная для музыки Баха внезапная смена forte и piano, чем обилие мелких коротких crescendoи diminuendo («террасообразная динамика). Любое изменение силы звука в произведениях Баха должно быть естественной необходимостью, вытекающей из развития музыкальной фразы, её внутренней логики: усиление динамики, связанное с устремлением мелодии к кульминационному звуку фразы; ослабление звучности к её концу, то есть как в разговорной речи.

Артикуляция

Ограниченность динамических возможностей клавирных инструментов времён Баха компенсировалась разнообразием артикуляционных приёмов. Артикуляция– одно из важнейших условий выразительного исполнения старинной музыки. Во времена Баха большое значение придавалось правильному разделению мелодии на мотивы и их верному интонационному произношению. Контраст в артикуляции длительностей - отличительная черта баховского стиля, называется «приёмом восьмушки». Этот приём помогает сделать отчётливой ритмическую структуру баховской мелодии. Многие марши сборника строятся на четвертных и восьмых длительностях, а «Волынка», например, – на восьмых и шестнадцатых. Подобное соотношение обычно требует контрастных штрихов.

Также, для баховских произведений характерен прием «фанфары», где артикуляциязависит от интервального строения мелодической линии. Поступенное движение – слитно, а движение по интервалам, начинающимся от терции – раздельно. Часто эти два правила применяются одновременно.Стаккато И.С. Баха не колкое, не острое, а тяжелое и весомое. Его легато полнозвучно, но в нём почти всегда заложен импульс активного развёртывания мелодического голоса.

Орнаментика

«Пусть цепь правил будет обвита серебряной нитью фантазии»- говорил Роберт Шуман. Как эта мысль подходит к области исполнения старинных украшений!

Сколько музыкантов, особенно юных начинающих пианистов, приходило в уныние, когда им предстояло разобраться в сложностях баховской орнаментики! И сколько из них готовы были отмахнуться, как от назойливых мошек, от всех этих мелких ноток и черточек, закорючек, волнистых зловещих линий («змеек»!) — то вертикальных, то горизонтальных, перечеркнутых то посередине, то сбоку... Кажется, разобраться во всей этой казуистике невозможно!

Но такое руководство имеется — это таблица расшифровок украшений, записанная Бахом в «Нотную тетрадь»для его сына Вильгельма Фридемана. Для составления этого маленького справочного пособия Бах воспользовался «Таблицей расшифровки украшений», опубликованной в 1689 году в тетради клавесинных пьес французского композитора д”Англебера.

Темпы

В баховской музыке можно найти ремарки, которые в наше время толкуются как обозначения темпа, например: Adagio, Andante, Allegro, Presto. Содержание, которое вкладывалось в итальянские (композиторы барокко пользовались именно ими) темповые термины во времена Баха, было иным, нежели сегодня. Эти термины выражали не столько скорость движения, сколько настроение и характер пьесы.

КомпозиторыXVIII столетия для быстрого движения имели термин Presto,Allegro же означало лишь активный, энергичный, жизнерадостный характер музыки.

В настоящее время Andantе говорит лишь о темпе пьесы, более подвижном,чем Adagio и менее быстром, чем Alеgretto. Но в XVIII веке этим термином обозначали движение в ритме спокойного шага. Сочинения в темпе Adagio часто содержат многочисленные быстрые фигуры или пассажи, а единственным термином, предписывающим медленное исполнение, было слово Lento.

Знаки при ключе и случайные знаки

Во времена Баха музыку в бемольных минорных тональностях (их употреблялось еще немного — в основном первые четыре, до фа минора) было принято записывать со знаками при ключе на один меньше, чем мы это делаем сейчас. Так, например, тональность соль минор обозначалась с одним знаком при ключе — си-бемоль (вместо двух — си-бемоль и ми-бемоль), до минор — с двумя (си-бемоль, ми-бемоль), без третьего (ля-бемоль). Знаменитая органная Токката и фуга ре минор, записанная Бахом без си-бемоль при ключе, получила со временем (не от Баха) название «Дорийская». Такое название, присвоенное лишь одному произведению, невольно заставляет думать, что оно — с точки зрения лада — уникально. Между тем таких псевдо-«дорийских» — то есть дорийских лишь по записи, а не по реальному звучанию — произведений у Баха множество. В них бемоль, указывающий понижение VI ступени, выставлялся в качестве случайного знака; при этом, естественно, не проставлялся бекар (повышение VI ступени), когда эпизод звучит в мелодическом миноре. Все современные издания Нотной тетради, предназначенные для практических — педагогических, исполнительских — целей, переводят старую баховскую запись в современную(ничего не сообщая об этом).

Менуэт №4

Во времена Баха менуэт был распространённым, живым, всем известным танцем. Его танцевали и в домашней обстановке и на весёлых вечеринках. Характер этого танца был изменчив, и Бах записал в «Нотную тетрадь» самые разнообразные по настроению менуэты.Менуэт № 4- изящная, грациозная и спокойная пьеса, в музыкальной ткани которой можно выделить два музыкальных плана (один голос все время исполняет мелодию, а другой – сопровождающий мелодию бас).При этом соотношение голосов-вопросо – ответное (изящные реверансы, поклоны-приседания танцующей пары).– ответное (изящные реверансы, поклоны-приседания танцующей пары).

Менуэт №7

В музыке ощущается веселье народного праздника, четкий танцевальный ритм. Это «деревенский» менуэт, немного тяжеловесный и неуклюжий, полный юмора и энергии. Обращает на себя внимание эффект «эха», ведущий своё происхождение от различных по силе клавиатур - мануал клавесина и органа.

Полонез соль минор.

Авторомэтой популярной в музыкальных школах пьесы является сын И.С.Баха- Филипп Эммануил. Автору удалось выявить основные черты знаменитого по всей Европе танца польского происхождения. Энергичная, торжественная поступь танцующихпередаётся точным исполнением всех длительностей и метрических фигур.Начальные фразы идущих в унисон партий обеих рук имеют величественный характер,требует глубокого,сочногопроизнесения.

А рия «Если беру я в руки трубку»

В клавирной литературе XVIII столетия встречается 2 типа арий. Первый - стремится подражать на инструменте выразительному пению, вокальной арии. Второй- противоположность первому. Он объединяет произведения подвижного характера, подражающих звучанию деревянных духовых инструментов (аir-воздух- так назывались и пьесы для духовых).В сборнике Баха представлен лишь первый тип выразительных арий. Данная пьеса - двухголосное изложение песни И.С.Баха «Старая трубка». Звучит напевно и красиво, играется мягким легато.

Лёгкие полифонические пьесы из «Нотной тетради Анны Магдалены Бах» - ценнейший материал, который активно развивает полифоническое мышление, его звуковую палитру, воспитывает чувство стиля и формы. Маленькие шедевры, вошедшие в «Нотную тетрадь», в основном небольшие танцевальные пьесы – менуэты, полонезы марши, отличаются необыкновенным богатством мелодий и ритмов, многообразием выраженных в них настроений. Для этих произведений характерен принцип контрастной полифонии. Самостоятельные мелодические голоса, различные по ритмическому рисунку, здесь соединяются, причем один выполняет роль главного голоса, другой – менее индивидуален.Все эти сочинения, записанные практически три столетия назад в нотную тетрадь Анны Магдалены Бах, продолжают звучать и сегодня, они являются первой ступенькой знакомства юных пианистов с полифонией и барочной клавирной музыкой.

Роберт Шуман  (1810-1856г.)— немецкий композитор, педагог и влиятельный музыкальный критик.Широко известен как один из выдающихся композиторов эпохи романтизма. Его учитель Фридрих Вик был уверен, что Шуман станет лучшим пианистом Европы, но из-за болезни руки Роберту пришлось оставить карьеру пианиста и посвятить жизнь сочинению музыки.

До 1840 года все сочинения Шумана были написаны исключительно для фортепиано. Позднее было опубликовано много песен, четыре симфонии, опера и другие оркестровые, хоровые и камерные произведения. Свои статьи о музыке он публиковал в Новой музыкальной газете.

Шуман внёс большой вклад в музыкальную критику. Пропагандируя на страницах своего журнала творчество музыкантов-классиков, борясь против антихудожественных явлений современности, он поддерживал новую европейскую романтическую школу. Шуман бичевал виртуозное франтовство, равнодушие к искусству, которое прячется под маской благонамеренности и фальшивой учёности. Главные из выдуманных персонажей, от лица которых выступал Шуман на страницах печати, — пылкий, неистово дерзкий и иронический Флорестан и нежный мечтатель Эвзебий. Оба символизировали полярные черты характера самого композитора.

Идеалы Шумана были близки передовым музыкантам XIX столетия. Его высоко ценили Феликс Мендельсон, Гектор Берлиоз, Ференц Лист. В России творчество Шумана пропагандировали А. Г. Рубинштейн, П. И. Чайковский, Г. А. Ларош, деятели «Могучей кучки».

В 1840 году Шуман женится на дочери Фридриха Вика Кларе. Его жена также сочиняла музыку и имела значительную концертную карьеру пианистки.

В своей музыке Шуман больше, чем любой другой композитор, отразил глубоко личностную природу романтизма. Его ранняя музыка была попыткой порвать с традицией классических форм, по его мнению, слишком ограниченных. Наследник Ф. Шуберта и К. М. Вебера, Шуман развивал демократические и реалистические тенденции немецкого и австрийского музыкального романтизма. Мало понятая при жизни, большая часть его музыки теперь расценивается как смелое и оригинальное явление в гармонии, ритме и форме. Его произведения тесно связаны с традициями немецкой музыкальной классики.

Большая часть фортепианных произведений Шумана — это циклы из небольших пьес лирико-драматического, изобразительного и «портретного» жанров, связанных между собой внутренней сюжетно-психологической линией. Один из циклов — «Карнавал» (1834), в котором пёстрой вереницей проходят сценки, танцы, маски, женские образы (среди них Киарина — Клара Вик), музыкальные портреты Паганини, Шопена.

Близки к «Карнавалу» циклы «Бабочки» (1831, по мотивам произведения Жан Поля) и «Давидсбюндлеры» (1837). Цикл пьес «Крейслериана» (1838, названный по имени литературного героя Э. Т. А. Гофмана — музыканта-фантазёра ИоганнесаКрейслера) принадлежит к высшим достижениям Шумана.

Мир романтических образов, страстная тоска, героический порыв отображены в таких произведениях Шумана для фортепиано, как «Симфонические этюды» («Этюды в форме вариаций», 1834), сонаты (1835, 1835—1838, 1836), Фантазия (1836—1838), концерт для фортепиано с оркестром (1841—1845).

Кроме того,у Шумана есть фортепьянные циклы, построенные по принципу сюиты или альбома пьес: «Фантастические отрывки» (1837), «Детские сцены» (1838), «Альбом для юношества» (1848) и другие.

«Альбом для юношества»

« Альбом для юношества» был создан Робертом Шуманом в 1848 году. История его создания тесно связана с личным, отцовским музыкальным опытом. В октябре Шуман писал своему другу Карлу Рейнеке – «первые пьесы я написал ко дню рождения моей старшей дочери, а потом и остальные». Первоначальное название сборника: «Рождественский альбом».

С фотографии 1850-х гг. на нас смотрят дети знаменитого немецкого композитора Роберта Шумана и его не менее знаменитой жены – пианистки Клары Шуман (Вик).В своем дневнике пианистка 1 сентября 1848 г. делает интереснейшую заметку: "Пьесы, которые дети обычно учат на фортепианных уроках столь дурны, что Роберту пришла идея сочинить и издать тетрадь (своего рода альбом) нетрудных детских пьесок". В тот день, когда появилась эта дневниковая запись, Роберт Шуман преподносит своей старшей дочери в качестве подарка к ее 7-летию тетрадь, в которую включил 8 фортепианных миниатюр. 7 пьес принадлежали самому Шуману, и одна была "Пьеской Моцарта". ⠀

Этот "детский" семейный альбом Шуманов стал разрастаться с поразительной быстротой: с необыкновенным подъемом, увлеченно Шуман продолжает сочинять для детей все новые и новые пьесы. Через несколько месяцев после начала работы уже насчитывалось свыше 40 миниатюр "для юношества". По задумке композитора его "Альбом для юношества" должен был включать в себя не только нотный текст, но и написанные в виде афоризмов "Жизненные правила для музыкантов" (они не вошли в первое издание сборника и были напечатаны впоследствии). ⠀

Сам "Альбом для юношества", включивший в себя в итоге 42 фортепианные пьесы, был издан в декабре 1848 г. Пьесы эти очень различны по исполнительским трудностям и по содержанию. Скорее всего, вы знакомы с некоторыми миниатюрами из этого сборника: "Смелый наездник" и "Дед Мороз" - давно и прочно вошли в репертуар маленьких пианистов и довольно часто исполняются ими на всевозможных концертах. В "Альбоме..." можно встретить много миниатюр, посвященных природным картинам (это не случайно, т.к. у Шумана была одно время задумка относительно своего сборника - разделить его на 4 части, каждая из которых отражала бы разные времена года). ⠀

Запечатлелись в "Альбоме..." картины и события, памятные для семьи композитора. Например, под названием "Песенка" скрывается колыбельная для Людвига (сына Шумана), возможно, эту мелодию напевала детям Клара. Еще одна лирическая пьеса "Воспоминание. 4 ноября 1847" - своеобразный творческий портрет композитора Феликса Мендельсона, крестного отца Марии Шуман (4 ноября - день смерти Мендельсона). ⠀

Как понятно по уже названным пьесам ("Смелый наездник" и "Дед Мороз"), в сборнике можно найти и музыкальные образы, навеянные детскими играми и волшебными и чудесными преданиями. С помощью пьес Шумана маленькие слушатели могут также совершить настоящее музыкальное путешествие по разным странам. ⠀

Помимо нотного материала черновая рукопись включала в себя наставления юным музыкантам, в краткой афористической форме раскрывающие художественное кредо Шумана. Он планировал расположить их между пьесами. Идея эта осуществлена не была. Впервые афоризмы были опубликованы в «Новой музыкальной газете» в специальном приложении под заглавием « Домашние и жизненные правила для молодых музыкантов»

Вот некоторые из них в переводе П. И. Чайковского.

• Развитие слуха — это самое важное. Старайся с юных лет распознавать тоны и лады. Колокол, стекольная рама, кукушка, — прислушайся, какие звуки они издают.

• Играй усердно гаммы и другие упражнения для пальцев. Но есть много людей, которые полагают, что этим все и достигается, которые до глубокой старости ежедневно проводят многие часы за техническими упражнениями. Это приблизительно то же самое, что ежедневно читать азбуку вслух и стараться делать это все быстрее и быстрее. Употребляй свое время с большей пользой

• Играй ритмично! Игра некоторых виртуозов похожа на походку пьяного. Не бери с них примера!

• Изучи как можно раньше основные законы гармонии.

• Никогда не колоти по клавишам! Играй со смыслом и не останавливайся на половине пьесы.

• Старайся играть легкие пьесы хорошо и выразительно; это лучше, чем посредственно исполнять трудные.

• Всегда проявляй заботу о чистоте настройки твоего инструмента.

• Необходимо, чтобы пьесой овладели не только пальцы, ты должен уметь также напевать ее про себя без помощи инструмента. Обостряй свое воображение настолько, чтобы ты мог удержать в памяти не одну лишь мелодию, но также и сопровождающую ее гармонию.

• Даже если ты не обладаешь хорошим голосом, старайся петь с листа без помощи инструмента; таким образом, ты разовьешь свой слух. Если же у тебя красивый голос, не медли ни минуты и развивай его; рассматривай это как прекраснейший дар, которым тебя наделило небо.

• Играй всегда так, как будто тебя слушает великий художник. Когда ты играешь, не беспокойся о том, кто тебя слушает.

• Если тебе предложат сыграть с листа незнакомое сочинение, то сначала пробеги его предварительно глазами, в полном его объеме.

• Если ты выполнил свою повседневную музыкальную работу и чувствуешь усталость, не принуждай себя к дальнейшему труду. Лучше отдыхать, чем работать без охоты и бодрости.

• Когда будешь постарше, не играй модных сочинений. Время дорого. Надо иметь сто человеческих жизней, чтобы познакомиться только со всем хорошим, что существует на свете.

• На сладостях, печенье и конфетах из ребенка никогда не вырастить здорового человека. Духовная пища так же, как и телесная, должна быть простой и здоровой. Великие мастера достаточно позаботились о такой пище; ее и придерживайтесь.

• Не распространяй плохих сочинений; старайся всячески преграждать им путь к известности.

• Не стремись к блеску исполнения. Старайся, чтобы музыка произвела то впечатление, которое имел в виду автор; большего не надо; все, что сверх этого, — искажение.

• Считай безобразием что-либо менять в сочинениях хороших композиторов, пропускать или, чего доброго, присочинять к ним новомодные украшения. Это величайшее оскорбление, какое ты можешь нанести искусству.

• Выбирая пьесы для работы, советуйся со старшими; ты этим сбережешь себе много времени.

• Постепенно знакомься с сочинениями известных композиторов.

• Одобрение художников пусть будет для тебя ценнее признания целой толпы.

• Все модное выходит из моды; если ты будешь гнаться за модой, то, состарившись, будешь никому не внушающим уважения франтом.

• Но никогда не упускай возможности участвовать в совместной игре в дуэтах, трио и т. п. Это сделает твою игру полной жизни, осмысленной. Чаще аккомпанируй певцам.

• Если бы все хотели играть первую скрипку, нельзя было бы составить оркестра. Уважай поэтому каждого музыканта на его месте.

• Играй усердно фуги больших мастеров, особенно И. С. Баха. «Хорошо темперированный клавир» должен быть твоим хлебом насущным. Тогда ты безусловно станешь основательным музыкантом.

• Ищи среди своих товарищей таких, которые знают больше, чем ты.

• Много людей живет на свете. Будь скромен! Ты еще не изобрел и не придумал ничего такого, чего до тебя уже не придумали и не изобрели другие. А если бы тебе это и удалось, то считай свое открытие общим достоянием.

• Изучение истории музыки, подкрепляемое живым слушанием образцовых произведений различных эпох, скорее всего, излечит тебя от самомнения и тщеславия.

• Пой усердно в хоре, особенно средние голоса. Это сделает из тебя хорошего музыканта.

• Но что, значит, быть музыкальным? Ты не музыкален, если, боязливо уставившись глазами в ноты, с трудом доигрываешь свою пьесу; ты не музыкален, если в случае, когда кто-нибудь нечаянно перевернет тебе сразу две страницы, — остановишься и не сможешь продолжать. Но ты музыкант, если в новой пьесе приблизительно догадываешься, что будет дальше, а в знакомой уже знаешь это наизусть, — словом, когда музыка у тебя не только в пальцах, но и в голове, и в сердце.

• Прислушайся внимательно ко всем народным песням; это целая сокровищница прекраснейших мелодий, они откроют тебе глаза на характер различных народов.

• Как можно раньше примечай звук и характер различных инструментов, старайся запечатлеть в своем слухе их своеобразную звуковую окраску.

• Никогда не упускай случая послушать хорошую оперу.

• Высоко чти старое, но и новое встречай с открытым, горячим сердцем. Не относись с предубеждением к незнакомым тебе именам.

• Не суди о сочинении, прослушав его один раз: то, что тебе понравится в первый момент, не всегда самое лучшее. Мастера требуют глубокого изучения. Многое станет тебе ясным лишь в зрелом возрасте.

• «Мелодия» — боевой клич дилетантов, и действительно, музыка без мелодии —не музыка. Пойми, однако, что они имеют в виду: они признают лишь мелодию, легко воспринимаемую, ритмически привлекательную. Но ведь есть и другие, иного склада, и где бы ты ни раскрыл Баха, Моцарта, Бетховена, на тебя глядит тысяча мелодий различных видов; убогое же однообразие, особенно типичное для новых итальянских оперных мелодий, надо надеяться, скоро наскучит.

• Если ты подбираешь на фортепиано маленькие мелодии, это, конечно, очень мило, но если они являются сами, а не за инструментом, то радуйся еще больше — значит, в тебе пробуждается внутреннее музыкальное сознание... Пальцы должны делать то, чего хочет голова, но не наоборот.

• Когда ты начнешь сочинять, проделай все мысленно. Только когда пьеса совершенно готова, попробуй сыграть ее. Если твоя музыка вылилась из души, если ты ее прочувствовал, — она так же подействует и на других.

• Как можно раньше познакомься с дирижированием. Почаще наблюдай хороших дирижеров; вместе с ними можешь потихоньку дирижировать. Это принесет тебе ясность.

• Внимательно наблюдай жизнь, а также знакомься с другими искусствами и с науками. Законы нравственные те же, что и законы искусства. Старанием и прилежанием ты всегда достигнешь более высокого.

• Без энтузиазма в искусстве не создается ничего настоящего.

• Искусство не предназначено для того, чтобы наживать богатство. Совершенствуй себя как артист, остальное придет само собой.

• Лишь тогда, когда станет тебе вполне ясной форма, тебе ясным станет и содержание. Быть может, только гений понимает гения до конца.

• Кто-то утверждал, что хороший музыкант должен уметь представить себе впервые услышанное даже сложное оркестровое произведение в виде партитуры. Это высшее совершенство, какое себе можно представить.

• Ученью нет конца. Роберт Шуман

Успеху первого издания «Альбома для юношества» немало способствовал его титульный лист, оформленный известным немецким художником, профессором Дрезденской Академии художеств Людвигом Рихтером. Сын художника, Генрих Рихтер был учеником Шумана по композиции в 1848-49 годах. Шуманом были указаны десять наиболее важных, по его мнению пьес, к которым по его пояснениям и были созданы художником виньетки на обложку издания. Это пьесы - Время сбора винограда, Первая утрата, Веселый крестьянин, Хороводная, Весенняя песнь, Песенка жнецов, Миньона, Кнехт Рупрехт, Смелый наездник и Зимняя пора.

Существовало мнение среди педагогов, современников автора, что «Альбом» нелогично построен и пьесы слишком трудны для исполнения детьми. Действительно, пьесы расположены не в порядке возрастания трудностей и амплитуда их сложности чрезвычайно высока, но вспомним, что во времена Шумана, в середине XIX века, не существовало еще систематизации учебных материалов. Кроме того, автор вообще не стремился следовать канонам современного педагогического репертуара.

Значение « Альбома» для фортепианной педагогики состоит в том, что Р. Шуман явился создателем совершенно нового и глубоко новаторского фортепианного стиля, вероятно поэтому пьесы оказались гораздо труднее того репертуара, который использовали в то время педагоги. (И.С.Бах тоже шел впереди своего времени, создавая пьесы для учеников намного труднее общераспространённого уровня обучения.)

Чтобы оценить новизну этой музыки достаточно обратить внимание на тот учебный репертуар, которым пользовались педагоги в то время. Это были не только популярные фортепианные школы лучших педагогов того времени - Гуммеля, Мошелеса, Герца, Кулака, Рейнеке, но и произведения многочисленных недоучек.Роберта Шумана от них отделяла дистанция огромного размера. Все ново в его « Альбоме» – гармония, фортепианное изложение, ритмы, пульсация, психологизм пьес. Но главным явилось - программное содержание.

Круг музыкальной тематики и жанров того времени был ограничен, это многочисленные сонаты, этюды, вариации и небольшие пьесы, как правило, танцевального жанра.

Шуман же ставит своей целью раскрыть мир ребенка и сочиняет психологические миниатюры, часто, правда, выставляя названия пьес после их сочинения, однако они удивительно точны.

Несомненно, в музыке этих пьес нашло отражение влияние Ф. Мендельсона, которого Шуман называл Моцартом XIX века и очень ценил. Особенно это проявляется в двух пьесах без названия, а пьеса « Воспоминание» написана в день смерти Мендельсона и по своему складу, стилю изложения и фактуре напоминает «Весеннюю песню» Мендельсона.Но, безусловно, пианизм Шумана гораздо шире и разнообразнее. Фактически в Альбоме нет различия между детским и взрослым способом изложения музыкального материала, просто Шуман приспосабливает фактуру своих пьес для детской руки. Пожалуй, в этом выражается сходство с детскими пьесами Грига.

Для каждого образа Шуман выбирает свои средства выразительности, свои звуковые эффекты, то хоровые, то оркестровые, то гомофонию, то полифонию или фактуру богатую подголосками и каноническим движением.Совершенно отсутствует техника в её чистом классическом виде, гаммы, арпеджио, и трудно определить, что же является и подразумевается под техническими трудностями, так важно для Шумана подчинение техники художественному образу.

Изучение произведений, входящих в Альбом, давно уже стало обязательным для воспитания пианиста и постижения им особенностей фортепианного стиля этого композитора.

Мелодия. 

Это маленький романс или детская песенка. Очень сложная фразировка, скрытое голосоведение, длинное ведение трех горизонтальных линии и тонкое следование левой руки за всеми движениями правой – вот основные педагогические задачи.

Марш.

 Обратим внимание на то, что почти отсутствуют исполнительские указания автора. Градация форте очень разнообразна. Аккорды staccato исполняются как pizzicato струнных инструментов, но требуют атаки звука, а не вялого прикосновения. Это наиболее простая пьеса в сборнике.

Первая утрата. 

Трудная по содержанию и полифонической фактуре пьеса. Наиболее распространенные ошибки - ритмическая трудность с затактовым началом и частая грубость учеников в звучности последних аккордов. Точность выполнения голосоведения и тонкие динамические градации, темповые сдвиги – делают ее исполнение возможным только с подвинутыми учениками. Первоначальное название «Смерть чижика», что отражено в рисунке на обложке издания. В основе лежит семейная история, которая могла стать известной художнику только со слов самого автора. В начале репризы звук «ля» из правой руки уместно перевести в левую руку.

Смелый наездник.

Точнее, верное название «Неистовый всадник». Техническое содержание несложно, пьесу любят дети, и она быстро усваивается, трудности обычно возникают с исполнением различных окончаний мелодических фраз и трудностями фактуры.

Народная песенка.

Пьеса трудна тонкой педализацией. Название скорее относится к крайним разделам, а середина сходна с народным танцем. Проведение основной мелодии в репризе в среднем голосе представляет трудность для учеников. Подражание Веберу и Мендельсону.

Веселый крестьянин.

Педагогу необходимо учесть, что в редакции А.Б. Голденвейзера стоят длинные фразировочные лиги, а авторские лиги смысловые, песенные.

Сицилийский танец.

В русских изданиях пьеса имеет другие названия « В характере сицилианы» и «Силийская песенка». Написана пьеса в сложной трехчастной форме, в стиле баркароллы и народного танца. Чередование разных штрихов - legato и portamento. Темп не слишком медленный, к ремарке Шумана можно добавить ещё и слово « грациозно».

Кнехт Рупрехт 

Буквально «слуга Рупрехт» – персонаж германской мифологии, один из домашних духов, всегда появляющихся на Рождество, когда дети получают подарки от младенца Христа, Кнехт Рупрехт пугает непослушных ребят и грозит им розгами. В наших изданиях эта пьеса широко известна под названием – Дед Мороз, что является ошибкой.

К сожалению, многие прекрасные пьесы забыты и не играются, особенно в старших классах.Среди них пьеса –« Всадник», в которой звучит столь частый и излюбленный образ композиторов романтиков, достаточно вспомнить « Лесного царя» Шуберта, «Мазепу» Ф. Листа, романс Г. Вольфа « Огненный всадник». Это своего рода баллада в миниатюре с интересными эффектами приближения и удаления звучания.

« Весенняя песня» - прекрасный материал, чтоб поиграть аккордовые сочетания на педали.

« Песня матросов» – изображает пение одноголосного, а потом четырехголосного хора.

« Зима» (первая и вторая)  – поражают глубиной и яркостью музыки и мыслились Шуманом как нечто единое, как миницикл. Поэтому их разделение во многих современных изданиях вряд ли оправдано. Средний эпизод Зимы второй это яркая жанровая сцена развлечений детей, вторая же часть построена на старинной немецкой песенке Grossvater.

Существует множество редакций Альбома для юношества Шумана. Наиболее распространенные редакции - прижизненная 1848 года, редакция Н. Рубинштейна, немецкая редакция Зауэра, редакция А.Б.Гольденвейзера, факсимильная редакция 1956 года. В 1992 году вышла редакция В. Мержанова с указанием педали, фразировки и аппликатуры Роберта Шумана.

Жорж Бизе

Имя гениально одаренного французского композитора второй половины XIX века Жоржа Бизе (1838-1875) прославило его последнее сочинение – опера «Кармен». Бизе умер спустя 3 месяца после ее провальной премьеры, не дожив до 37 лет и так и не узнав, что он создал один из самых любимых шедевров мирового оперного репертуара.

При жизни он оставался непризнанным и незамеченным своими соотечественниками. И лишь после смерти обнаруживается незаурядность его таланта, а слава созданных им шедевров облетает весь мир.

Жизнь Бизе была тесно связана с историей своей страны. Он был патриотом своей родины и горячо любил Париж. И именно Париж оказался наиболее непримиримым и враждебным критиком его музыки, какое бы произведение не написал Бизе, критикам они не нравились.Судьба не улыбалась Бизе. На протяжении всей жизни его преследовали неудачные обстоятельства и драматические совпадения, разрушающие его творческие замыслы. Может быть постоянные неудачи, и стали причиной его ранней смерти.

Почти вся жизнь Бизе прошла в Париже. Вундеркинд, выросший в музыкальной семье, он уже в 10-летнем возрасте поступил в Парижскую консерваторию.Его учителями в консерватории были лучшие французские музыканты и педагоги. По-видимому, именно в общении с ФроманталемГалеви и Шарлем Гуно, известными мастерами французской оперы, возник стойкий интерес Бизе к музыкальному театру. В дальнейшем в первую очередь с театром будут связаны его главные творческие достижения. Индивидуальность творческого почерка Бизе ярко проявилась уже в  сочинениях, написанных в консерваторские годы (1848-1857). Среди них – юношеская симфония С-dur, созданная всего за 17 дней, оперетта «Доктор Миракль», Бизе неоднократно премировали и на других консерваторских конкурсах. Самая престижная из них, Большая Римская (по окончании консерватории), дала ему возможность  провести три года в Италии, в Риме, где были созданы комическая опера «Дон Прокопио» и симфоническая ода с хорами «Васко да Гама».

Жорж Бизе рано обратил на себя внимание как яркий  пианист-виртуоз. Сам   Лист  был поражен той легкостью, с которой он играл с листа незнакомую музыку, в том числе сложнейшие партитуры. Тем не менее, Бизе отказался от артистической карьеры, чтобы целиком посвятить себя композиторскому творчеству. Однако на этом пути его ожидали трудности и разочарования.  В те годы музыкальная жизнь Франции переживала кризис. Париж наводнила легкая, развлекательная музыка, в оперном же театре господствовали пышные спектакли в духе Мейербера.

Хроническое безденежье заставляло композитора заниматься неблагодарной, рутинной работой, чтобы содержать семью. Он корректировал и делал переложения чужих оперных партитур, писал вставные номера и развлекательную музыку, давал частные уроки, нередко работая по 16 часов в сутки. Но, к сожалению, при жизни он остается непризнанным и незамеченным своими соотечественниками.

И лишь после смерти обнаруживается незаурядность его таланта, а слава созданных им шедевров облетает весь мир. Бизе всю свою жизнь занимался ремесленной, изнурительной работой - сочинял множество небольших танцевальных пьес, проверял чужие произведения для оркестра, которые называются партитуры, исправлял ошибки в различных произведениях. Этот тяжелый труд ради куска хлеба поглощал драгоценное время, подтачивал силы композитора, отрывал его от цели жизни - от творчества.В таких тяжелых условиях были созданы новые произведения Бизе: оперы «Искатели жемчуга», «Пертская  красавица»,  «Джамиле», симфония «Рим», фортепианные пьесы (среди них «Детские игры» для фортепиано в 4 руки , «Хроматические концертные вариации»), песни.Одно из лучших сочинений Жоржа Бизе – музыка к драме А. Доде «Арлезианка», сюжетные положения которой имеют много общего с «Кармен». Основными чертами стиля Бизе являются истинно французское изящество, яркий мелодический дар, свежесть ладогармонических средств, мастерство оркестрового письма.

«Детские игры»

Музыки о детях и для детей во времена Бизе существовало не так уж много. Первым композитором, осмелившимся заглянуть в веселую и таинственную страну детства, был Роберт Шуман. Среди его многочисленных детских пьес особенно известен «Альбом для юношества», написанный в 1848 году. Это действительно настоящий альбом, рассчитанный на неторопливое спокойное прочтение.

Сюита «Детские игры» во многом близка произведениям Шумана. Однако Бизе четко ограничил содержание цикла. Его интересовала лишь одна сфера детской жизни: та, в которой наиболее полно раскрываются черты характера ребенка, его энергия, жизнерадостность, стремительность. Все эти качества, присущие и самому Бизе, становятся главной чертой его маленьких героев. Большинство номеров сюиты посвящено быстрым динамичным играм, а несколько неторопливых лирических пьес составляют контраст, необходимый для единства сборника.Это последнее фортепианное произведение автора, созданное им к сентябрю 1871 года и отличающееся лаконичностью и филигранностью воплощения замысла. Художественные образы претворены в сочинении сквозь призму игровых ситуаций, любимых детских забав.
Заголовки миниатюр связываются с обозначением той или иной игры или игрушки. («Труба и барабан»,«Бал»,«Кукла». Кроме того, композитор предпосылает жанровые заголовки каждой из пьес. И программные, и жанровые заголовки вместе уже представляют целостную музыкальную картину, а на уровне всего цикла — поистине калейдоскоп детских образов. Лишь первая пьеса «Качели», в своем подзаголовке, содержит не жанровое указание, а отражение поэтического модуса — «Мечты».

Жанровое разнообразие цикла связано с различиями между играми. Марш, ноктюрн, галоп, колыбельная, экспромт – для каждой пьесы Бизе выбирает жанр, который как нельзя лучше отражает характер детской игры или игрушки.

Цикл состоит из 12 миниатюр и написан для фортепиано в 4 руки.
Бизе словно приглашает нас в детскую, где можно увидеть всевозможные детские игрушки и развлечения: юлу-волчок, куклу, мыльные пузыри, трубу и барабан, деревянную лошадку, можно подсмотреть за тем, как дети увлеченно играют в жмурки и чехарду, танцуют и веселятся.

Иногда композитор, передавая особенности определенной игры, прибегает к звукоизобразительным приемам (в пьесе«Волчок», например, можно услышать, как постепенно начинает замедляться и прерывается стремительное движение юлы). С изумительной пластичностью рисует музыка движения и жесты играющих. Вот мальчик с завязанными глазами пытается ощупью поймать ловко увертывающихся товарищей («Жмурки»), подобно птице взлетает в небо упругий и легкий волан («Игра в волан»), весело резвятся дети, перепрыгивая друг через Друга («Чехарда»). В простых и свободных движениях игры композитор улавливает ритм своеобразного танца. Эта танцевальность чувствуется почти во всех номерах сюиты и поэтому очень естественно воспринимается её завершение-стремительный и ликующий галоп.
Миниатюры в цикле выстраиваются по принципу контраста: пьеса «Деревянные лошадки», рисующая сценку оживленной мальчишеской игры, например, контрастирует с мягкой и тихой колыбельной, которую поет девочка, укачивая свою куклу («Кукла»); лирический дуэт «Маленький муж и маленькая жена» предваряет праздничный финал цикла — яркую и жизнеутверждающую пьесу«Бал».Изначально сборник составляли лишь 10 пьес. Позднее его дополнили миниатюры «Мыльные пузыри», «Уголки», а вместо «Оловянных солдатиков» была написана пьеска «Труба и барабан».

Открывается сюита пьесой «Качели» (Мечты). Задумчивая напевная мелодия звучит на фоне оплетающих ее кружевных пассажей. Музыка прекрасно передает ощущение покоя и тишины, которое охватывает под убаюкивающее покачивание качелей.

Вторая пьеса, «Волчок» (Экспромт), построена на четком моторном движении, имитирующем жужжание волчка. Словно искорки вспыхивает звонкое задорное стаккато. Композитор сумел взглянуть на игрушку глазами ребенка и уловил в ее веселом пестром кружении сходство с причудливым фантастичным танцем.

Трогательная ласковая мелодия следующей пьесы, озаглавленной «Кукла» (Колыбельная), составляет контраст предыдущему номеру. В музыке порой слышатся разговорные интонации, словно девочка-мама уговаривает свою непослушную дочку — куклу.

В четвертой пьесе, «Деревянные лошадки» (Скерцо), — стремительность и упругий пунктирный ритм сочетаются с изяществом и грацией.

Быстрые четкие пассажи пятой пьесы, названной«Игра в волан» (Фантазия), создают впечатление стремительного воздушного полета.

Следующий номер, «Труба и барабан» (Марш), Бизе заимствовал из ранее написанной оперы «Иван IV». Однако музыка удивительно совпала с характером всей сюиты: это именно детский игрушечный марш. Четкий ритм, острые акценты, воинственные сигналы — все атрибуты, обязательные для настоящего военного марша, соединяются здесь с легким прозрачным звучанием и подвижным темпом. Сходные приемы использовал и П. И. Чайковский в «Марше оловянных солдатиков» и в марше из балета «Щелкунчик».

Обманчивая прелесть мгновенно исчезающих мыльных пузырей передана в седьмой пьесе,«Мыльные пузыри» (Рондино).

«Уголки» (Эскиз)—так называется следующая пьеса, рисующая радостное оживление и азарт игры. Волнение, неуверенность сменяются разочарованием, а затем бурным ликованием: «Партия выиграна!»

Следующие номера — «Жмурки» (Ноктюрн) и «Чехарда» (Каприс) играют роль своеобразного интермеццо перед наиболее значительными финальными эпизодами цикла.

В десятой пьесе («Чехарда») использован прием подмены рук: играет правая, потом поверх нее переносится левая, потом снова правая и т. д. Руки «перепрыгивают» друг через друга, как будто играют в чехарду, а в музыке слышна веселая суетня расшалившихся детей.

Очень серьезно и выразительно звучитпредпоследняя пьеса «Маленький муж и маленькаяжена» (Дуэт). По содержанию она наиболее «взрослая» в сюите. Певучая, широкого дыхания мелодия овеяна теплом первого искреннего чувства. Оба голоса все время сливаются, дополняя и продолжая друг друга, как и принято в настоящем дуэте «согласия».

Финал сюиты «Бал» (Галоп) с удивительной яркостью передает восторг ребенка, упоение стремительным движением танца, блеск и радость праздника. Музыка рождает такое же ощущение захватывающего, счастливого порыва, как и IV часть симфонии «Рим» или цыганская пляска из «Пертской красавицы».

Любители симфонической музыки, могут познакомиться с циклом Бизе в оркестровом исполнении: из 5-ти пьес сборника (марш, колыбельная, экспромт, дуэт и галоп) Бизе составляет«Маленькую оркестровую сюиту». Исполненная впервые 2 марта 1873 г., сюита изначально была воспринята лишь как «красивая музыкальная шутка». Однако со временем сочинение по праву стало репертуарным. Из фортепианных пьес — «рисунков одним тоном, где разнообразие достигается лишь эффектом светотени» — миниатюры заблистали яркими оркестровыми красками. Экономно и филигранно расходует композитор «краски» для своих сочинений. В «Марше» это свистящая флейта пикколо, гнусавые гобои и фаготы, воинственные трубы и барабан, а в «Колыбельной» — нежные, певучие виолончели и скрипки с сурдинами. В «Экспромте» — струятся фигурации альтов и стаккато деревянных духовых, в «Дуэте» общаются между собой струнные, а в «Галопе» возникает эффектная цепочка из всех инструментов оркестра.

Клод Дебюсси(1862-1198)

вошел в историю музыки как яркий представитель импрессионизма, его основатель и идеолог. В конце XIX ‒ начале XX веков он стал властителем дум не только во Франции, но и во всем мире. Он пришел на смену Вагнеру и начал новую эпоху в музыке. Сам Дебюсси был не согласен с применением термина «импрессионизм» по отношению к своему творчеству. Однако история распорядилась иначе.

Импрессионизмв музыке берет начало в 90-х годах XIX века. Его родоначальниками считаются такие французские композиторы, как Клод Дебюсси, Эрик Сати, Морис Равель. Новое направление взялось не из воздуха. Его корни растут из романтизма. Очень большое влияние на музыкантов оказал немецкий композитор Рихард Вагнер.Музыка теперь стремится передать неуловимые впечатления и движения чувств, используя новые гармонические инструменты. Классический строй музыкального произведения, по мнению импрессионистов, изжил себя. Гармония больше не зависит от мелодики, давая возможность аккордам звучать свободно, выражая определенное настроение. Произведения импрессионистов имеют яркую эмоциональную окраску. Они сознательно отказываются от классического драматизма, предпочитая пейзажи и жанровые сцены. Музыканты чаще пишут короткие произведения ‒ сюиты, музыкальные миниатюры. Нередко обращение к народной, экзотической и восточной музыке, к сказочным или фантастическим сюжетам. Композиторы используют расширенные гармонические комплексы, отдают предпочтение чистому и контрастному тембровому звучанию. В отличие от больших симфонических оркестров, обходятся малым количеством инструментов. Классическое сочетание ‒ флейта и арфа.Импрессионисты, особенно Дебюсси много приёмов заимствовали из русской музыки (Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков).

Своим творчеством Дебюсси пытался отстоять национальную музыкальную традицию Франции. Мировое же значение этого композитора заключается в его принципиальном и новаторском взгляде на гармонию, ритм, мелодию музыкального произведения, глобальном обновлении «музыкального языка». Подобно художникам-импрессионистам, он смог изобразить в музыке неуловимые эмоциональные переживания и настроения, красоту природы и жизни. Его творчество оказало огромное влияние на развитие музыки не только Франции, но и других стран в течение первой половины ХХ века.

Выделяют 3 периода в творчестве французского композитора:

1. Дебюсси поддается влиянию творчеств Массне, Гуно, Вагнера, Мусоргского и Листа. Отличительная черта этого периода — широкий диапазон жанров. Он пробует себя в романсовой лирике, вокально-симфонической области, фортепианной сфере. Музыкальные произведения этого периода: «Забытые ариетты» по Верлену, «Пять стихотворений Бодлера», «Весна», «Блудный сын», «Дева-избранница», «Маленькая сюита», «Бергамасская сюита». 

1. В период 1892 – 1902 годов композитор достиг полного творческого расцвета, выработал свой стиль. Импрессионизм в музыке Клод Дебюсси полностью проявился в шедеврах «Послеполуденный фавн», который современники оценили как манифест музыкального импрессионизма, а также трех «Песнях Билитис», «Ноктюрнах». В 1899 г. Дебюсси получает приглашение от русской меценатки Надежды фон Мекк приехать в Россию. Служа учителем музыки в этой семье, Дебюсси не только получил возможность путешествовать по Европе, но и приобщиться к культуре России. За два года Дебюсси познакомился с творчеством Чайковского, Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина. Проникся он и любовью к русской народной музыке.

1. Композитор отклоняется в сторону неоклассических исканий, создав симфонию «Море». Его новые сочинения уходят от утонченности к более мужественному и сильному искусству, к большей материальности. Примером этого служат фортепианный цикл «Детский уголок», оркестровая трилогия «Образы», балеты «Кама», «Игры»  и «Ящик с игрушками», две тетради прелюдий Клода Дебюсси. В количественном отношении итог творческой деятельности композитора представлен: одной оперой, трема одноактными балетами, рядом симфонических партитур, произведениями для сольных инструментов с оркестром, четырьмя камерными произведениями, музыкой к мистерии. Он является автором более 80 пьес для рояля, столько же написал романсов и песен.
   
   

Сюита для фортепиано «Детский уголок»

Сюита сочинялась постепенно.Дебюсси закончил ее в 1908 году(«Серенада кукле» №3 была опубликована уже в 1906 году). Композитор посвятил сюиту своей дочери Эмме Клод. Музыка этого произведения учит юных музыкантов наслаждаться красотой звучания фортепиано, гармонии, свежестью и чистотой сочетания диатонических звуков.

«ДокторGradusadParnassum»-первая пьесасюиты.Клод Дебюсси, подобно своим великим предшественникам – Шопену и Листу, создал это высокохудожественное произведение в жанре этюда. Как в учебном этюде (Тональность До-мажор), здесь есть определенная техническая задача- добиться ровности и беглости пальцев.Поэтому на протяжении этюда (за исключением центрального эпизода) выдержана фактура с характерным ровным бегом шестнадцатых.Композиция пьесы классически строга: это сложная трехчастная форма с кодой. В пьесе развивается идея общего крещендо-динамики, красочности гармонии, неуклонного расширения диапазона и объёма звучания (как мысль о восхождении к вершинам мастерства).

Этюд начинается в сумрачно-низком регистре, а затем постепенно переходит к прозрачно- звонком, высоком, где в ликующей кульминации блистают резкие сочетания красок мажорных аккордов.С первых тактов привлекает внимание необычный колорит звучания строгой диатоники. Выдержанный тонический органный пункт напоминает клавирные прелюдии Баха.На протяжении этюда такие выдержанные звуки (не только тонические) становятся опорными. Их, словно маленькие облака, окутывает прозрачная фактура шестнадцатых.

Иногда в звуковую ткань вкрапляются яркие звуки- восклицания. Это характерные приёмы изложения музыкального материала у Дебюсси. Преобладание тихой динамики заставляет внимательно вслушиваться в прозрачный звуковой поток, улавливать игру бликов утонченной красочной гармонии.

Две последующие пьесы («КолыбельнаяДжимбо»и «Серенада кукле»)посвящены любимым детским игрушкам- слону и кукле.

«Колыбельная Джимбо» -звучит ласково и в то же время забавно, потому что её «поет» слон. Мелодия звучит в низком «слоновьем» регистре. В пьесе есть и необычные для колыбельной черты: синкопы в ритмическом рисунке, редкий, «экзотический» лад. Эти черты мирно уживаются с традиционными чертами колыбельной.

«Серенада кукле» - необычайно легка и изящна по звучанию. Кукла так красива, что для неё хочется спеть серенаду, ведь когда- то рыцари пели серенады для прекрасных дам. В этой пьесе композитор добился легкого и прозрачного звучания, своеобразно используя интервалы кварт и фортепианную фактуру.

«Снег танцует»- самая большая и сложная пьеса сюиты. По необычайной живописности звучания, по богатству оттенков настроений она превосходит остальные пьесы «Детского уголка». В ней заметно влияние зимних образов Чайковского (Первая симфония и др.) Пленяет здесь удивительная тонкость оттенков и свойственная всей музыке щемящая печаль. Несмотря на сравнительно значительные размеры пьесы, она слушается без утомления благодаря эмоциональной содержательности. Вместо созерцания суетливо-беспокойного полета танцующих снежинок мы слышим легкие торопливые удары звуковых «капелек». С присущим ему мастерством Дебюсси пластически меняет эмоциональную окраску, и «музыка» снега кажется то маняще привлекательной, то удивительно грустной. В некоторых тактах печаль волнующе усиливается: слышны уже стоны, плач — и трудно распознать: плачет ли вьюга пли несчастный ребенок, застигнутый непогодой. Затем музыка ненадолго становится настойчиво тревожной, а после репризы первой темы постепенно затихает и стушевывается. Связь образа снега с печалью сохранится у Дебюсси и впоследствии.

«Маленький пастух» -самая поэтичная пьеса цикла. Она навеяна пастушьими наигрышами. Мечтательный пасторальный характер музыки создают две контрастные темы. Первая, чуть печальная, импровизационно-прихотливая, звучит в характерном флейтовом регистре. Она чередуется с другой - изящной, чёткой по ритму, отдалённо напоминающей танец. Обе мелодии развиваются вариационно, восхищая новыми гармоническими красками, придающими им каждый раз новое освещение.

«Кукольный кэйк - уок»-блестящий финал сюиты. Кэйк-уок – танец американских негров. В переводе с английского означает «шествие с пирогом» (пирог- награда лучшему танцовщику). Яркая, упругая по ритму пьеса Дебюсси пародирует модный танец регтайм («неровный», «рваный ритм»). Американские остро ритмованные танцы Дебюсси высмеивал в одной из своих статей. Ирония присуща и музыке кэк-уока (насмешка ощутима и в самом названии:«Golliwogg’s Cakewalk»; ведь «golliwog» по-английски значит не кукла вообще, а кукла-урод, пугало.) Блестяще подражая в «Кукольном кэк-уоке» звучаниям эстрадного оркестра (в частности, ударным и медным), Дебюсси одновременно прибегнул и к совсем иной иронии — по адресу композитора Вагнера. Согласно сохранившемуся преданию, Дебюсси обещал первому исполнителю «Детского уголка» пианисту Гарольду Бауэру (ревностному поклоннику Вагнера) заставить его публично смеяться над своим музыкальным идолом. Тот был в полнейшем недоумении. Но после исполнения «Детского уголка» Дебюсси указал Бауэру на фрагменты из «Кукольного кэк-уока», где вслед за цитатой из «Тристана и Изольды» следует музыка, как бы подражающая смеху.

Клод Дебюсси стал первым из европейских композиторов XX века, включившим новый джазовый ритм в музыкальный словарь классической фортепианной музыки.

Вильям Гиллок (1917 – 1993) - один из ярких американских педагогов и создателей фортепианной музыки для детей и юношества. Его произведения звучат на музыкальных фестивалях и конкурсах всего мира. Автор огромного творческого наследия, Вильям Гиллок является также создателем нескольких музыкальных образовательных организаций, множества творческих конкурсов. Был награжден премией за заслуги в музыкальном образовании, а также занесен в книгу «Кто есть Кто для американской нации», отмечен разными высокими национальными обществами, как активный новатор и пропагандист, преподаватель и композитор. Американская государственная ассоциация музыкальных клубов в свое время вручила Гиллоку Национальную американскую награду «За выдающиеся достижения в музыке».

За рубежом произведения Вильяма Гиллока давно считаются современной классикой фортепианной детской музыки,однако в нашей стране его творчество известно гораздо меньше. Музыка, написанная Вильямом Гиллоком, уникальна разнообразием форм и жанров, тем и образов, творческих находок. Его музыка отличается особой мелодичностью, современностью интонаций, тонкой гармонизацией, изысканной пианистичностью, удобно «ложащейся на пальцы» фактурой.

Вильям Гиллок родился 1 июля 1917 года в штате Миссури. В возрасте 3-х лет у мальчика проявился интерес к музыке, и он начал обучение игре на фортепиано, а немного позже стал заниматься и композицией.

С детства в нем проявился незаурядный и самобытный талант, как композитора, так и исполнителя. Его первый учитель Луиза Райт, отмечая индивидуальность стиля и понимая, что перед ней – один из талантливых будущих композиторов Америки, пророчила Вильяму музыкальную карьеру.

Названный в честь своего мелодического дара «Шубертом детских композиторов», Гиллок написал множество пьес для фортепиано для учащихся всех возрастов. Вильям Гиллок сочетает яркий дар мелодиста с простотой фактуры, не перегружая исполнителя технически. Поэтому пьесы этого автора так нравятся детям. Дети влюбляются в музыку Гиллока с первых нот. Она отличается яркой образностью, трогательной простотой и свежестью. Это именно та музыка, которую дети разучивают с большим желанием и удовольствием!Главный девиз композитора Гиллока: «живучесть мелодии и ритма в произведениях, которые ученики ХОТЯТ играть». Этот девиз прошел красной нитью через его образовательные курсы и многочисленные мастер-классы, которые Вильям Гиллок давал на протяжении долгих лет. Тысячи учителей и учеников воспитаны на его произведениях, которые хочется играть!

В 50-е годы XX века Вильям Гиллок жил в Новом Орлеане, где руководил частной студией, вел большую педагогическую работу, а также проводил многочисленные концерты и был активным участником различных музыкальных Организаций. В Орлеане Гиллок написал для своего племянника 10 пьес и почувствовал радость сочинительства. Тогда он решает написать новую серию миниатюр для фортепиано. Под влиянием ХТК И. С. Баха и этюдов Ф. Шопена, Гиллок написал по пьесе в каждой тональности, чтобы помочь исполнителям освоить их и обрести уверенность в овладении фортепиано. Таким образом, родился цикл романтических прелюдий, состоящий из 24 разнохарактерных пьес с различными техническими трудностями во всех тональностях.Композитором написаны не только фортепианные миниатюры, но и сонатины, этюды, произведения в классическоми джазовом стиле.

Вильям Гиллок написал для учеников более 400 сольных пьес и 18 произведений для фортепианного ансамбля разного уровня сложности: в 4, 6 и даже в 8 рук. Ансамбли Гиллока отличаются необыкновенной яркостью. Многие из них имеют колорит музыки разных стран.

Главной целью Вильяма Гиллока было – увлечь детей и молодых людей музыкой. Он создавал аранжировки народной и популярной музыки, переложения произведений классических композиторов. Среди них – отрывки из балета Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик» и для одного исполнителя, и в 4 руки – это Марш, Трепак, Танец Феи драже.

Посвятив всего себя активной просветительской, музыкальной и композиторской деятельности, вторую половину своей творческой жизни Вильям Гиллок провел в Далласе, где он на протяжении 21 года был первым и единственным судьей Гильдии Юных Пианистов. Там, в Далласе 7 сентября 1993 года после длительной болезни Вильям Гиллок ушел из жизни.

«Детский альбом»

Большой популярностью пользуется «Детский альбом» Вильяма Гиллока– сборник из 22-х пьес. В небольших миниатюрах – музыкальные образы детских игр и сказочных персонажей, зарисовки природы, впечатления от праздников и путешествий в далекие страны.Эти  небольшие программные пьесы, требующие очень ясного показа музыкального образа, призваны помочь начинающему пианисту преодолеть распространенные технические сложности игры на фортепиано, особенно работу над звукоизвлечением, сложности педализации (используются две педали) и агогики. Дети вплотную знакомятся с простой трехчастной формой, в которой написано большинство пьес альбома.

Пьесы, представленные в сборнике «Детский альбом», являются хорошим пополнением учебного репертуара учеников ДМШ.

Фиеста -красивая пьеса для фортепиано   в стиле танго; малоизвестная в России, но одна из самых играемых в творчестве Гиллока. Фиеста входит в программу детских фортепианных конкурсов во Франции. В тексте много повторных структур в мелодии и в ритме. При этом ритм заковыристый, изобилующий синкопам. Синкопы в Фиесте переходят из руки в руку по очереди, что дает дополнительную тренировку на координацию рук.В синкопированном ритме Фиесты  присутствует точность, острота, выверенность–как в танго .

Фламенко–пьесав быстром темпе и с испанским характером.Фламенко - это песни и танцы Южной Испании – Андалусии. Своим происхождением этот музыкально-танцевальный стиль обязан цыганам. В XV веке они пришли в Испанию с Востока и принесли свою музыку и танцы. Говорят, что фламенко - это образ жизни, «душа» Испании, способ выражения эмоций. Сущностью фламенко остается песня. Поет обычно мужчина с резким, грубым голосом. Вслед за песней начинаются танцы фламенко, которые выражают те же эмоции, что и слова песни. Ноги, руки и все тело исполнителя находится в постоянном движении, но он сам остается практически на одном месте. Даже если вы не понимаете слов, эмоции исполнителя вам будет понятны. Радость, отчаяние, ненависть, любовь – все это фламенко.Пьесу «Фламенко» отличает разнохарактерность частей. В отличие от ритмичной задорной первой части середина звучит мягче, и более плавно. В пьесе также есть речитативность за счет фермат.

Этюд ми-минор («Стрекоза»)может стать первой виртуозной пьесой для маленьких учеников; он разовьёт беглость пальцев; подарит ребёнку первую радость от виртуозной игры. В технике подкладывания на фортепиано этот этюд отлично заменит «скучные» гаммы или ломаные арпеджио! При работе с виртуозной пьесой«Стрекоза» юные ученики также впервые учатся работать с метрономом.

Тарантелла– это южно-итальянский народный танец. С историей тарантеллы связано много легенд. Начиная с XV в. в течение двух столетий тарантелла считалась единственным средством излечения «тарантизма» — безумия, вызываемого, как полагали, укусом тарантула, паука, название которого так же как и танца, происходит от названия южноитальянского города Таранто. По легенде, для того, чтобы выжить после укуса тарантула, надо раздавить паука и танцевать на нём несколько часов или даже дней под стремительную музыку, пока окончательно не поправишься.

Танец возник в Неаполе и применялся для ухаживания за девушкой и исполнялся парой. Часто так бывало, что один старался танцевать быстрее другого и в итоге танец превращался в состязание кто кого перепляшет. Для музыкантов в этом случае главное – не зевать, а поддерживать нужный темп. 

Сарабанда- изначально ведет происхождение из Латинской Америки, позже появился в Испании, где являл собой танец с использованием кастаньет и имел вольные движения из-за чего католическая церковь его запретила.

Через 200 лет Сарабанда появилась вновь и стала исполнятся на похоронах, музыка к ней писалась на заказ в минорном ладе. В XVII—XVIII вв. облагороженный вариант этого танца распространился в Западной Европе как бальный танец, ко второй половине XVIII в. потерял свою популярность. Танцевали сарабанду с сопровождением гитары или пения с флейтой и арфой.

Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве русских композиторов.

История русской музыки для детей уходит своими корнями в народное музыкальное творчество, искусство фольклорных «малых» форм. Песни, прибаутки и присказки, игры с пением послужили той основой, на которой возникла музыка русских композиторов для детей. Можно предположить, что первые её образцы появились в XVIII веке, т.е. в период становления национальной русской композиторской школы. Но основные произведения детской музыки появились позднее, во второй половине XIX века, в эпоху блестящего расцвета русского музыкального искусства. Именно тогда были созданы те фортепианные пьесы, песни, детские оперы, на которых было воспитано не одно поколение русских детей.

О сновоположником детской музыки, этой интереснейшей страницы творчества русских композиторов, по праву считается Чайковский П.И.(1840-1897)

Детская тема проходит сквозной линией через все творчество Чайковского. Это и детский педагогический репертуар (Детский альбом, 12 пьес средней трудности, «Хор насекомых и цветов»). Кроме того, это произведения, которые могут быть адресованы детскому восприятию; в них, как правило, использованы сказочные образы и сюжеты (Детские песни, балеты «Щелкунчик», «Спящая красавица»). Значительным произведением Чайковского для детей были его 16 «Детских песен», представляющих собой прежде всего музыку для семейного музицирования, рассчитанную на душевную беседу детей и взрослых. Детская тема неотделима от материнской любви. Поражает обилие колыбельных песен в творчестве Чайковского, пристрастие композитора к претворению этого жанра не только в вокальной, но и в инструментальной музыке.

Чайковский был первым русским композитором, создавшим для детей альбом фортепианных пьес. Сочиняя «Детский альбом», композитор осуществлял свой давний замысел – «содействовать по мере сил к обогащению детской музыкальной литературы, которая очень не богата. «Детский альбом» был написан летом 1878 года. Пьесы представляют собой своеобразную сюиту и задуманы как цепь интересных для детей музыкальных рассказов-картин о путешествиях, играх, природе, о детских радостях и печалях. Его пьесы учат детей основам образного, содержательного исполнительства, учат понимать технику не как цель, а только как средство, помогающее воплотить художественный замысел. Композитору удалось найти такие приёмы изложения, которые позволяют юному исполнителю понять и ясно раскрыть содержание каждой пьесы. В «Детском альбоме» учтены для этого даже физические возможности детских рук: во всём сборнике нет ни одной октавы или аккордов в широком расположении, в основном используется средний регистр клавиатуры. Сборник прочно вошёл в детский педагогический репертуар и является едва ли не самым любимым произведением маленьких пианистов всего мира.

О дной из наиболее ярких страниц в истории русской музыки для детей являются произведения Анатолия Константиновича Лядова(1855-1914) Композитор, дирижер, участник Беляевского кружка. Мастер симфонической и фортепианной миниатюры, автор вокальных циклов для детей на народные слова.Жизнь и творчество А. К. Лядова связаны с Петербургом, с русской музыкой. Русские сказки всегда восхищали А. Лядова своей загадочностью, причудливой фантастикой. Они будили его воображение, превращаясь в красочные музыкальные образы, которые он передавал в своей музыке детям. Наиболее полно и совершенно талант композитора-миниатюриста выразился в красочных оркестровых сочинениях « Баба-Яга», «Кикимора».

Фортепианные произведения Лядова отличаются яркой самобытностью и оригинальностью, им присуща особая поэтичность и сдержанность в выражении чувств. В подавляющем большинстве это миниатюры, иногда объединённые в циклы: «Бирюльки», «Арабески». Среди фортепианных сочинений - изящные программные миниатюры- «Музыкальная табакерка». «Куколки», создающие почти зримое впечатление танцующих кукол. Значительное место в его творчестве занимают и непрограммные сочинения: богатели, прелюдии, вальсы, мазурки. Подлинным шедевром является эпическая баллада «Про старину». Это самое яркое из произведений Лядова, приближающихся к эпической сфере. Это программная пьеса, навеянная образцами народного творчества и шедеврами музыкальной классики Глинки и Бородина.

Модест Петрович Мусоргский (1839-1881)

Автор опер «Борис Годунов», «Хованщина», фортепианного цикла «Картинки с выставки», песен и романсов, Мусоргский чутко вслушивался в интонации разговорной речи и затем мастерски воплощал их в своих произведениях. Композитор был великим мастером речитатива. Эта наблюдательность Мусоргского проявилась при создании вокального цикла «Детская» на собственные слова(1868-1870).Эти прелестные романсы- сценки (всего их пять) -плод дружеского общения композитора с детьми В.Стасова, друга Мусоргского, русского критика. С нежностью и юмором в романсах «С няней», «В углу», «Жук», «Кот Матрос» композитор рисует детские портреты, сценки из детской жизни.

Продолжая традицию XIX века, многие отечественные композиторы в XX веке создают яркую интересную детскую музыку. Именно на эту эпоху пришелся расцвет детской музыки, ранее она была доступна детям только из высших социальных слоёв общества. Среди крупных произведений для детей — симфоническая сказка "Петя и волк" С. С. Прокофьева. Многие произведения советских композиторов написаны на сюжеты сказок: оперы "Маша и Медведь" и "Морозко" М. И. Красева, "Сказка о рыбаке и рыбке" Л. А. Половинкина и др. Балеты: "Аистёнок" Д. Л. Клебанова, "Доктор Айболит" И. В. Морозова (по К. И. Чуковскому) и др. Дети с удовольствием играют ,поют и слушают музыку В. Гаврилина, С Слонимского. Б. Тищенко, Э. Тамберга, А. Шнитке, Э.Денисова, С.Баневича, Е.Крылатова. Много песен и инструментальных произведений написано советскими композиторами для детского радиовещания, к спектаклям детских драматических театров, детским фильмам. В 1935 основан Московский детский музыкальный театр — единственный в мире.

Майкапар Самуил (1867-1938) -старейший представитель советской музыки для детей. Полное собрание сочинений Майкапара невелико- около 200 наименований, большинство из которых – фортепианные миниатюры, умещающиеся на одной или двух страничках. Пьесы Майкапара печатались в Германии, Австрии, Англии, Франции, Америке. Среди его сочинений - фортепианные пьесы, романсы и сочинения для камерного ансамбля. Подавляющее большинство детских фортепианных пьес Майкапара – это программные произведения, которые стремятся пробудить фантазию детей с помощью их характерных названий, т.е. путём ассоциативного сопоставления звуковых образов с явлениями и эмоциями, хорошо детям знакомыми. 

Качества, присущие музыке Майкапара, характеризуют его как «детского» композитора: жизненность и образность содержания, отсутствие искусственности, нарочитости, надуманности простота, искренность, лаконичная законченность всех музыкальных произведений.  Как и многие композиторы в то время, он получает два образования. Майкапар заканчивает юридический факультет Санкт-Петербургского университета и Петербургскую консерваторию (сразу как композитор и пианист).

Исполнительская карьера Майкапара продолжилась в Вене, где он проходил стажировку у знаменитого пианиста Т. Лешетицкого. Пройдя «годы учения», он заявляет о себе как о думающем и ярком исполнителе (высоким достижением стал цикл из 7 концертов, в которых Майкапар-пианист исполнил все 32 сонаты Бетховена).

Открытия, которые Майкапар делал в ходе исполнительской карьеры, он систематизирует и передает своим ученикам. Ещё в 1901-1903 годах он выступил организатором и руководителем музыкальной школы в Твери, в 1910 г. композитор начинает преподавать в своей родной консерватории, параллельно он пишет методические и научные труды, обращенные к  исполнителям, педагогам и ученикам («Музыкальный слух», «Значение творчества Бетховена для нашей современности»,  «Как работать на рояле», «Годы учения» (автобиографическая книга) и др.) После 1917 года композитор преподавал в музыкальных школах Ленинграда.

Вместе с Е.Ф. Гнесиной, А.Ф.Гедике, А.П. ГладковскимМайкапар принадлежит к числу первых авторов советской детской фортепианной музыки. Его фортепианные пьесы привлекательны своей грацией и изяществом, оригинальным музыкальным языком, использованием полифонии, умением внести элементы исполнительского эффекта в самые простые пьесы.В разные годы он сочиняет циклы и сюиты для начинающих пианистов: «18 маленьких новеллет для фортепиано», «Театр марионеток», «6 колыбельных сказочек», Соната для юношества, «Первые шаги»  (для фортепиано в 4 руки) и др. «Первые шаги»,адресованный самым маленьким детям, был выстроен композитором в порядке возрастания ритмических и технических трудностей. Каждая пьеса ставит определенную задачу перед юным исполнителем: нюансы, темп, характер, динамика. 

Фортепианный цикл «Бирюльки»

Классическим произведением для маленьких детей являются широко популярные «Бирюльки»,он стоит в одном ряду с такими сборниками, как «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах» (1725г.) И.С.Баха, «Детский альбом» П. Чайковского, «Альбом для юношества» Р. Шумана.

Созданный в 1925 -1926 гг. цикл «Бирюльки» вот уже почти 90 лет пользуется неизменной любовью как юных музыкантов, так и педагогов. Пьесы сборника отличает все то, что отличает истинные шедевры – вдохновение, идеальная стройность формы, совершенная отделка деталей.

Сейчас мало кто знает, что такое бирюльки. Когда-то, давным-давно, это была любимая игра детворы. На стол высыпались кучкой очень маленькие игрушечные вещички – бирюльки. Чаще всего это были вырезанные из дерева чашечки, кувшинчики, палочки и другие кухонные предметы. Бирюльки нужно было достать маленьким крючком, одну за другой, не пошевелив остальные. Маленькие пьески С.Майкапара напоминают те самые бирюльки из старинной игры. Увлекая ребёнка лёгкими, интересными и разнообразными пьесами, композитор как бы шутя ведёт его к более сложным заданиям.

«Бирюльки» Майкапара можно сравнить со стихами и сказками Маршака, так как для творчества обоих художников характерно тонкое понимание образной природы детского мышления, умение говорить с ребёнком простым, ярким и лаконичным языком.Многие встречались с этими пьесками, когда обучались игре на фортепиано.  Легкие миниатюры с яркими названиями захватывают воображение малышей.Майкапар большое внимание уделял нахождению образа, который будет понятен и доступен маленькому слушателю и исполнителю, также тщательно композитор подбирал названия к каждому номеру.

Все пьесы лаконичны и детально продуманы: веселый и простой наигрыш звучит в миниатюре «Пастушок», большие скачки, охватывающие всю клавиатуру, передают размашистую походку скорохода в пьесе «Семимильные сапоги», опора на русскую народную песенность слышна в «Сказочке», которую будто рассказывает старая бабушка.

Цикл состоит из 26 пьес (6 тетрадей). Так как обыкновенно пьески эти встречаются разрозненно в сборниках и хрестоматиях, педагогам сложно подметить общую идею цикла: а она заключается в том, что в «Бирюльках» композитор продемонстрировал все 24 тональности. (В тональностях без знаков написаны сразу 4 номера, отсюда небольшое несоответствие: 24 тональности, но в цикле 26 пьес).

«Бирюльки» С. Майкапара – уникальный цикл пьес для детей: он знакомит юных пианистов со всеми тональностями, как и «Хорошо темперированный клавир» Баха, но при этом говорит с ними на романтическом музыкальном языке. «Бирюльки» вводят юного пианиста в мир Мендельсона, Шумана, Чайковского, Грига… Романтическая музыка не имеет другого такого цикла пьес во всех тональностях для начинающих», — отмечает А. Майкапар, музыковед, внук композитора С. Майкапара.

Кроме разнообразия тональных красок в цикле можно встретить самые различные типы фактуры и связанные с ними всевозможные исполнительские задачи (подголосочная полифония, мелкая пальцевая техника, скачки, аккорды и т.д.). 

Все пьесы цикла имеют названия, они или программны, или жанрово определены. Каждое произведение отличает тематическая завершённость, цельность изображения, ясный характер изложения. Названия пьес подсказывают нам содержание миниатюры, помогая развернуться творческой фантазии. В каждой пьесе раскрывается один определённый музыкальный образ. Темы обычно непротяжённые, но очень яркие и мелодичные. Простыми и лаконичными средствами композитору удаётся достичь почти зрительного эффекта, глубокой образной выразительности.С.Майкапар дает подробные указанияпо разнообразнейшим штрихам,по аппликатуре,по характеру исполнения, по темпу и использованию педали.Произведения Майкапара отличают легкость, удобство, приспособленность к детской руке. Так плавность мелодической линии соединяется в его пьесах для начинающих с расположения руки в одной позиции, где соседние ноты берутся соседними пальцами. Прекрасные примеры этому – пьесы: «Пастушок», «В садике», где поступенность движения в одной позиции является замечательным приемом развития технических навыков.

Майкапар стремился пробудить фантазию детей с помощью ярких образов, наиболее полно отражающих содержание пьес.

• картины и зарисовки природы: «Осенью, «Облака плывут», «Мотылек», «Весною»;

• звукоподражательные пьесы: «Эхо в горах», «Музыкальная шкатулочка»;

• образно-изобразительные пьесы: «Колыбельная», «В садике»;

• музыкальные портреты: «Сиротка», «Пастушок», «Маленький командир»;

• пьесы настроения и чувства: «Мимолетное видение», «Тревожная минута»;

• танцевальные пьесы: «Полька», «Вальс», «Менуэт», «Гавот»;

• повествовательная музыка: «Сказочка», «Романс», «Легенда»;

• полифонические пьесы: «Песня моряков» (канон), «Прелюдия и фугетта».

 «Пастушок» Ясным солнечным днём он вышел на летний цветущий луг возле речки. Чтобы не скучать, он играет на маленькой свирели. Светлый, радостный наигрыш звенит над лугами.Использование регистров в пьесах Майкапара - один из наиболее действенных приемов фортепианной выразительности, никем из других композиторов столь часто не применявшийся. В этой пьесе Майкапар умело использует регистры инструмента. Чтобы мелодия звучала богаче, объемнее, композитор ведет ее октавами, на расстоянии четырех октав. Пьеса исполняется в достаточно подвижном темпе, легко, беззаботно. Ясное и четкое звучание шестнадцатых нот имитирует звучание свирели. Следует обратить внимание на изменение настроения в средней части пьесы. Здесь есть простор для фантазии, с чем связано изменение лада на минор. Возможно, среди ясного неба появились тучки, стал накрапывать дождь, возможно сам пастушок задумался о чем-то, вспомнил грустные моменты своей жизни.

«Маленький командир» Он очень воинственный, мужественный и отважный. Громким голосом он энергично отдаёт чёткие и уверенные приказы, акцентируя каждое своё слово. Мы не знаем, кому они предназначаются - оловянным солдатикам, мягким игрушкам или таким же друзьям-ребятишкам, как и он сам. Музыка нас убеждает, что любой приказ такого командира будет беспрекословно выполнен, потому что он сам полон твёрдости и решимости. Пьеса имеет размер ¾, тональность До мажор. Дети работают над пьесой с особым удовольствием, т. к. им близок характер пьесы. Первоначальной задачей является точный чеканный ритм, передающий характер «маленького командира».

«Мотылек».Первоначальное ее название «Эльф». Легко представить легких нежных мотыльков, легко порхающих над цветами. Высокий регистр, прозрачность изложения точно передаёт характер перелетающего с цветка на цветок маленького мотылька.Здесь встречается характерный для Майкапара прием – чередование рук, когда во взятые отдельно каждой рукой звуки или группы звуков объединяются в одно целое. Музыка звучит то отрывисто, то плавно. Но плавные движения очень короткие, они прерываются порывистыми. Это создаёт трепетный, робкий характер, показывает беззащитность мотылька.Он становится незаметным, притаившись на цветке( как в окончании средней части), чтобы в конце пьесы .быстро вспорхнув, улететь.

«Мимолётное видение».Какой образ здесь хотел запечатлеть композитор? Хотел рассказать о красивом нежном мотыльке, легко порхающем над цветами на лесной поляне, о птичке, волшебно светящемся светлячке или сказочном эльфе? Что здесь услышит ученик? Это зависит от его воображения.Музыка лёгкая, воздушная, нежная и танцевальная.Чередуются отрывистые, лёгкие звуки и кружащие, порхающие, плавные мелодии. Музыка звучит нежно, высоко, отрывисто, очень тихо. В ней встречаются одинаковые интонации, похожие на кружение или взмахи лёгких крылышек.В средней части мелодия перемещается из верхнего регистра в нижний, более тёмный. Музыка становится настороженной, тревожной, таинственной и загадочной, звучит с остановками, осторожно, неуверенно, вопросительно.Внезапно движение прекращается, звучит таинственная пауза - видение исчезло. Но вот опять появляется знакомая мерцающая интонация. Мелодия поднимается в высокий регистр и исчезает совсем.

Танцевальные пьесы, которые композитор С. М. Майкапар включил в свой фортепианный цикл, производят впечатление «игрушечной» музыки и вызывают в воображении бал, но необычный, а кукольный. Представленные в цикле танцы: Полька, Вальс, Менуэт, Гавот - как никакие другие подходят для такого бала.

«Полька»Подвижный танец с подскоками. Слово «полька» означает полшага. Музыка «Польки» Майкапара оживлённая, жизнерадостная, лёгкая. Поскольку она звучит в очень высоком регистре, то производит ощущение «кукольности».

«Вальс» Более плавный и лирический бальный танец танец. Слово «вальс» означает «вращательный» и, действительно в танце преобладают кружащиеся изящные движения.

«Легенда»Все дети любят сказки - весёлые, добрые, с чудесами и приключениями. Музыка тоже может рассказывать сказки, но не словами, а звуками - ласковыми, добрыми или таинственными, тревожными. Если проследить, как меняется окраска музыки, ее настроение, то становится понятным, о чем повествуется в сказке, рассказанной музыкой...

«Романс».Очень выразительная и глубокая по содержанию миниатюра Здесь выражены разные настроения. Сама песенная мелодия романса задумчивая, мечтательная, грустная. Она звучит медленнее, чем вступление, и заканчивается в каждой фразе направленными вверх вопросительными интонациями. Аккомпанемент напоминает звучание гитары.В середине пьесы мелодия звучит с волнением, беспокойством. Появившийся начальный аккордовый фрагмент меняет свою окраску, теперь он звучит в миноре. Начальная мелодия романса становится властной, решительной, но постепенно она смягчается. В заключении снова возвращается светлое настроение, и наступает успокоение, слышатся легкие, просветленные вздохи.

Произведения Майкапара - результат многочисленных проб и тщательного отбора интонаций, каждое название пьесы - не случайно наклеенный ярлык, а определение содержания, дающее возможность развернуться творческой фантазии юного исполнителя. Понимая, сколь важна для маленьких музыкантов образность, С.Майкапар очень серьезно относился к поиску возможно более ярких названий для пьес. Не всегда это были первые, приходившие на ум. Так, в первоначальном варианте «Тревожная минута» называлась «Беспокойство», «Мотылек» - «Эльф», «Легенда» - «Грезы», «Весною» - «Малютка». Вместо «Гавота» поначалу была задумана пьеса «Лунный свет».

Необычайно интересно знакомство с черновиками «Бирюлек». Они красноречиво свидетельствуют о том, как рождался и созревал цикл. Предметом заботы композитора было все – от расстановки исполнительских указаний до внешнего вида издания (прижизненные издания «Бирюлек» выходили, как это и было задумано автором, в шести отдельных тетрадях, при едином их художественном оформлении).Одни пьесы появились, как свидетельствуют черновики, сразу в законченном виде, другие же подверглись доработке и переработке. Так, не сразу появился «Маленький командир»: сначала родилась «Непрерывная работа». Она и явилась мелодическим зерном для «Маленького командира». Миниатюра в фа миноре – теперь это «Семимильные сапоги» - по первоначальному замыслу имела совершенно другую идею.

А.Т. Гречанинов (1864-1956)

Композитор А.Т. Гречанинов внес большой вклад в развитие детской музыкальной литературы XX века. Композиторский талант А. Гречанинова формировался в эпоху, когда русская музыкальная культура переживала небывалый расцвет. В 1881 году Гречанинов поступает в Московскую консерваторию, где занимается с В. Сафоновым, С. Танеевым, А. Аренским. Первые самостоятельные творческие начинания Гречанинова высоко оценил и поддержал Н.А. Римский-Корсаков. Наследие Гречанинова поражает масштабностью и разноплановостью: композитор активно работает в оперном жанре, обращается к симфонической и духовной музыке, пишет музыку к драматическим спектаклям, множество инструментальных и камерно-вокальных произведений. Популярность Александра Гречанинова и его музыки в то время конкурировала с популярностью Петра Ильича Чайковского. Он писал очень удобно для голосов (певцы и певицы были в восторге). Он писал для хора, вокального ансамбля. Он писал духовную музыку. И, наконец, он писал для детского мира, для которого в то время вообще ничего не было написано.

Отдельную страницу в творчестве Гречанинова составляет музыка, посвященная детям. В своей книге «Моя жизнь» композитор одну из глав называет — «Моя детская музыка» и признается: «…я обожаю детей и для меня было всегда большой радостью общение с ними. Когда сестра моя приезжала иногда к нам со своей четверней ребятишек погостить на Волгу, я забрасывал даже на некоторое время свою музыку и весь отдавался в распоряжение детворы. Увлекательные игры, в которых немалую роль играла фантазия и изобретательность, как детская, так и моя, катание на лодке, собирание грибов и цветов, пение хором песенок, большей частью народных, под аккомпанемент на рояле, — все это следовало одно за другим, и весельем и радостью наполняло наши дни. С детьми я всегда чувствовал себя равным им, мне не нужно было под них «подделываться». Этой способностью — как бы перевоплощаться в ребенка, вероятно, и нужно объяснить, что я с такой легкостью и с таким увлечением всегда сочинял музыку для детей». 

История рождения детской музыки Гречанинова тесно связана с педагогической деятельностью композитора, который вспоминал: «В Москве издавна существовала музыкальная школа сестер Гнесиных, из которых вышло немало первоклассных музыкантов. Я был приглашен в эту школу преподавателем теории музыки. Е.Ф. Гнесина, старшая из сестер, организовала детский хоровой класс. Несколько песенок Чайковского и Аренского – это все, что существовало тогда в русской музыкальной литературе этого жанра. Петь было нечего. Е.Ф. Гнесина обратилась ко мне с просьбой написать что-нибудь для детей. Я охотно взялся за дело…» 

Так родились двухголосные песенки на народные тексты – сборник «Ай-ду-ду!» (1903 г.), за этим сборником последовали следующие: «Петушок» (1907 г.), «Времена года» (1908 г.), «В деревне» (1908 г.). По просьбе Т.Л. Беркман, в школе которой Гречанинов руководил детским хором, композитором были сочинены первые детские пьесы для фортепиано, вошедшие в последствие в сборник «Детский альбом». Композитор сочинил множество небольших и технически несложных пьес для фортепиано, которые предназначались для начинающих музыкантов. Школа Гнесиных фактически жила его музыкой.

Свои фортепианные пьесы Гречанинов, как правило, объединял в «альбомы»: так появились «Дедушкин альбом» (1929 г.), «Стеклянные бусинки» (1929 г.), «День ребенка» (1927 г.), «На зеленом лугу» (1924 г.).Названия пьес, вошедших в «Детский альбом» (1923 г.) («Сказочка», «Солдатики маршируют», «Верхом на палочке», «Заболела няня», «Скучный урок», «Колыбельная», «После бала», «Я уже большая») и в «Дедушкин альбом» («Мама любимая!», «Нянина сказочка», «Марш», «Заболел котик», «На качелях», «На прогулке», «Праздники!»), красноречиво говорят о темах и образах, характерных для детской фортепианной музыки Гречанинова.

Помимо легких фортепианных пьес для маленьких слушателей и исполнителей композитор сочиняет и оперы. Светлая и наивная история о елочке, которая из леса мечтает попасть на праздник к детям легла в основу сюжета оперы Гречанинова «Елочкин сон» (1912 г.), полюбились детям и оперы композитора «Мышкин теремок», «Кот, Петух и Лиса».

Композитор также выделял в своем творчестве музыкальные страницы о детях, не предназначенные для исполнения начинающими музыкантами: «Довольно много написано мною также песен из детского мира и не для детского исполнения, сборники, «Снежинки» (1908 г.), «Курочка Ряба», «Тропинка» (1920 г.). Сочинял для детей Гречанинов с удовольствием, и это у него получалось очень легко. Он часто говорил: "Я обожаю детей... С детьми я всегда чувствовую себя равным им".  Все эти сочинения мелодичны, интересны по музыкальному языку.

«Музыка сделана с отменной деликатностью, — писал одиниз критиков о детской музыке Гречанинова — чистым вкусом и изяществом, что при меткой изобретательности, доступности мелодических линий, ясной задушевности придает ей немалую ценность».Другой рецензент писал: «Музыка Гречанинова для детей - едва ли не самый ценный вклад в небогатую детскую литературу. Его Сборник детских песен, обладая выдающимися музыкальными достоинствами –изящная мелодия, интересная гармонизация- вполне удовлетворяет педагогическим целям».

К теме детства Гречанинов обращался на протяжении всей своей творческой жизни.После революции 1917 года Александр Гречанинов несколько лет концертировал в качестве дирижёра и пианиста, а также продолжал работать с детскими хорами. Однако с каждым годом стареющему композитору становилось жить всё тяжелее и тяжелее – страна была разрушена революцией и гражданской войной. Поэтому, наверное, всё чаще в его музыке проскальзывало грустное настроение.

В первые годы Советской власти Гречанинов активно участвовал в музыкальной жизни: организовывал концерты-лекции для рабочих, руководил хором детской колониипод Москвой и близ Вольска на Волге, давал хоровые уроки в музыкальной школе, выступал в концертах, много сочинял.

Но в 1925 году в возрасте шестидесяти лет композитор уехал за границу и на родину больше не вернулся. Он прожил 14 лет во Франции (в Париже),  много сочинял, давал концерты. Гречанинов сочинял детскую музыку, преимущественно фортепианные пьесы и живя за рубежом, хотя педагогикой уже не занимался. Когда ему исполнилось 74 года, Александр Гречанинов решает переехать в Америку в город Нью-Йорк. Все годы пребывания за рубежом Гречанинов испытывал острую тоску по родине, мечтал вернуться на родину, но этому не суждено было осуществиться. Умер композитор в возрасте 92 лет (4 января 1956 г.) А детская музыка оказалась единственным поводом, по которому Советская власть хоть иногда разрешала вспоминать этого композитора.

«Детский альбом»

Ценным является вклад Гречанинова в детскую музыку. Именнос его детскими песнями и хорами, а также с фортепианными циклами связаны — наряду с детской музыкой Чайковского, Кюи, Лядова, Ребикова, Ипполитова-Иванова — основные завоевания дореволюционного школьного и внешкольного музыкального образования.Его сборники одноголосных и хоровых детских песен на стихи русских поэтов или на народные тексты, отличающиеся тонким сочетанием педагогических задач с разнообразием художественныхсредств, широко вошли в репертуар детских хоров. То же можносказать о детской фортепианной музыке Гречанинова.Гречаниновская детская музыка – яркая, образная и простая. Поистине детская наивность и чистота мелодики его миниатюр сочетается с тонкостью и нежностью гармонического колорита.

Так же, как и песни, так и инструментальные пьесы возникли в итоге живого творческого общения Гречанинова с детьми. Он вспоминает, что сочинил

В музыкальных школах сегодня дети с удовольствием играют его фортепианные пьесы.Очень популярны фортепианные сборники Гречанинова:«Бусинки», «На зеленом лугу», «Детский альбом», «Дедушкин альбом». То используя народные мелодии, то сочиняя сам в народном духе, Гречанинов создал замечательные образцы детской музыки, следуя примеру Чайковского, Лядова, Аренского, Ребикова. Эта музыка написана с прекрасным знанием исполнительских возможностей детей и составляет классический русский педагогический репертуар.

«Детский альбом» Александра Гречанинова был написан в 1923 году. В сборник вошли следующие пьесы: 1. Маленькая сказка. 2. В летнем лагере. 3. Марш. 4. В разлуке. 5. Верхом на лошадке. 6. На лужайке. 7. Недовольно. 8. Скучный рассказ. 9. Колыбельная. 10. Танец. 11. Необычное происшествие. 12. Этюд. 13. Мазурка. 14. Протяжная песня. 15. Вальс.

Все эти пьесы мелодичны, интересны по музыкальному языку, написаны для начинающих, и поэтому могут быть полезны детям для формирования исполнительских приемов, а также оказать помощь в воспитании аппликатурных навыков юных пианистов на доступном материале, ритмически простом, интонационно выразительном и небольшим по объему. В каждой пьесе можно обнаружить ряд проблем, затрагивающих как эмоциональную сторону исполнительства, так и имеющих инструктивный характер и требующих анализа особенностей музыкального языка и вырабатывание определенных координационных движений, способствующих накоплению слухового и двигательного опыта.

Например, в "Маленькой сказке" повествовательного склада каждая фраза исполняется на legato и синхронные действия рук направляют внимание ученика на сочетание горизонтальных линий двух голосов, произносимых активными, работающими "из ладони" пальцами при неподвижном запястье.

"Марш", "Скучный рассказ ", "Танец" - пьесы, помогающие педагогу наладить координацию ученика, направить его сознание на поиск таких движений, которые комфортны и естественны. Таким образом, формируется пианистическое мышление юного музыканта.

В "Колыбельной" на выдержанныйфа#, как на нить, нанизывается мелодия, состоящая из коротких мотивов. Длинный залигованный звук, удерживаемый первым пальцем, мобилизует слух ученика, способствует объединению мотивов в протяженную фразу. Можно предложить оркестровать фактуру, состоящую из мелодии, аккомпанемента и фона, тем самым заложив основы тембрального слуха, необходимого в полифонии.

Пьеса "Необычное происшествие ", написанная в басовом ключе, полезна и необходима в изучении. Она интересна уже тем, что звучит в низком регистре. Повторяющийся мотив необходимо исполнять интонационно и динамически разнообразно, развивая музыкальную фантазию ученика.

"Этюд"–пьеса токкатного плана на различные виды техники. Она требует от ученика организованности, согласованности движений в подвижном темпе цепкими кончиками пальцев, горизонтально смещая руки вдоль по клавиатуре.

Фортепианный альбом «Стеклянные бусинки»

Как известно, начало сборнику из 12 пьес «Стеклянные бусинки» положила работа над легкими фортепианными пьесами для детей, которые Гречанинов пишет по просьбе Т.Л. Беркман, в школе которой он некоторое время руководит детским хором. Свои фортепианные пьесы Гречанинов, как правило, объединял в «альбомы»: так появились «Дедушкин альбом» (1929 г.), «Стеклянные бусинки» (1929 г.), «День ребенка» (1927 г.), «На зеленом лугу» (1924 г.)

«В области детской музыки Гречанинов создал ряд подлинных шедевров, которые доказывают, что являются по-настоящему любящими проникновениями в своеобразный мир детей. В этих произведениях композитор входит в этот мир не как сторонний наблюдатель, а сам становясь ребенком.

«Кажется, что ни один художник не сумел раскрыть перед нами в такой волшебно- несложной форме все тайны чистой детской души, как это сделал Гречанинов»- так писали о композиторе газеты ещё до революции, называя его музыкальным Андерсеном.

Огромная популярность и исключительное удовольствие, которое маленькие музыканты получают от исполнения этих произведений, являются лучшим доказательством того, что Гречанинову удалось блестяще решить самую сложную проблему «детской музыкальной литературы» без неискренности или снисхождения обычного «детского композитора».

Названия пьес, вошедших в сборник «Стеклянные бусинки»красноречиво говорят о темах и образах, характерных для детской фортепианной музыки Гречанинова. Здесь мы встречаем портреты близких людей, окружающих ребенка: мамы и нянюшки, сценки игр, праздников и детских печалей, повседневные занятия, картины природы и народные сценки. В альбом вошли следующие пьесы: 1.Утренняя прогулка 2.Маленький попрошайка 3.Этюд 4.Грустная песенка 5. На велосипеде 6.Вальс 7. Тяжелая работа 8.Мой первый бал 9.Жалоба 10. В поле 11. Материнские ласки 12. На гармонике.

Утренняя прогулка. Мягко и прозрачно в светлой тональностиДо- мажор звучит аккуратная и спокойная мелодия, короткие фразы которой прозрачны как утренняя туманная дымка, слегка колеблющаяся от тёплого летнего ветерка. Эта мелодия в первых двух тактах нанизывается как на нить на выдержанный звук «соль» в верхнем голосе. Этот звук зовёт как свирель пастуха. Фактура пьесы прозрачна, просты тонико-доминантовые гармонические краски: все средства выразительности работают на создание образаутренней безмятежности и чистоты.

Маленький попрошайка. Возможно, пьеса «Маленький попрошайка» является эмоциональным откликом композитора на печальные уличные встречи первых послереволюционных лет. Не имевший своих детей Гречанинов в те годы с болью наблюдает за беспризорниками, вдруг неведомо откуда заполнившими улицы Москвы.

Яркая сюжетная картинка, напоминает незатейливый, но щемящий в своей простоте рисунок- лубок народного безымянного художника, какими было принято украшать крестьянские избы в XIX веке.

Выразительная, насыщенная широкими скачками мелодия с синкопированной ритмической фигурой напоминает сбивчивую речь ребёнка. Короткие прерывистые фразы-всхлипы придают звучанию проникновенный характер. Крайние части простой трёхчастной репризной формы звучат чуть более спокойно, а в среднем разделе мелодия и размеренный аккомпанемент поднимаются всё выше и выше, придавая звучанию трогательный оттенок.

Этюд.Пример этюда неконструктивного характера, где название означает скорее небольшую зарисовку, карандашный набросок картины. Облегченная трёхдольность (размер 6/8) придаёт пьесе черты вальсовости, а непрерывное движение создаёт ощущение кружения, словно танцуют на летнем лугу мотыльки или стрекозы.

Грустная песенка. Проникновенная мелодия в печальной тональности си- минор тщательно выговаривается в квадратно- симметричных выразительных фразах, сопровождаясь в левой руке простыми гармониями на слабых долях. Штрих стаккато придаёт этому аккомпанементу ощущение мимолётности и зыбкости. Слушателя будто что-то тревожит, что- то невнятное и щемящее.

На велосипеде. Подвижная скерцозная пьеса в сияющем радостью Ми-мажоре в стиле «вечного движения»(ритмических фигуры-триоли непрерывно и настойчиво крутят колёса). Аккуратные квадратные фразы то радостно летят вверх, то аккуратно съезжают вниз, изображая любимую детскую забаву-катание на велосипеде.

Вальс и Мой первый бал. Пьесы перекликаются между собой общей танцевально-жанровой природой, мажорным колоритом (тональности Ля-мажор и Ре- мажор), светлым мечтательным характером. Мелодия той и другой зримо изображает фигуры популярного танца, то пульсируя на месте, то устремляясь вслед за кружащейся фразой.

Жалоба.«Жалостливые»интонации малых терций и нисходящих секунд выступают в

неустойчивой гармонической окраске и завершаются ниспадающими разрешениями. Этой главенствующей интонационной фигурепьесы противопоставляются в среднем разделе короткие мелодические фразы в спокойно восходящих или ниспадающих более широких интервальных"шагах".

В поле. Пьеса звучит нежно и пасторально, напоминая пастуший наигрыш(авторское указание «В характере гобоя с некоторой свободой»).Вступление, создающее ощущение бескрайнего пространства размашистой октавой, изменчивый темп, выразительная мелодия, звучащая то в среднем, то в высоком регистре рисуют картину безмятежного сельского пейзажа - бескрайние луга и поля,переклички пастухов, играющих своим стадам на свирели.

Материнские ласки. Тёплая аккуратная мелодия, состоящая из коротких двухтактовых фраз как бы напевается невзначай. Мягкие колыхания мелодических волн напоминают движения ласковых маминых рук, нежных и любящих. Пьеса в размере ¾ с облегченным аккомпанементом звучит по-домашнему просто и ласково.

На гармонике. Забавнаянародно-жанровая картинка, словно бытовая зарисовка с натуры. Гармонические краски и фактура пьесы имитируют игру на народных инструментах. Вступительные такты и такты заключения прямо отсылают к пьесе «Мужик на гармонике играет» из «Детского альбома» Чайковского». Первый раздел развивает яркий частушечный мотив, сопровождаемый забавными форшлагами в аккомпанементе. Словно пению голоса аккомпанируют народные инструменты - балалайки и домры. Музыка следующего раздела бахвалится упругой темой, как деревенский гармонист своим коронным перебором.

Пьесы "Стеклянных бусинок» написаны для начинающих, и поэтому могутбыть полезны детям для формированияисполнительских приемов, а также оказатьпомощь в воспитании аппликатурных навыковюных пианистов на доступном материале,ритмическипростом, интонационно выразительном и небольшом по объему. В каждойпьесе можно обнаружить ряд проблем, затрагивающих как эмоциональнуюсторону исполнительства, так и требующиханализа особенностей музыкального языка и вырабатывание определенныхкоординационных движений, способствующих накоплению слухового идвигательного опыта.

Георгий Свиридов (1915-1998)-русский композитор, пианист, один из ос­но­во­по­лож­ни­ков и ведущих представителей сти­ле­во­го на­прав­ле­ния «но­вая фольк­лор­ная вол­на». Георгий Свиридов родился 16 декабря 1915 года в городе Фатеж, Курская область. Мальчик появился на свет в обычной семье. Отец являлся почтовым служащим, а мать учительницей. В 1919 году отец погиб в Гражданскую войну защищая советскую власть.С девяти лет Георгий жил в Курске. Здесь учился играть на рояле. Но вскоре занятия прекратились, так как гораздо больше, чем рояль, юного Свиридова привлекала балалайка. Юноша выучился играть на ней и поступил в самодеятельный оркестр русских народных инструментов. В 1929 году поступил в класс фортепиано местной, музыкальной школы. Через три года окончил школу и приехал в Санкт-Петербург, чтобы продолжить занятия музыкой. Обучался на фортепианном отделении Центрального музыкального техникума.

     В Северной столице семнадцатилетний юноша узнал много нового. Впервые в жизни побывал в оперном театре и на симфоническом концерте. Но главным открытием стало то, что оказывается, можно учиться сочинять музыку, и что в музыкальном техникуме существует даже специальное композиторское отделение. Свиридов задумал перейти туда.

     В 1936 году Свиридов поступил в Санкт-петербургскую консерваторию, где стал учеником Дмитрия Шостаковича. Начались годы упорного, напряженного труда, овладения композиторским мастерством. Георгий осваивал разные стили, пробовал свои силы в различных видах музыки: сочинил в консерваторские годы скрипичную и фортепианную сонаты, Первую симфонию, Симфонию для струнного оркестра.

     В июне 1941 года Георгий Васильевич закончил консерваторию. В первые же дни Великой Отечественной войны зачислен курсантом военного училища, но вскоре демобилизовался по состоянию здоровья. Еще в самом начале войны Свиридов написал первые свои песни для фронта. Еще до окончания войны, в 1944 году, Свиридов возвратился в Санкт-Петербург. За три года написал несколько крупных камерно-инструментальных произведений, отразивших события и переживания военных лет.

Самое своеобразное в творчестве Свиридова 1940-х годов, его вокальные сочинения: поэма «Песни странника», сюита на слова Уильяма Шекспира, новые романсы и песни на слова отечественных поэтов, появившиеся в 1948 году. Георгий много работал в театре и кино. Этот опыт помог ему в создании новых крупных сочинений, которые появились в начале 1950-х годов.

        В 1955 году Свиридов написал девять песен для баса с фортепиано на стихи Роберта Бернса в превосходном переводе Самуила Маршака. В ноябре 1955 года Свиридов, увлекшись поэзией Сергея Есенина, написал несколько песен на его стихи. За ними последовал ряд других, и в порыве высокого творческого вдохновения всего за две недели родилась многочастная поэма «Памяти Сергея Есенина».   

 Особое место в творчестве Свиридова занимает «Патетическая оратория» написанная в 1959 году для солистов, хора и оркестра на стихи Владимира Маяковского.Линия, идущая от «Патетической оратории», получила свое дальнейшее продолжение в очень динамичной музыке к кинофильму «Время, вперед!», которая многие годы выступала музыкальной заставкой к информационной телевизионной программе «Время», а также в оратории «Двенадцать» по поэме Александра Блока. Следом за ораторией написаны «Весенняя кантата» на стихи Николая Некрасова, кантата «Деревянная Русь» на стихи Сергея Есенина, несколько хоровых сочинений без сопровождения на его стихи «Вечером синим», «Табун», «Душа грустит о небесах», кантата «Снег идет» на стихи Бориса Пастернака.

     В 1960-е годы пристрастие композитора к песне, этой первооснове народной русской музыки обозначилось еще определеннее. Так, создан вокальный цикл «Курские песни», который явился вершиной творчества Свиридова тех лет и одним из шедевров советской музыки.Основой для цикла послужили народные песни Курской области, записанные группой фольклористов и изданные в конце пятидесятых годов. Результатом творческой работы композитора стало это замечательное произведение современности. В «Курских песнях» не проступают черты какой-либо определенной эпохи. Однако в музыке этого произведения нашла отражение жизнь русского народа со всеми его особенностями.

  В поздний период творчества   образный мир пушкинской поэзии вновь привлекает композитора и вдохновляет его на создание прекрасной музыки. Необыкновенно поэтична музыка к телефильму «Метель» по Пушкину. Даже не глядя на экран, а только слушая музыку, можно «увидеть» и картины природы, и жанровые сцены, и бал, который весь разворачивается на фоне вальса, в легких «полетных» интонациях которого ощущаются какие-то трагические предчувствия. Сумрачная настороженность чувствуется в музыке к сцене «Венчания». А сразу ставший популярным и часто исполняемым «Романс» внешне напоминает романсы пушкинской поры, но наполненность какими-то роковыми предчувствиями приближает его к развернутой симфонической поэме.

    В июне 1979 года, когда отмечалось 180-летие со дня рождения Александра Пушкина впервые исполнено новое сочинение Свиридова «Пушкинский венок», концерт для хора. Это десять номеров, составляющих единое целое. Десять стихотворений, на которые написаны хоры, по содержанию не связаны между собой: единым целым их делает музыка, возвышенная по настроению и одновременно конкретная в своей образности, а подчас и картинности. Обращают на себя внимание сочинения на стихи Блока: кантата «Ночные облака», 1979 года. Через год появился хоровой цикл «Песни безвременья».

     В современной музыке все больше усложняется музыкальный язык, обостряется диссонантность звучаний. Потому свиридовская кажущаяся простота в сочетании с новыми интонациями, порождая ясность мысли, прозрачность звучания, кажется особенно ценной. Поиски композитора именно в этом направлении снискали глубокое чувство признательности художнику - за внимание к тому, что есть лучшее в нашем национальном искусстве, в русской народно-песенной стихии.

     Георгий Васильевич Свиридов скончался 6 января 1998 года. После отпевания в храме Христа Спасителя великого композитора похоронили на Новодевичьем кладбище столицы.

«Альбом пьес для детей»

Георгий Свиридов- автор симфоний, камерных ансамблей, а также замечательных романсов и вокально - симфонических произведений. Его пьесы для детей написаны с большой душевной теплотой. В них отразились присущие мелодическому стилю композитора распевность и декламационность. Своим глубоким психологизмом они соприкасаются с аналогичными сочинениями Шумана и Мусоргского, и в тоже время новы и свежи по мысли.

« Альбом пьес для детей» Свиридова привлекает ясностью, простотой музыкального языка, искренностью чувств, ярким национальным колоритом. Композитор продолжил традиции, идущие от «Детского альбома» Чайковского.17 пьес «Альбома» Свиридова представляют собой вереницу миниатюр различного характера: лирических, сказочных, танцевальных, маршевых.Есть среди них есть пьесы- пейзажи и игровые сценки.

«Колыбельная песенка». Простая запоминающаяся мелодия излагается попеременно в правой и левой руках. Пьеса играется мягким легато, её естественные фразы выразительны и вокальны.

«Ласковая просьба». Мелодия пьесы одноголосна. В сопровождении повторяется интервал терции и кварты. Казалось бы, вот и вся пьеса! Но как много в ней музыки! Этими простыми средствами создаётся цельный поэтический образ, по- детски чистый и непосредственный. Гармонии совсем не просты, часто они находятся в отдалённом родстве с основной тональностью. Но это лишь усиливает художественное воздействие талантливого произведения.

«Упрямец».Образы композитора всегда конкретны и правдивы. В этой пьесе действие развивается в двух планах: «теме «уговаривающего» взрослого противостоит тема мальчишки- упрямца. Его приходится долго убеждать, в конце концов он сознаёт свою неправоту и просит прощения. К мелодическому голосу так и хочется добавить подтекстовку, однако смысл музыки ясен и без того - литературная программа напрашивается сама собой.

«Звонили звоны» (русская народная песня). Эпически величава старинная песня. Её напевает тенор, подхватывает сопрано, и вот уже звучит весь хор. На первом плане – эмоциональный образ, подчиняющий себе фактурное изложение.

«Старинный танец». Это как бы русский менуэт, в основе которого лежит плагальность народно- песенных оборотов. Пьеса удобно изложена в хорошо звучащих средних регистрах инструмента.

«Перед сном». Окончен хлопотливый день. Вечереет. Тишина. Ребенок остаётся один со своими мечтами. Выразительны мелодические фразы, подкреплённые тонкой педализацией. Светлая, лиричная пьеса найдёт доступ к сердцам юных музыкантов.

«Весёлый марш»

Яркая, ликующая пьеса напоминает фрагмент театральной музыки. В музыкальной ткани без труда можно различить «оркестровые» группы - вот звучат фанфары, а это - скрипки, затем- гобой! Яркая, темпераментная пьеса со множеством кульминационных моментов.

«Колдун».Таинственная, наполненная фантастикой музыка, звучит в низком регистре.Богата звуковая палитра пьесы. Технически миниатюра не трудна.

Грустная песня». Красивая. Интонационно близкая массовой песне мелодия, сразу же остаётся в памяти. Пьеса имеет трёхчастную форму, средний эпизод, изложенный в ритме волевого марша, хорошо контрастирует с основной темой.

«Маленькая токката». Это своеобразная трактовка жанра: выдержанная в народном духе мелодия в размере 5/4сопровождается несложными аккордами в партии левой руки. В пьесе отсутствует обычная для токкат квадратность метрических построений.

«Дождик».Пьеса представляет собой этюд на разнообразные виды техники,но достаточно содержательна в звуковом отношении.

С ергей Прокофьев (1891-1953)

Сергея Прокофьева можно смело назвать солнцем русской музыки XX века. Его творчество напоено могучей жизненной силой, ослепительным светом, проникнуто безграничной любовью к жизни, к человеку, к природе. Его солнечная, словно заряженная жизненной энергией музыка дорога великому множеству людей.Оперы и балеты Прокофьева украшают сцены лучших театров, а симфонии и концерты входят в репертуар лучших оркестров мира. Ни на одном континенте земли нет серьёзного исполнителя, который не играл бы в своих концертах крупных или мелких инструментальных пьес Прокофьева.

Знаменитый композитор родился в Екатеринославской губернии в семье ученого-агронома. Мальчик с детства проявлял музыкальные способности, его первым учителем была мать — хорошая пианистка. В 1902–1903 годах Прокофьев брал частные уроки у композитора Рейнгольда Глиэра. В 1904 году он поступил в Петербургскую консерваторию. В 1909 году Прокофьев закончил ее как композитор, через пять лет — как пианист, до 1917 года продолжая заниматься в ней по классу органа.

Выступать в качестве солиста и исполнять собственные произведения Прокофьев стал с 1908 года. Ученик Римского-Корсакова, Прокофьев-композитор начинал с фортепианных пьес и сонат, но принесла ему известность чикагская премьера – самая жизнерадостная в мире опера «Любовь к трем апельсинам». Без музыки Прокофьева сегодня нельзя представить признанный шедевр довоенного кино – фильм «Александр Невский». А музыкальное сопровождение «Ивана Грозного» Сергея Эйзенштейна получило собственную жизнь как отдельное произведение.

В 1918 году он покинул Советское государство и через Токио добрался до США. В последующие десятилетия Прокофьев жил и гастролировал в Америке и Европе, несколько раз также выступал в СССР. На родину он вернулся в 1936 году вместе с женой-испанкой Линой Кодина и сыновьями. Именно после возвращения были созданы знаменитая сказка «Петя и волк», а также опера «Война и мир». Над этим эпическим произведением Прокофьев работал 12 лет.

В 1948 году Лина Кодина, которая к тому моменту была его бывшей супругой - арестована и сослана (освобождена в 1956 году, позже она покинула СССР). В том же году Прокофьева начали громить за формализм, его произведения резко критиковались как несоответствующие социалистическому реализму.

Скончался Прокофьев 5 марта 1953 года от гипертонического криза в возрасте 61 год.

Великий русский композитор написал свою первую оперу в 9 лет. Прокофьев-мастер крупных форм, которому удавалось переложить на язык музыки и шекспировские страсти Ромео и Джульетты, и встречу пионера Пети с Волком.

Чудесной страницей творчества композитора стала его музыка для детей и юношества. Для маленьких любителей музыки сочиняли многие композиторы, но мало кто уделил этой области творчества столько внимания, серьёзных размышлений и сердечного тепла, сколько Прокофьев.

Прокофьев часто и охотно обращается к сказочным сюжетам, любимым и близким детворе. Ещё в юные годы он сочинил музыку на текст знаменитой сказки Андерсена «Гадкий утёнок», а в зрелые годы положил сказочные сюжеты в основу своих чудесных балетов «Золушка» и «Сказ о каменном цветке».Среди «сказочных» сочинений композитора встречаются и поэтичнейшие «Сказки старой бабушки» и озорной балет « Сказ про шута, семерых шутов перешутившего». А рядом с этим русско - сказочным балетом стоит пронизанная таким же острым юмором опера на сюжет итальянской сказки Карло Гоцци «Любовь к трём апельсинам». Сюда же примыкает и любимая ребятами всего мира симфоническая сказка «Петя и волк», слушая которую дети наглядно знакомятся с основными инструментами симфонического оркестра.

Эта симфоническая сказка ведет нас к другим произведениям детской области прокофьевского творчества – основанных на жизненных, реальных сюжетах, почерпнутых из жизни. Это- сюита «Зимний костёр» на стихи С.Маршака, большая оратория «На страже мира» на его же стихи, где дети являются важнейшим, центральным действующим лицом сочинения. Это и полная изумительного юмора песня- скороговорка на стихи Агнии Барто - «Болтунья»,это, наконец и альбом пьес для молодых пианистов , озаглавленный Прокофьевым «Детская музыка».

Фортепианный альбом «ДЕТСКАЯ МУЗЫКА»

«Детская музыка» — цикл фортепианных пьес, написанный Сергеем Прокофьевым в 1935 г. Сам композитор так вспоминал о своей работе над этим сборником: «Летом 1935 года, одновременно с «Ромео и Джульеттой», я сочинял легкие пьески для детей, в которых проснулась моя старая любовь к сонатинности, достигшая здесь, как мне казалось, полной детскости. К осени их набралась целая дюжина, которая затем вышла сборником под названием «Детская музыка», ор. 65. Последняя из пьесок, «Ходит месяц над лугами», написана на собственную, а не народную тему. Я жил тогда в Поленове, в отдельной избушке с балконом на Оку, и по вечерам любовался, как месяц гулял по полянам и лугам. Надобность в детской музыке ощущалась явно…».В сборник вошли 12 разнохарактерных пьес, которые рассказывают о насыщенном яркими событиями одном летнем дне ребенка. То, что в «Детской музыке» царит атмосфера именно летнего дня, уточнил сам композитор: в 1941 г. Прокофьев сделал оркестровую транскрипцию нескольких пьес из своего фортепианного сборника «Детская музыка» и объединил их в сюиту, которой дал название «Летний день». Один день маленького героя «Детской музыки» Прокофьева наполнен веселыми играми и встречами, детскими мечтами и фантазиями, яркими впечатлениями от знакомства с природой.

В образной сфере сборника продолжают развиваться темы детских музыкальных альбомов XIX века. (сказка, природные образы, сцены из детской жизни, жанровые танцевальные пьесы). Важную роль в цикле играют образы природы, музыка отдельных пьес пронизана интонационными оборотами, характерными для народных песен. Вдохновляясь, картинами русской природы и народной песней, опираясь на традицию кучкистов и на традицию, заложенную детским альбомом Чайковского, Прокофьев создает уникальный цикл детской музыки, в котором ярко и отчетливо проявился неповторимый почерк композитора-новатора.

Простота форм и лаконичность, ясность музыкальной лексики, сочетаются в пьесах с типичными для композитора приемами: по-театральному яркие сопоставления контрастных эпизодов, широкий охват клавиатуры, разнообразные скачки, четкий «упругий» ритм, остинатность и моторность в музыке, смелые тональные соотношения и колоритные тембральные краски, терпкие гармонии (аккорды-«кляксы») и импровизационно извивающаяся хрупкая мелодика светлых лирических эпизодов – все это присутствует в «Детской музыке».

Прокофьев стремился писать детскую музыку, не упрощая своего музыкального языка, но в то же время так, чтобы дети могли справится с техническими трудностями. Поэтому цикл прекрасно подходит для первого знакомства маленьких слушателей с творчеством Прокофьева и музыкой XX века.

Интересно, что все двенадцать пьес имеют четко выраженнуютрехчастность строения. Понятно, что трехчастная форма, сочетающая в себе контрастность и повторность в изложении основных музыкальных мыслей, способствует «удобству» восприятия музыки, предназначенной для маленьких слушателей и исполнителей.В пьесах преобладает стихия движения, жеста и пластики, не случайно половина сборника- ярко выраженные жанровые пьесы.

Все пьесы, входящие в сборник, имеют программные заголовки.Самые быстрые пьесы цикла - стремительная «Тарантелла»и искромётные пятнашки. Покоряют своей поэтичностью пейзажные зарисовки «Утро», «Сказочка», «Дождь и радуга», «Вечер», «Ходит месяц над лугами». Полны свежести, фантазии и юношеского задора «Прогулка», «Вальс», «Шествие кузнечиков», «Марш».Глубину эмоциональных переживаний раскрывает единственная психологическая миниатюра «Раскаяние».

Открывает цикл пьеса «Утро»-музыкальный пейзаж,рисующая картину наступления нового дня, пробуждения природы. Это начало летнего дня, воздух прозрачен и свеж. Тональность До-мажор подчёркивает чистоту и целомудренность в природе и душе человека.Солнце ещё не взошло, но его первые, прозрачные лучи мягко освещают природу. Восемь начальных и шесть заключительных тактов создают атмосферу раннего утра.Между аккордами, звучащими то в высоком, то в низком регистрах, свободно и легко дышится светлой, простой, свежей «утренней» мелодии.А в глубоких басах слышны словно остатки уходящей ночи- там всё ещё в тени, туда ещё не дошли первые предвестники наступающего дня. В среднем разделе пьесы, идущая в левой руке певучая, мерно поднимающаяся тема, напоминает о тембре фагота.

 «Прогулка» -приносит с собой утреннюю бодрость и радость. Всё кругом посветлело и повеселело. Исчезли последние тени.Особенность группировки трёхдольного ритма и незатейливость мелодии – песенки хорошо сочетаются,передавая бодрую, пританцовывающуюпоходку и незатейливуюутреннюю песенку ребенка,начинающего свой день. \

«Сказочка»-лирическая пьеса звучит контрастно двум первым пьесам, вводит слушателя в излюбленную композитором область сказочности,в мир детских грез и фантазий. Тихая, нежная и очень русская по мелодике пьеса принадлежит к лучшим в сборнике. Рассказчица не упоминается, но музыкальный аккомпанемент подсказывает её образ: сидящая за вязанием няня рассказывает сказку. Монотонное вступлениенастраивает на умиротворённо- повествовательный характер пьесы.Трогательно простая, жалобная мелодия напоминает русский жалобный наигрыш, выразительно оттененный «подголосочной» полифонической тканью пьесы.

«Тарантелла».Пьеса выступает ярким контрастом к повествовательной плавно льющейся мелодии «Сказочки». Это одна из самых виртуозных и эффектных пьес цикла жанрово- танцевального характера с острым ритмом и свободно- прихотливым движением. Она сверкает, искрится и захватывает своим стремительным порывом. Всё здесь весело и красочно, как на карнавале!

Тарантелла- итальянский танец со стремительным движением, с острыми акцентами, неожиданными сменами тональностей.(Тарантелла – это итальянский народный танец в сопровождении гитары, тамбурина и кастаньет (в Сицилии); музыкальный размер — 6/8, 3/8. Характерной особенностью тарантеллы является ритмический рисунок, насыщенный триолями. Этот стремительный танец исполняется одной или несколькими парами, иногда сопровождается пением). 

Прокофьев с удивительной тонкостью воссоздаёт своеобразный национальный колорит пьесы , хотя в ней нет ни одной подлинной итальянской мелодии.

Музыка ее крайних разделов отмечена упругостью ритма и стремительностью, присущей темпераментному итальянскому танцу. Яркий контраст привносит в музыку этой пьесы очаровательная мелодия среднего эпизода, полная мягкого юмора и улыбки. При этом пульс оживленного движения остается таким же непрерывным, неутомимо-энергичным.

 «Раскаяние». В этой  пьесе преобладает психологизм музыкального повествования, глубокое раскрытие внутреннего мира, ребенка. Напевная мелодия этой миниатюры не лишена выразительной декламационности. Контрастная по характеру миниатюра, передающая внутреннее состояние ребенка, переживающего из-за совершенного им проступка:  (первоначальное название — «Стыдно стало»). Раскаяние- самая серьезная из всех двенадцати пьес. Она хорошо передаёт чувства ребёнка, впервые в жизни задумавшегося над какими-то очень важными вопросами и впервые в жизни сурово отнёсшегося к своим поступкам. Фактура пьесы полифонична, местами это ярко выраженное двухголосие.

«Вальс»- бальный танец, обычно быстрый или умеренно быстрый. У Прокофьева музыка вальсов пленяет пластичностью мелодической линии кристальной чистотой звучания.В ней как бы соединяются чистый мир детства и хрупкая обаятельная женственность. Светлый и прелестный, он заставляет вспомнить лучшие лирические страницы прокофьевских балетов и опер. Настроение и образы вальса напоминают о юных героинях Прокофьева: Наташе Ростовой, Джульетте, Золушке.

Этот вальс, прозрачный, парящий, передаёт чувство кружения, свободы и юношески- радостного открытия мира. Он пронизан лиризмом, а причудливость гармонического и мелодического развития вносит в характер пьесы черты сказочности. Большое значение Прокофьев придаёт здесь регистровым краскам.

«Шествие кузнечиков» - само название пьесы настраивает на шутливый тон. Изящная и очень забавная пьеса рисует шуточную картину шествия прытких проказников на длинных, непонятно изогнутых ножках. Скерцозный характер весёлого галопа с чертами маршевостии преобладанием фанфарных интонаций и острым пунктирным ритмом хорошо передают её жизнерадостное настроение, приходят на смену лирической мелодии вальса в этой пьесе-шутке.

«Дождь и радуга»- маленькое интермеццо, являющее собой интересный пример колористической звукописи Прокофьева. Эта пьеса – своеобразный музыкальный пейзаж, в котором средствами звукоизобразительности композитор рисует «настроение дождя» и «настроение радуги». В пьесе сопоставляются две гармонические сферы- дождя и радуги.Первая- сфера дождя, создаёт эмоциональное напряжение свое монотонностью и уныло звучащими мотивами дождевой капели. Сумрачное настроение создаёт мотив остро диссонирующей ум 3и повторяющийся звук «ре».

Целотонные созвучия снимают напряжение в сфере дождя , приводят к просветлению эмоционального колорита. Сфера радуги спускается с высоты широкой и раскидистой мелодией в До- мажоре, вносит успокоение и обновление.

«Пятнашки»  - детская игра, напоминающая «салки». Музыка пьесы передаёт беззаботную радость детских подвижных игр, в которых много озорства, юмора, улыбки. Это вторая развёрнутая пьеса цикла, написанная в жанре быстрого этюда, где крайние его части по характеру музыки,стремительности и виртуозности, мелодическому рисунку, а также по фактуре изложения перекликаются с «Тарантеллой».

«Марш» - одна из самых знаменитых и часто исполняемых пьес цикла.  В «Марше» остроумно сочетается некоторая «игрушечность» колорита (особенно в среднем разделе) сизлюбленным у Прокофьева образом комического шествия (вспомним марш из оперы «Любовь к трём апельсинам»).Бодрая и приподнятая музыка с задорными форшлагами и упругими акцентами в мелодии, с ярким динамическим развитием и тембральными перекличками словно рисует компанию весело шагающих на встречу к новым открытиям детей.

В основе темы лежит тонико-доминантная гармония. Средний раздел более причудлив и фантастичен - упругость ритма, импульсивность мелодии, усложнение фактуры и постепенное усиление динамики увеличивают напряжение. В репризе возвращается задорно- шутливый характер марша. Второе предложение звучит на октаву выше и придаёт завершению пьесы ещё больше блеска и яркости.

Завершают цикл две светлые лирические миниатюры, интонационно близкие народным песням: 

«Вечер» .Пьеса наполнена истинно Прокофьевским лиризмом и благородством.Впоследствии эта пьеса также обрела новое звучание в балете «Сказ о каменном цветке», где мелодия пьесы стала темой любви Катерины и Данилы. Музыка совсем не похожа на музыку «Утра», но отчетливо с ней перекликается. «Там - первые утренние лучи разгоняли ночные тени, здесь - вечерние сумерки приходят на смену последним, уходящим лучами вечернего солнца».

Эта светлая напевная миниатюра написана нежными акварельными красками инапоминает маленький поэтичный ноктюрн или сицилиану. Движение восьмых в левой руке создаёт характер плавного покачивания, на фоне которого изящная «флейтовая» мелодия кажется ещё более текучей и парящей. Средний раздел в Ля бемоль мажоре наполнен удивительным магнетизмом. В репризе мелодия постепенно спускается вниз, что создаёт атмосферу сгущающихся сумерек.

«Ходит месяц над лугами»-миниатюрная вариация на мелодию, звучащую совсем как русская народная хороводная песня. Это чудесная картинка природы, спокойной и поэтичной, тихо спящей, чуть освещённой холодным блеском плывущего по ночному небу месяца.  «Ходит месяц над лугами» тонко и неназойливо вводят маленького слушателя в волшебный мир русской сказочности и песенности. Сочинил её композитор под впечатлением ночного пейзажа,очём писал в своей «Автобиографии». Пьеса написана в форме несложных вариаций на простую, в народном духе тему, с характерными переливами гармошки.

Каждая из этих пьес не только доставит удовольствие юным пианистам, но и разовьет их фантазию,продвинет их пианистическую технику.

Прокофьев не раз возвращался в своём творчестве к полюбившимся детским пьесам. Отдельные темы он в дальнейшем использует в своих крупных произведениях, а в 1941 году создаёт семичастную симфоническую сюиту «Летний день», в которую вошли семь пьес из альбома.Пьесы из сборника Прокофьева «Детская музыка» звучат в мультфильме «Прогулка» (Союзмультфильм, режиссер И. Ковалевская).

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 – 1975), великий композитор XX века, подчёркивал огромное значение музыки, которая открывает удивительный мир высоких чувств, мыслей и страстей, показывает нам жизнь в новых тонах и красках. Его музыка — сильнейшее художественное воплощение нашего времени.

Судьба страны, собственная судьба композитора привели к созданию произведений потрясающей силы. О том, что происходило в нашей стране и во всем мире, Шостакович говорил с остротой личного переживания. Композитор был свидетелем великих исторических событий: первая мировая война, социалистическая революция в России, Великая Отечественная война. Вся жизнь страны, её народа, все тяготы и трагедии века нашли мощное эмоциональное отражение в его музыке.

Дмитрий Шостакович родился в Санкт-Петербурге в 1906 году. Его отец работал инженером и страстно любил музыку, мать была пианисткой. Она давала сыну первые уроки игры на фортепиано. В 11 лет Дмитрий Шостакович начал заниматься в частной музыкальной школе. Преподаватели отмечали его исполнительский талант, прекрасную память и абсолютный слух.В 13 лет юный пианист уже поступил в Петроградскую консерваторию по классу фортепиано, а через два года — на факультет композиции. Шостакович работал в кинотеатре тапером. Во время сеансов он экспериментировал с темпом композиций, подбирал для персонажей ведущие мелодии, выстраивал музыкальные эпизоды. Позже он использовал лучшие из этих фрагментов в своих сочинениях. С 1923 года Шостакович работал над Первой симфонией. Произведение стало его дипломной работой, премьера прошла в 1926 году в Ленинграде. Позже композитор вспоминал: «Симфония вчера прошла очень удачно. Исполненье было превосходное. Успех огромный. Я выходил кланяться пять раз. Все великолепно звучало».

В 1932 году Дмитрий Шостакович написал оперу «Леди Макбет Мценского уезда». Ее поставили под названием «Катерина Измайлова», премьера прошла в 1934 году. За два первых сезона оперу исполняли в Москве и Петербурге более 200 раз, а также играли в театрах Европы и Северной Америки.

В 1936 году оперу «Катерина Измайлова» посмотрел Иосиф Сталин. В «Правде» вышла статья «Сумбур вместо музыки», оперу объявили «антинародной». Вскоре большинство его композиций исчезли из репертуаров оркестров и театров. Шостакович отменил назначенную на осень премьеру Симфонии № 4, но продолжал писать новые произведения. Спустя год прошла премьера симфонии № 5. Сталин назвал ее «деловым творческим ответом советского художника на справедливую критику», а критики — «образцом соцреализма» в симфонической музыке.

В первые месяцы войны Дмитрий Шостакович находился в Ленинграде. Он работал профессором в Консерватории, служил в добровольной пожарной дружине — тушил зажигательные бомбы на крыше Консерватории. Во время дежурств Шостакович писал одну из самых известных своих симфоний — Ленинградскую. Автор закончил ее в эвакуации в Куйбышеве в конце декабря 1941 года.Впервые симфонию исполнил в марте 1942 года эвакуированный в Куйбышев оркестр Большого театра. Через несколько дней композицию сыграли в Колонном зале московского Дома союзов.В августе 1942 года Седьмая симфония прозвучала в блокадном Ленинграде. Чтобы сыграть композицию, написанную для двойного состава оркестра, музыкантов отзывали с фронта. Концерт длился 80 минут, из зала Филармонии музыку транслировали по радио — ее слушали в квартирах, на улицах, на фронте.

В 1948 году Дмитрия Шостаковича, Сергея Прокофьева и Арама Хачатуряна обвинили в «формализме», «буржуазном декадентстве» и «пресмыкании перед Западом». Шостаковича уволили из Московской консерватории, его музыку запретили. Через год запрет официально сняли, композитора отправили в США в составе группы деятелей культуры Советского Союза. В 1950 году Дмитрий Шостакович был членом жюри в Конкурсе имени Баха в Лейпциге. Он вдохновлялся творчеством немецкого композитора: «Музыкальный гений Баха мне особенно близок. Мимо него невозможно пройти равнодушно... Каждый день я играю одно из его произведений. Это моя насущная потребность, и постоянный контакт с музыкой Баха дает мне чрезвычайно много». После возвращения в Москву Шостакович стал писать новый музыкальный цикл — 24 прелюдии и фуги.

В 1957 году Шостакович стал секретарем Союза композиторов СССР, в 1960 году — Союза композиторов РСФСР (в 1960–1968 — первый секретарь).

В середине 60-х годов в советские оркестры и театры вернулись сочинения Дмитрия Шостаковича 20-х годов, в том числе опера «Катерина Измайлова». Композитор написал Симфонию № 14 на стихи Гийома Аполлинера, Райнера Марии Рильке, Вильгельма Кюхельбекера, цикл романсов на произведения Марины Цветаевой, сюиту на слова Микеланджело. В них Шостакович иногда использовал музыкальные цитаты из своих ранних партитур и мелодий других композиторов.

Кроме балетов, опер и симфонических произведений Дмитрий Шостакович создавал музыку к кинокартинам — «Простые люди», «Молодая гвардия», «Гамлет», и мультфильмам — «Танцы кукол» и «Сказка о глупом мышонке». В последние годы жизни композитор тяжело болел. Дмитрий Шостакович умер в Москве в августе 1975 года. Его похоронили на Новодевичьем кладбище.

Фортепианный цикл ТАНЦЫ КУКОЛ

Ш остакович работал во всех жанрах, им написаны: 15 симфоний, концерты для солирующих инструментов, камерная музыка, оперы, балеты, оратория, 2 кантаты, романсы и песни, музыка к театральным постановкам и фильмам, фортепианные произведения.Сборник «Танцы кукол» – еще одна грань творчества Шостаковича – музыка для детей, он считается шедевром мировой классической музыки. Цикл фортепианных пьес «Танцы кукол» были написаны Шостаковичем для своих любимых детей Максима и Галинки в период с 1959 – 1962 г. Каждая пьеса звучит ярко, по-своему неповторимо и очень мелодично и, что очень важно, – господствует мажор. Эти пьесы удивляют своей простотой, оптимизмом, лёгкостью исполнения.

Фортепианный сборник включает в себя семь пьес: “Лирический вальс”, “Гавот”, “Романс”, “Полька”, “Вальс-шутка”, “Шарманка”, “Танец”. Он был написан после аналогичного цикла “Детская тетрадь”. Оба этих цикла явились авторскими переработками для фортепиано написанной композитором в различное время балетной музыки (балеты“Золотой век”, “Болт”, “Светлый ручей”). Поэтому при восприятии этих пьес нетрудно представить движения и характеры предполагаемых персонажей при всей обобщённости их названий.

Кукла – один из самых многозначных символов в искусстве и культуре, главный спутник детства, универсальная модель, с помощью которой дети познают окружающую действительность, постигают отношения между людьми, осваивают социальные роли. В пьесах Шостаковича игрушки развлекают и утешают ребёнка, веселят и заставляют задуматься.

История создания альбома «Танцы кукол» очень необычна.

Когда Дмитрий Дмитриевич был маленький, ему приснился сказочный сон. Будто бы он забрел на чердак своего дома. Среди старых забытых вещей он нашел огромный, покрытый паутиной и пылью сундук. В нём было множество разных предметов - сундук был наполнен самыми разными куклами. Здесь были куклы из детского кукольного театра,были и куклы в старинных бальных нарядах, куклы-матрёшки в расписных сарафанах, а также куклы, сшитые из тряпок, был и шарманщик, который накручивал ручку своей шарманки. На самом дне лежала кукла необыкновенной красоты. На ней было красивое платье с блёстками, золотые локоны обрамляли красивое личико, глазки, словно звёздочки горели глянцевым блеском, она напоминала сказочную Фею. Дети заигрались с куклами и устроили целое представление. Им казалось, что они очутились в красивом большом зале, где вдруг зазвучала чудесная музыка. Она была такой волшебной, что нельзя было не восторгаться ею, такая она была нежная, изящная. Услышав эту музыку, Фея-кукла, вдруг ожила , стала кружиться и звать других кукол на бал: «Куклы, милые, вставайте, бал волшебный открывайте! И вот на середину зала одна за другой стали выходить куклы и танцевать, танцевать! Так бы и дальше продолжался сказочный сон, но тут мама тронула Митю за плечо и сказала: «Митя, Митя просыпайся!» Позже, став композитором, он воплотил свой сказочный сон в музыке, так появился детский альбом «Танцы кукол», который композитор посвятил своей дочери Галине.

Сюита “Танцы кукол” рассчитана уже на более высокий уровень подготовки юных исполнителей. Пьесы из неё стали любимыми фортепианными сочинениями для домашнегомузицирования.

Открывает цикл «Лирический вальс». Лирический – значит, задушевный, нежный, взволнованный. Начинается вальс волшебной, сказочно красивой мелодией, нежной и мечтательной. Устремлённой и полётной. В этой пьесе слышатся интонации неземной, фантастической музыки. Вместе с тем, эта музыка по – человечески очень теплая, наполнена чувством радостного ожидания, восторга. Здесь много технических сложностей, художественных тонкостей: пьеса требует гибкости исполнения и технической свободы.

Гавот.Этот старинный французский хороводный танец появился 400 лет назад.Отличается умеренным темпом, светлым, энергичным, торжественным характером, некоторой величавостью. Позднее в XVIIIгавот стал популярным придворным танцем, соперничая с менуэтом в изяществе и грации движений на придворных балах.

Романс.Эта пьеса носит название, отсылающее к вокальному жанру, связанному со словом. Оно подчёркивает отдельные детали в её содержании (так называемые жанровые признаки): наличие самостоятельной, развитой мелодии, вокальную природу её звукоизвлечения, присутствие аккомпанемента, повествовательный характер изложения, некоторую событийность. Уточнение (из сборника «Танцы кукол») позволит конкретизировать создание музыкальной образности, представить “действующих лиц”, возможно, сочинить определённый сюжет. Фактура отличается прозрачностью и несложностью: устойчивое закрепление мелодии за партией правой руки и преобладающее двузвучие гармонического сопровождения.

Полька. В переводе с чешского означает «половинка шага». Это чешский народный танец, подвижный, сопровождается маленькими прыжками. Позднее от него произошёл бальный танец – более праздничный, задорный. Характер польки очень игривый, задорный, смелый. От такой музыки как будто искрятся и рассыпаются вокруг смешинки! Ноги сами так и идут в пляс!

«Вальс-шутка». Звучит в очень высоком регистре, отрывисто, прозрачно, изящно, как музыкальная шкатулка. Звонкие и нежные звуки создают впечатление танцующей куколки. Вальс в переводе с французского означает «кружиться». По характеру вальсы бывают разные, но чаще всего это плавный танец.

«Шарманка».Часто мелодии шарманок жалобные, заунывные. Но эта шарманка очень весёлая и забавная. Аккомпанемент в пьесе звучит без изменения от начала до конца. Так передаётся однообразие, механичность звучания этого инструмента.

«Танец». В этой пьесе можно услышать ярмарочное веселье, подражание народным инструментам – балалайкам, гармошке, трещоткам, бубенцам, дудочкам, которые, быть может, сопровождают кукольное представление. Музыка похожа на забавный танец петрушек, которым аккомпанирует целый оркестр народных инструментов. Мелодия построена на чередовании плавных, скользящих и отрывистых, острых звуков. В музыке много шутливых акцентов, которые звучат неожиданно, задорно.

В 1985 году известный сценарист и режиссер Инесса Алексеевна Ковалевская создала мультипликационный фильм «Танцы кукол» на музыку Д. Шостаковича, интересный как взрослым, так и детям. Фильм оказался прекрасной иллюстрацией к одному из лучших произведений мировой классической музыки – «Танцы кукол» Шостаковича.

КОНТРОЛЬНЫЕ ВОПРОСЫ ПО ТЕМАМ

Введение. Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве зарубежных композиторов.

1. Назовите наиболее известных зарубежных композиторов- авторов детской музыки.

2. Какие из написанных ими произведений для детей вам известны?

3. Перечислите имена французских композиторов XX века, обогативших репертуар для детей сочинениями в жанре фортепианного ансамбля.

4. Как назывались сочинения для детей, написанные этими композиторами?

Бах. Нотная тетрадь А. М. Бах

1. Кто такая Анна Магдалена Бах? Что за нотная тетрадь ей принадлежала, кем она была составлена и с какой целью?

2. Кто является автором пьес, входящих в эту тетрадь?

3. Расскажите кратко о содержании второй тетради,

4. Расскажите об особенностях темпа, динамики и штрихах пьес «Нотной тетради А.М.Бах»

Роберт Шуман. "Альбом для юношества»

1.Назовите годы жизни Роберта Шумана. В какой стране он родился?

2. К какому направлению в искусстве относится творчество этого композитора? Каких ещё композиторов этого направления вы знаете?

3. Какие произведения для фортепиано Р.Шумана вам известны?

4. В каком году был создан «Альбом для юношества»? Как история его создания связана с личным, отцовским опытом композитора? Что ещё, кроме нотного текста, содержит этот альбом?

5.Сколько пьес в «Альбоме для юношества»? Какие темы они затрагивают? Перечислите известные вам пьесы «Альбома для юношества».

6.Одна из пьес «Альбома для юношества» в русской редакции имеет другое название. Какое и почему?

7. Перечислите музыкальные портреты цикла.

Жорж Бизе «Детские игры»

1. В какой стране родился автор знаменитой оперы «Кармен»?Назовите годы жизни композитора и наиболее известные его сочинения.

2.Как называется сюита пьес для детей Ж.Бизе? Из какого количества миниатюр она состоит? Сколько музыкантов участвует в исполнении каждой из пьес?

3.Чем отличается содержание детской сюиты Ж.Бизе от шумановского альбома?

4. Существует ли связь между сюитой «Детские игры» Ж. Бизе для фортепиано и другим его сочинением - «Маленькой оркестровой сюитой»?

5.Создайте модель титульного листа для сборника «Детские игры» Ж.Бизе (рисунок в стиле «коллаж»)

Дебюсси «Детский уголок»

1. Как вы понимаете значение термина «импрессионизм»? Какие композиторы являются родоначальниками этого направления?

2. Назовите известные вам произведения Клода Дебюсси в разных жанрах.

3. В каком году написана сюита для фортепиано «Детский уголок»?

Кому посвятил её композитор?

1. Перечисли пьесы, входящие в эту детскую сюиту. Музыка какой из них больше всего запомнилась? Почему?

2. Ритм какого модного джазового танца пародирует Клод Дебюсси в пьесе «Кукольный кейк-уок» ?

Вильям Гиллок «Детский альбом»

1. В какой стране родился композитор Вильям Гиллок? Назовите годы его жизни. Чем, кроме сочинения музыки, известен ещё этот композитор во всём мире?

2. В нижеследующем абзаце пропущено имя великого композитора.

« За рубежом произведения Вильяма Гиллока давно считаются современной классикой фортепианной детской музыки. В честь своего мелодического дара его даже часто называют «………..детских композиторов». Чьё это имя?

1. Как называется альбом детских пьес Вильяма Гиллока?

Сколько в нём пьес? Какие темы и образы они затрагивают?

1. Придумай оригинальные названия для ещё 2х миниатюр «Детского альбома» Вильяма Гиллока.

Обзор фортепианных произведений для детей в творчестве русских композиторов.

1. В какое время появились первые образцы детской музыки в России? Какой великий композитор стоял у истоков детской русской музыки ?

2. Назовите наиболее известных русских композиторовXIX века- авторов музыки для детей.

3. Какие из написанных ими детских произведений вам известны?

4. Расскажите о том, как развивалась детская музыка в XX веке.

Самуил Майкапар «Бирюльки»

1.Назовите годы жизни Майкапара. В каком городе он родился, в каких учебных заведениях получил образование?

2.Какие произведения Майкапара вам известны ?

3. Как называется широко популярный цикл детской музыки, созданный Майкапаром? Сколько в нём пьес? Что означает название цикла?

4. Расскажите об образном содержании пьес цикла.

5. С каким произведением И.С. Баха иногда сравнивают цикл детских пьес Майкапара? Почему?

А.Т. Гречанинов «Детский альбом». « Стеклянные бусинки».

1.Верно ли утверждение: «Наследие Александра Гречанинова отличается масштабностью и разноплановостью.» (Объясните на примерах произведений.)

2. Как история рождения детской музыки Гречанинова связана с его педагогической деятельностью?

3. Сколько пьес содержит «Детский альбом « Гречанинова? Перечислите их названия.

4.С какими темами и образами встречается маленький пианист при знакомстве с пьесами альбома « Стеклянные бусинки»? Приведите примеры.

Свиридов «Альбом пьес для детей»

1. Назовите фамилию российского композитор, пианиста, одного из ос­но­во­по­лож­ни­ков сти­ле­во­го на­прав­ле­ния«но­вая фольк­лор­ная вол­на». Где и когда он родился? Где учился музыке?

2. Перечислите наиболее значительные произведения Г.Свиридова. В какие периоды жизни они написаны?

3. Какие традиции, идущие от «Детского альбома» Чайковского , продолжает Свиридов в своем «Альбоме пьес для детей»?

4. Назовите пьесу из альбома Свиридова, где используется музыкальная тема другого русского гения, обработанная практически до неузнаваемости. Что это за музыкальная тема?

Сергей Прокофьев « Детская музыка»

1. Когда и где начались занятия музыкой композитора Сергея Прокофьева? Назовите имена его преподавателей в детские и юношеские годы.

2. Перечислите наиболее значительные сочинения Прокофьева. К каким жанрам они относятся?

3. В каком году создан цикл «Детская музыка», сколько пьес он содержит? Назовите пьесы - пейзажные зарисовки или связанные с образами природы.

4. Придумайте короткий рассказ, используя в качестве музыкального оформления пьесу «Шествие кузнечиков».

Дмитрий Шостакович «Танцы кукол»

1. Назовите самые известные произведения Шостаковича. С какими важными историческими событиями совпало их написание?

2. Какие из своих более ранних сочинений переработал композитор, создавая альбом «Танцы кукол»?

3. Сколько пьес содержит альбом «Танцы кукол»? Как они называются?

4. Посмотрите мультипликационный фильм «Танцы кукол» на музыку Д. Шостаковича, созданный в 1985 году. Нарисуйте иллюстрации к истории, рассказанной в мультфильме.

Примеры вопросов для итогового контрольного урока (письменная работа):

1. Каких композиторы создали «Детские альбомы»?

2. Кто из великих композиторов был выдающимся музыкантом - исполнителем? (укажите страну и время, когда жил этот музыкант)

3. Какие важные исторические события произошли в России за время жизни Прокофьева?

4. Кто из композиторов включал с народные песни в свои сборники?

5. Какие инструменты предшествовали фортепиано?

6. Кого из композиторов мы называем импессионистами?

7. Какие новые жанры появляются в творчестве композиторов XX века?

8. Какими пьесами заканчиваются детские циклы, перечислите их.

9. У кого из композиторов есть циклы из 24 пьес, с чем связано такое количество?

10. Что нового внес Р. Шуман в детскую музыку?

11. Вспомните музыкальные портреты в детских циклах.

12. Какие вокальные детские циклы вы знаете?

13. Какие музыкальные произведения возникли как посвящение своим родственникам?

14. Какие детские пьесы входят в вашу программу? Напишите, что вы знаете об авторах (страна, время).

Итоговая письменная проверочная работа (кроссворд)

Вопросы по горизонтали:

1.Эта увлекательная тема часто присутствует в детских альбомах самых разных композиторов.

2. В одной из пьес цикла «Детская музыка» С.Прокофьева в шествии участвую эти насекомые.

3. Пьеса «Колыбельная Джимбо» принадлежит этому французскому композитору.

4. Музыкальный стиль, зародившийся во Франции в живописи.

5. Любимый трехдольный танец из детских фортепианных альбомов.

6. Пьеса Шостаковича, напоминающая звучание этого старинного механического аппарата.

Вопросы по вертикали:

1.Русский композитор - автор пьесы «Маленький командир».

2.Один из детских циклов фортепианных пьес Гречанинова называется

«Стеклянные ……..»

3.Эти полезные «инструкции» для юных музыкантов дополняют «Альбом для юношества» Роберта Шумана.

4. Образ этого злого кудесника нарисовал композитор в своей детской пьесе.

5. Русский композитор - автор вокального цикла «Курские песни», фортепианного «Альбома пьес для детей», а также музыкальных иллюстраций к повести Пушкина «Метель».

6. Французский композитор, сочинивший пьесы «Волчок», «Маленький муж, маленькая жена».

7. Автор фортепианного цикла «Танцы кукол».

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ УЧЕБНОЙ И МЕТОДИЧЕСКОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

1. Аверьянова О.И. «Отечественная музыкальная литература ХХ века».

Учебник для ДМШ (четвертый год обучения). М., «Музыка», 2005.

2. Брянцева В.Н. «Музыкальная литература зарубежных стран». Учебник для детских музыкальных школ (второй год обучения). М., «Музыка», 2002.

3. Ермакова О.К. «Уроки музыкальной литературы». Первый год обучения. Ростов-на-Дону, «Феникс», 2012.

4.Козлова Н.П. «Русская музыкальная литература». Учебник для ДМШ (третий год обучения). М., «Музыка», 2004.

5. Лагутин А.И., Владимиров В.Н. «Музыкальная литература». Учебник для 4 класса детских музыкальных школ и школ искусств (первый год обучения). М., «Престо», 2006.

6. Осовицкая З.Е., Казаринова А.С. «В мире музыки». Первый год обучения. М., «Музыка», 2002.

Островская Я., Фролова Л. «Музыкальная литература в определениях и нотных примерах». Учебное пособие для ДМШ. 1 год обучения. С-Пб., «Композитор», 2003.

7. Прохорова И.А. «Музыкальная литература зарубежных стран» для 5 класса ДМШ. М., «Музыка», 2003.

8. Смирнова Э.С. «Русская музыкальная литература». Учебник для ДМШ (третий год обучения). М., «Музыка», 2004.

9. Шорникова М. «Музыкальная литература. Музыка, ее формы и жанры».

Первый год обучения. Ростов-на-Дону, «Феникс», 2003.

10. Шорникова М. «Музыкальная литература. Развитие западноевропейской

музыки». Второй год обучения. Ростов-на-Дону, «Феникс», 2003.

11. Шорникова М. «Музыкальная литература. Русская музыкальная классика». Третий год обучения. Ростов-на-Дону, «Феникс», 2003.

12. Шорникова М. «Музыкальная литература. Русская музыка ХХ века». Ростов- на-Дону, «Феникс», 2003.

13. Калинина Г.Ф. Музыкальная литература. Тесты. Вып. I-IV. М., 2003.

14. Островская Я.Е., Фролова Л.А., Цес Н.Н. Рабочая тетрадь по музыкальной литературе зарубежных стран (2 год обучения). С-Пб., «Композитор», 2012.

15. Панова Н.В. Музыкальная литература зарубежных стран (рабочая тетрадь для 5 класса). М., «Престо», 2009.

16. Панова Н.В. Русская музыкальная литература (рабочая тетрадь для 6-7 классов). I часть. М., «Престо», 2009; II часть. М., «Престо», 2010.

17. Лагутин А.И. Методика преподавания музыкальной литературы в детской музыкальной школе. М., «Музыка», 1982.

18. Лагутин А.И. Методика преподавания музыкальной литературы в детской музыкальной школе (для музыкальных училищ). М., «Музыка», 2005.

19.Лисянская Е.Б. Музыкальная литература: методическое пособие.

М., «Музыка», 2001.

20.Всеобщая история музыки /авторы-составители Минакова А., Минаков С. – М., «Эксмо», 2009.

21.Жизни великих музыкантов.

Вып.1 – Роланд Вернон. А.Вивальди, И.С.Бах, В.А.Моцарт, Л.Бетховен;

Вып.2 – Роланд Вернон. Ф.Шопен, Д.Верди, Д.Гершвин, И.Стравинский;

Вып.3 – Николай Осипов. М.Глинка, П.Чайковский, М.Мусоргский, Н.Римский-Корсаков. Издательство «Поматур».

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/551896-antologija-detskoj-fortepiannoj-muzyki